‘Asteroid City’: el teatro a todo color

Las películas de Wes Anderson (El gran hotel Budapest) se han convertido en muy poco tiempo en un desafío para el espectador. No solo por su inteligencia, su ironía y su definido lenguaje narrativo, sino por la cantidad de actores y actrices que participan en ellas. Su última obra representa lo mejor de su cine, y lo hace además con una propuesta visualmente fascinante.

Como historia , Asteroid City no es necesariamente una gran obra. Ahora bien, lo realmente interesante del film está en cómo se narra esa historia. El director opta por combinar formatos, tratamientos y tamaños de fotograma para situar al espectador en todo momento en la dualidad de dos universos diferentes: el real y el de la obra de teatro que se representa. Y no es casualidad que el «mundo real» sea en blanco y negro con un formato 4:3, y el «mundo teatral» sea a todo color y panorámico. Dos diseños casi opuestos en los que el director se mueve como pez en el agua dejando algunos planos brillantes y que se graban para siempre en la retina gracias a la característica planificación a la que ya nos tiene habituados, y que en este desierto se potencia gracias a unos decorados tan minimalistas como originales.

Y luego está lo del reparto. Sinceramente, poco se puede decir de la lista interminable de actores que aparecen en la cinta, más allá de que todos y cada uno de ellos disfruta como pocas veces se ve en pantalla de unos personajes que, debido al alto número que hay, están presentes apenas unos minutos en imagen. El compromiso es lo que permite que, aunque sea un momento, sus interpretaciones se recuerden con claridad. Anderson aprovecha esto para poner en marcha una surrealista historia de un grupo de hombres y mujeres perdidos en sus propias vidas y cómo la presencia de un alien trastoca por completo su estancia en un lugar de paso. La frialdad de todos los personajes aporta, además, ese toque irónico a algunos momentos que solo tienen sentido en el mundo Anderson.

Con Asteroid City, Wes Anderson recupera lo mejor de su cine, estableciendo además un lenguaje entre dos mundos cuyos personajes, en más de una ocasión, dan el salto de uno a otro para desarrollar una comunicación interna entre la vida real y la imaginada. De este modo, el espectador asiste a un espectáculo visual único, fresco, cargado de ironía y humor negro que juega en todo momento con la idea de estar ante una representación teatral de la vida misma, o de una vida que se asemeja sospechosamente al teatro. Sea como fuere, si en La Crónica Francesa realizaba su particular homenaje al periodismo, aquí la representación teatral es el epicentro de la trama. Evidentemente, no es para todos los gustos, pero es Anderson en estado puro.

Nota: 8/10

‘Flash’ corre a la velocidad de la luz para llegar a ‘Asteroid City’

Fin de semana interesante este que arranca hoy, 16 de junio, en la cartelera española. Varios son los estrenos que aterrizan en las pantallas, como viene siendo habitual en las últimas semanas, pero este tiene un sabor especial, no solo por los títulos, sino por las buenas acogidas previas y los nombres propios que los protagonizan. Comedia, acción, drama, ciencia ficción, fantasía… los espectadores tendrán dónde escoger.

Comenzamos con Flash, la esperada historia del famoso superhéroe de DC Cómics que se ha hecho de rogar para tener su propia película. Dirigida por Andy Muschietti (It e It: Capítulo 2), esta superproducción hollywoodiense arranca cuando el hombre más rápido de la Tierra utiliza sus superpoderes para viajar en el tiempo y cambiar el pasado al intentar salvar a su familia. Lo que no sabe es que eso altera el futuro y queda atrapado en una realidad en la que el general Zod ha regresado y amenaza con la aniquilación, con la diferencia de que no hay superhéroes que puedan salvar el mundo. Su única salida es recurrir a un Batman muy diferente al que conoce para que salga de su retiro y rescate a una kryptoniana encarcelada, teniendo que afrontar además una difícil decisión. Acción, aventura, algo de humor y drama es lo que promete esta cinta protagonizada por Ezra Miller (Liga de la Justicia), Ben Affleck (El último duelo), Michael Keaton (Morbius), Sasha Calle (serie The young and the restless), Kiersey Clemons (Antebellum), Maribel Verdú (El año de la furia), Ron Livingston (El bar de las grandes esperanzas) y Michael Shannon (Ámsterdam), entre otros.

También estadounidense, aunque muy diferente, es Asteroid City, lo nuevo de Wes Anderson (La Crónica Francesa). Con dosis de comedia, drama y romance, la trama se sitúa en una población desértica de Estados Unidos en 1955, donde se desarrolla una convención de aspirantes a astrónomos/cadetes espaciales. Allí acuden una serie de personajes cuyas vidas se verán radicalmente alteradas por una serie de acontecimientos que cambiarán el mundo. Como es habitual en las películas de Anderson, el reparto es extenso y cargado de importantes nombres del séptimo arte, entre los que destacan Jason Schwartzman (serie Fargo), Scarlett Johansson (Viuda Negra), Tom Hanks (Elvis), Jeffrey Wright (The Batman), Tilda Swinton (La hija eterna), Bryan Cranston (El magnífico Iván), Edward Norton (Huérfanos de Brooklyn), Adrien Brody (Mira cómo corren), Liev Schreiber (serie Ray Donovan), Hope Davis (Greenland: El último refugio), Steve Park (Phobias), Rupert Friend (Infinite), Maya Hawke (serie Stranger things), Steve Carell (El vicio del poder), Matt Dillon (Land of dreams), Willem Dafoe (Spider-Man: Sin camino a casa) y Margot Robbie (El Escuadrón Suicida).

El tercer estreno procedente de Hollywood es Operación Kandahar, thriller de acción que tiene como protagonista a un agente de la CIA que, tras sabotear un reactor nuclear iraní, descubre que su identidad ha sido revelada a los medios. Esto le dará solo 30 horas para llegar al aeropuerto de Kandahar y evitar su muerte y captura, para lo que solo contará con la ayuda de un traductor afgano que desprecia la violencia. Dirigida por Ric Roman Waugh (Objetivo: Washington D.C.), la película está protagonizada por Gerard Butler (Geostorm), Navid Negahban (Aladdín), Ali Fazal (Muerte en el Nilo), Olivia-Mai Barrett (serie Penny en M.A.R.S.), Bahador Foladi (Mi ‘perfecta’ hermana), Nina Toussaint-White (serie The feed) y Vassilis Koukalani (serie Teherán).

Entre las novedades europeas destaca Los amantes del engaño, producción francesa de 2022 escrita y dirigida por Nicolas Bedos (La belle époque) que mezcla drama y suspense en un argumento cuyo punto de partida es el romance entre un joven gigoló y una seductora estafadora. Ambos urdirán un retorcido plan en la Riviera Francesa en busca de una vida de lujo, para lo que deberán sacrificar los medios de vida de una antigua estrella de cine y de un agente inmobiliario. Pierre Niney (Los amantes), Marine Vacth (Pinocho), Isabelle Adjani (Soeurs), James Wilby (El duque), François Cluzet (El hombre del sótano), Laura Morante (Lazos), Emmanuelle Devos (Quiero hablar sobre Duras) y Charles Berling (Clara y Claire) encabezan el reparto.

También procede de Francia la comedia Gemelos pero no tanto, cinta de 2022 que arranca cuando dos hombres de 33 años descubren que son gemelos. La sorpresa es aún mayor cuando ven que uno es blanco y el otro negro, aunque el color de su piel no es lo único que los diferencia. Olivier Ducray (La vie des gens) y Wilfried Méance (que debuta en el largometraje) dirigen a cuatro manos este film entre cuyos actores principales destacan Ahmed Sylla (Inséparables), Bertrand Usclat (Fonzy), Jean-Luc Bideau (Tambour battant), Pauline Clément (Las fantasías), Isabelle Gélinas (Entre amigos), Gérard Jugnot (Ricos y mimados) y Jean-Michel Lahmi (Vuelta a casa de mi hija).

Entre la producción española destaca Kepler Sexto B, comedia dramática con toques de ciencia ficción cuya trama está protagonizada por una solitaria niña que vive con su padrastro y tiene un peculiar vecino que pasa sus días refugiado en un mundo imaginario en el que es un astronauta de la NASA atrapado en un lejano planeta, Kepler, una fantasía en la que su piso es una nave espacial. El encuentro entre ambos derivará en una relación que les permitirá salvarse mutuamente de las inclemencias de la vida. Alejandro Suárez Lozano debuta en el largometraje con esta cinta protagonizada por Karra Elejalde (La vida padre), Daniela Pezzotti, Jorge Bosch (serie Amar es para siempre), Vicente Vergara (Érase una vez en Euskadi) y Pablo Molinero (El verano que vivimos).

Puramente dramática es Upon entry (La llegada), film español de 2022 que escriben y dirigen Alejandro Rojas y Juan Sebastián Vasquez, ambos debutantes en el largometraje. La cinta sigue a un urbanista venezolano y una bailarina contemporánea que se mudan a Estados Unidos para empezar una nueva vida, formar una familia e impulsar sus carreras. Pero a pesar de tenerlo todo en regla, al entrar en la zona de inmigración del aeropuerto de Nueva York son sometidos a un interrogatorio psicológicamente extenuante. En el reparto encontramos a Alberto Ammann (El año de la furia), Bruna Cusí (El sustituto), Ben Temple (Nieva en Benidorm) y Laura Gómez (serie Orange is the new black).

Comedia y ciencia ficción se mezclan en la española El fantástico caso del Golem, que arranca cuando un joven se precipita borracho desde una terraza ante la impotente mirada de su amigo. El cuerpo del hombre impacta contra el capó de un coche y se desintegra en mil pedazos, pero nadie parece escandalizarse. Esto llevará a su amigo a descubrir qué ocurre, entrando en un laberinto de amores fugaces, amistades irrompibles y pianos que caen del cielo. Juan González y Nando Martínez, autores de La reina de los lagartos (2019) escriben y dirigen esta cinta en cuyo reparto encontramos nombres tan relevantes como los de Brays Efe (Orígenes secretos), Bruna Cusí (que repite estreno esta semana), David Menéndez (As bestas), Javier Botet (El club del paro), Anna Castillo (Mediterráneo), Luis Tosar (En los márgenes), Roberto Álamo (El lodo) y Tito Valverde (Mientras dure la guerra), entre otros.

El último estreno español es La corriente (Ibiza blue), drama romántico que dirige, coescribe y protagoniza Jesús Lloveras, quien debuta tras las cámaras en un largometraje. La historia transcurre en julio de 2020, justo al término del encierro de la pandemia, y tiene como protagonistas a tres jóvenes profesionales cuyas vidas se entrecruzan en Ibiza. Allí intentarán superar sus tragedias personales, redescubrirse y seguir adelante. Además de Lloveras, en pantalla podremos ver a Gonzalo Bouza (La vida que no es nuestra), Alicia Lorente (Abismo), Lili Lloveras Wang, Nikol Kollars (serie Fundación) y Alicia Fernández (Descarrilados).

Con mucho retraso nos llega Suzhou river, coproducción de 2000 entre Alemania y China que, en clave de drama romántico, arranca cuando un joven repartidor de paquetes se enamora de una joven a la que conoce durante uno de sus encargos. El problema es que él ha sido contratado para secuestrarla y chantajear a su padre, y cuando ella lo descubre desaparece. Tras tres años en prisión, él regresa en busca de su amada, pero en su lugar conocerá a una bailarina que se parece a ella como dos gotas de agua. Ye Lou (Zhou mo qing ren) escribe y dirige esta historia protagonizada por Xun Zhou (El emperador y el asesino), Hongsheng Jia (Frozen), Nai An (Wei qing shao nu), Anlian Yao (Shi Qi) y Zhongkai Hua.

Desde Japón nos llega A hundred flowers, drama de 2022 que aborda la relación entre un hijo y su madre, que padece demencia y cuya mente se deteriora rápidamente. Mientras ella pierde sus recuerdos, él los mantiene muy vivos, sobre todo cuando pensó que su madre había desaparecido de su vida, y que marca muchas de las cosas de su presente. Dirigida por Genki Kawamura, para quien es su primera incursión en el largometraje, la cinta está protagonizada por Mieko Harada (Maki), Masaki Suda (Kyarakutâ), Yuka Itaya (Hiraite), Misuzu Kanno (Lost girls and love hotels), Yumi Kawai (Chotto omoidashita dake), Yukiya Kitamura (Asada-ke!) y Masami Nagasawa (Detective Chinatown 3).

Terminamos con Una familia de superhéroes, cinta de animación noruega de 2022 que arranca cuando una niña encoge el disfraz de superhéroe de su padre, lo que le impide seguir salvando el mundo. La vida de la pequeña da un vuelco cuando tiene la oportunidad de asumir el papel de superheroína, pero es torpe, perezosa y no está en forma. Es por eso que su padre elige a su primo para que sea el próximo superhéroe, lo que obligará a la joven a reaccionar. Rasmus A. Sivertsen (Capitán Diente de Sable y el Diamante Mágico) dirige esta propuesta para toda la familia que cuenta con las voces originales de Hennika Huuse, Todd Bishop Monrad Vistven (serie Zona fronteriza), Johannes Kjærnes, Tobias Santelmann (serie The last kingdom), Kari Simonsen (La travesía) y Henriette Marø (serie Side om side).

‘Viuda Negra’: la familia es lo primero

El tiempo, el cine y Marvel debían a los fans una película sobre el personaje de Scarlett Johansson (Jojo Rabbit). La espía vengadora a la que la actriz ha dado vida en tantas películas no tenía su aventura propia, y qué mejor que iniciar una nueva etapa en el Universo Cinematográfico Marvel que con una entretenida e interesante película de espías con sus dosis de acción, humor y espectacularidad. Pues eso es, básicamente, lo que ofrece este film dirigido con eficacia por Cate Shortland (Lore).

Ahora bien, de esos ingredientes el que predomina por encima de todos es la acción. La intriga y el suspense quedan relegados a un segundo plano para dar rienda suelta a unos efectos especiales que tal vez resten algo de profundidad a los personajes, pero que harán las delicias de los fans. Y como suele pasar en estas películas, la identidad cinematográfica del director, en este caso directora, queda reducida a la mínima expresión, aunque en este caso Shortland sí aporta algunos detalles interesantes a la narrativa. Pero a pesar de sus limitaciones, que las tiene, la película va de menos a más introduciéndose poco a poco en una estructura narrativa de espías al más puro estilo James Bond, guarida del villano incluida. Esto, unido al humor de muchas escenas y a la labor de los actores, sobre todo de Florence Pugh (Peleando en familia) y David Harbour (Hellboy), que están simplemente brillantes, compone un film sumamente entretenido, sin demasiadas sorpresas pero que cumple su función a las mil maravillas.

¿Y cuál es esa función? Pues servir de puente entre el pasado y el futuro del universo de Marvel en el cine al tiempo que completa la serie de películas individuales sobre los Vengadores. Y a pesar de ese objetivo, el guion es capaz de ofrecer una interesante visión sobre el pasado del personaje de Johansson, abordando conceptos como la familia, la libertad, la soledad o la venganza, todos ellos bajo el paraguas de la Guerra Fría y la lucha entre Estados Unidos y la antigua Unión Soviética. Y como primera película de la Fase 4 de Marvel, es un buen primer paso a pesar de algunos puntos débiles en su estructura narrativa. Pero lo más importante es lo que aporta a ese macro conjunto de películas. Ambientada entre Capitán América: Civil War y Vengadores: Endgame, la cinta introduce nuevos personajes que van a tener un peso destacado en próximas producciones, como es el interpretado por Pugh.

Y sobre todo, conecta con anteriores películas y con elementos que ya se están empezando a plantear de ahora en adelante. Viuda Negra tal vez sea una película ‘menor’ dentro de las macroproducciones de la compañía. Pero es una película sólida, bien planteada y con una narrativa que no se detiene en ningún momento. Tal vez algunos planteamientos de su desarrollo sean un poco irregulares, pero no cabe duda de que quedan eclipsados por el ritmo y por unos actores que disfrutan con sus personajes (las mejores escenas, sin duda, son las que cuentan con Pugh y Harbour). Es lo que promete y nada más, pero tampoco menos. Y aviso para los fans. La escena post créditos es fundamental para entender lo que va a ocurrir, sobre todo si se ha visto la serie Falcon y el Soldado de Invierno.

Nota: 6,75/10

‘Viuda Negra’ llega por fin a la cartelera ‘A todo tren’

Ha sido uno de los estrenos que más han visto retrasada su llegada a la cartelera española. La pandemia, los numerosos problemas para abrir las salas y las limitaciones de aforos han hecho que no sea hasta este viernes, 9 de julio, cuando por fin se pueda disfrutar en pantalla grande. Y a diferencia de semanas anteriores, hoy las novedades se pueden contar con los dedos de una mano, aunque por suerte son de lo más variado.

La película de la que hablaba al comienzo es, claro está, Viuda Negra, primer paso de la Cuarta Fase del Universo Cinematográfico de Marvel que aborda los orígenes del personaje interpretado por Scarlett Johansson (Jojo Rabbit) y que falleció en Vengadores: Endgame (2019). La trama aborda uno de los capítulos más oscuros de esta espía, que deberá regresar a su hogar y enfrentarse a las relaciones que había destruido para detener una peligrosa conspiración relacionada con su pasado. Cate Shortland (Lore) dirige esta aventura de acción y dosis de ciencia ficción hollywoodiense en la que, además de Johansson, encontramos a Florence Pugh (Midsommar), David Harbour (Hellboy), Rachel Weisz (La favorita), O-T Fagbenle (serie El cuento de la criada), Ray Winstone (Rey de ladrones), William Hurt (Con todos los honores) y Michelle Lee (The green ghost).

Muy diferente es el otro gran título de la semana, A todo tren. Destino Asturias, nueva comedia española dirigida y protagonizada por Santiago Segura (Padre no hay más que uno 2) que llegaba a la cartelera ayer jueves y cuya premisa es bien sencilla: un padre y un abuelo pierden el tren en el que van montados los niños que tenían que cuidar. Se inicia así una loca persecución de los dos hombres a un tren en el que los pequeños harán de las suyas. Leo Harlem (Hasta que la boda nos separe), Luna Fulgencio (Durante la tormenta), Florentino Fernández (Torrente 5: Operación Eurovegas), Joaquín Reyes (Tiempo después), David Guapo (Sin rodeos) y Sirena Segura (Padre no hay más que uno), entre otros, completan el reparto.

Italia y Bélgica colaboran en Miss Marx, drama biográfico de 2020 sobre la figura de Eleanor Tussy Marx, la hija pequeña de Karl Marx y una de las primeras feministas que continuó con el legado de su padre y de Engels. La cinta aborda su lucha por los derechos de los trabajadores, la abolición del trabajo infantil y, en general, por las injusticias sociales, algo que contrasta con su vida privada, donde su atracción por Edward Aveling puso del revés todos sus ideales. Escrita y dirigida por Susanna Nicchiarelli (Nico, 1988), la película está protagonizada por Romola Garai (Last call), Patrick Kennedy (serie Gambito de dama), Felicity Montagu (serie Los Durrell), Karina Fernandez (El sentido de un final), Oliver Chris (Las aventuras del Doctor Dolittle) y Emma Cunniffe (Conejo en la luna).

De 2020 es también el drama histórico ruso Queridos camaradas, que gira en torno a una mujer defensora de los ideales del régimen comunista. Todo cambiará cuando, durante una huelga laboral en una fábrica de motores, ve cómo el ejército enviado por el Gobierno masacra a los manifestantes. En medio del caos y de una ciudad agitada por las revueltas, deberá buscar a su hija desaparecida. Andrey Konchalovskiy (Paraíso) se pone tras las cámaras de esta cinta en cuyo reparto encontramos a Yuliya Vysotskaya (Dom durakov), Vladislav Komarov (serie Vysokie stavki), Andrey Gusev (Yolki 1914), Yuliya Burova y Sergei Erlish.

Terminamos el repaso de esta semana con La mujer del espía, drama de 2020 procedente de Japón que dirige Kiyoshi Kurosawa (El fin de cada tiempo, el principio del mundo), quien obtuvo el León de Plata en el Festival de Venecia al Mejor Director por esta historia que transcurre en vísperas del estallido de la II Guerra Mundial. La trama arranca cuando el director de una compañía comercial descubre un terrible secreto nacional durante uno de sus viajes. En nombre de la justicia decide hacerlo público, pero se convierte automáticamente en enemigo público. Solo su mujer asegura creerle y apoyarle pase lo que pase. Entre los principales actores destacan Yû Aoi (The long good-bye), Issey Takahashi (Blank 13), Ryôta Bandô (Closed ward), Chuck Johnson (Moriyama chû kyôshûjo) y Yuri Tsunematsu (Signal 100).

‘Under the skin’: un viaje intimista narrado con la fotografía

Han tenido que pasar 7 años y casi un cambio de década para que veamos en los cines españoles la que es, posiblemente, la cinta más perturbadora y poéticamente bella de Jonathan Glazer (Sexy Beast). Y la espera merece la pena, aunque el resultado, desde luego, no es para todos los gustos. No por su visceralidad ni por los incómodos momentos que logra con un tempo narrativo pausado y casi autómata, sino porque su historia, cargada de simbolismo, puede que no termine de enganchar a todo tipo de públicos.

Y la verdad, no creo que fuera ese el objetivo de Glazer en Under the skin. Más bien al contrario, ha buscado una estética muy concreta para narrar la evolución de una protagonista interpretada magistralmente por Scarlett Johansson (Vicky Cristina Barcelona), quien se pone en la piel, nunca mejor dicho, de un personaje arriesgado, complejo y emocional a pesar de su apariencia casi robótica. Resulta muy interesante el uso que el director hace no solo de la estética de la protagonista, sino de la puesta en escena. El recurso de los colores, primero grises y apagados y luego, poco a poco, introduciendo tonos más cálidos hasta llegar a llenar toda una habitación de rojo, para a continuación recuperar el frío y la distancia, se convierte en una narrativa emocional de la protagonista mucho más poderosa que cualquier mirada, no digamos ya diálogo. La labor de la protagonista, en este contexto, refuerza ese lenguaje audiovisual del director, cuyas referencias iniciales a numerosos títulos de ciencia ficción son más que evidentes.

El principal problema de la película puede estar en el hermetismo y en el sentido enigmático de muchos de sus pasajes. Si bien es cierto que el relato se comprende en su marco general, y que el espectador puede interpretar las motivaciones y posiciones que ocupa cada personaje, no se puede obviar que hay determinados fragmentos de la historia que habrían requerido alguna explicación más. No tanto a través de secuencias o diálogos, sino más bien abordando el origen de los mismos, que permitan comprender mejor su papel en el delicado entramado emocional que construye el director. En todo caso, no son imprescindibles para comprender el mosaico global del film (de hecho, se pueden intuir muchas de las aristas de estos roles) y, de hecho, no interfieren en el mensaje final y en la moraleja del film, en la que un personaje frío que solo entiende las relaciones como un vehículo para cazar a sus presas recibe el mismo trato una vez baja la guardia y se vuelve más humana.

Desde luego, Under the skin es una obra compleja, un viaje emocional que, como su propio título indica, se encuentra debajo de la piel. A diferencia de su protagonista, que prácticamente mantiene el mismo rictus durante todo el film, el director aprovecha el escenario, las frías calles y los grises cielos para narrar un arco dramático sumamente interesante a través de la fotografía, sin grandes giros argumentales (reducidos estos a la mínima expresión, lo que puede ser un inconveniente en algunos casos) pero con una profundidad que marcan el devenir de la historia irremediablemente. Intimista, calculadora, perturbadora en algunos momentos, poética en muchos otros, la obra de Glazer es una de esas películas que con los años, no solo los que han pasado ya, puede convertirse en un referente para próximas generaciones. En cierto modo, ya lo es. Y eso, guste más o menos, sea mejor o peor film, la convierte en una obra clave.

Nota: 7/10

Blanchett, Hanks y Johansson lideran los estrenos de la semana

Poco a poco más salas de cine se van incorporando a la nueva normalidad, y con ellas llegan más estrenos de los que disfrutar en pantalla grande (y pequeña si se tienen las plataformas adecuadas), siempre con las medidas de seguridad correspondientes. Se puede decir que este viernes, 10 de julio, es el primero de grandes novedades. O al menos de grandes nombres que pueden atraer a los espectadores al cine más próximo. Drama bélico, comedia, ciencia ficción y acción son los principales géneros.

Comenzamos este repaso con Dónde estás, Bernadette, comedia dramática estadounidense de 2019 dirigida por Richard Linklater (La última bandera). Su historia tiene como protagonista a una reputada arquitecta que un día desaparece. El motivo es su propia hija adolescente, quien por sus buenas notas pide un viaje a la Antártida con sus padres. La mujer, entre muchas otras cosas, sufre agorafobia y evita todo contacto social. Al desaparecer su madre, la joven iniciará una búsqueda rastreando todo tipo de documentación que pueda ayudarla a dar con su paradero. Adaptación de la novela de Maria Semple, la película está protagonizada por Cate Blanchett (La casa del reloj en la pared), Emma Nelson, Kristen Wiig (Madre!), Judy Greer (Ant-Man y la Avispa), Troian Bellisario (Clara), Billy Crudup (Alien: Covenant), Laurence Fishburne (La última bandera) y James Urbaniak (Rebelde entre el centeno).

También se estrena Greyhound: Enemigos bajo el mar, aunque en este caso solo en la plataforma Apple Tv+. Este drama histórico de corte bélico está basado en la novela de C.S. Forester, cuya trama, inspirada en hechos reales, narra la crucial misión de un capitán durante la II Guerra Mundial, quien tuvo que liderar un convoy de 37 buques a través de las aguas del Atlántico, atestadas de submarinos alemanes. Dirigida por Aaron Schneider (El último gran día), la cinta tiene como principal protagonista a Tom Hanks (Los archivos del Pentágono), quien además escribe el guión. El reparto se completa con Elisabeth Shue (La batalla de los sexos), Stephen Graham (El irlandés), Manuel García-Rulfo (Viudas), Lee Norris (serie One Tree Hill), Karl Glusman (Animales nocturnos) y Rob Morgan (Cuestión de justicia), entre otros.

Entre los estrenos europeos destaca Under the skin, drama con capital suizo y británico de 2013 que combina ciencia ficción y terror para contar la historia de una alienígena que llega a la Tierra camuflada como una espectacular mujer. Bajo esta apariencia recorre distintos lugares del mundo buscando presas humanas y utilizando para ello una sexualidad voraz. Pero cuando los sentimientos humanos comienzan a aflorar en ella se pondrá en contra de su propia especie. Jonathan Glazer (Reencarnación) se pone tras las cámaras de esta adaptación de la novela de Michel Faber, mientras que Scarlett Johansson (Hitchcock), Paul Brannigan (La parte de los ángeles), Lynsey Taylor, Jessica Mance, Scott Dymond (Felices dieciséis) y Adam Pearson son los principales actores.

La producción española tiene como único representante, y en colaboración con Argentina, la comedia La maldición del guapo, film escrito y dirigido por Beda Docampo Feijóo (Amores locos) cuya trama gira en torno a un hombre, seductor y estafador a partes iguales, que vive tranquilamente en Madrid tras cumplir condena por un antiguo delito que, además, le costó la relación con su hijo. Pero padre e hijo volverán a encontrarse cuando el segundo se vea obligado a pedir ayuda al primero tras producirse un robo en la joyería en la que trabaja. El reparto está encabezado por Gonzalo de Castro (Superlópez), Juan Grandinetti (Bruja), Malena Alterio (Perdiendo el este), Ginés García Millán (El asesino de los caprichos), Cayetana Guillén Cuervo (Una pistola en cada mano), Carlos Hipólito (1898. Los últimos de Filipinas) y Andrea Duro (Pasaje al amanecer).

Japón y Reino Unido colaboran en First Love, thriller de acción con toques románticos y de comedia que supone el regreso de Takashi Miike (La espada del inmortal) como director. El film, que iba a ser estrenado justo el fin de semana que se declaró el estado de alarma en España, tiene como protagonista a un boxeador en horas bajas que encuentra al gran amor de su vida en una prostituta adicta a la droga que, sin embargo, sigue manteniendo su inocencia. Pero la chica se encuentra inmersa en una compleja trama relacionada con el tráfico de droga que la convierte en objetivo de la yakuza, policías corruptos y asesinos. Entre los protagonistas de este film de 2019 encontramos a Becky (Makoto), Sakurako Konishi (Mio on the shore), Masataka Kubota (Tokyo ghoul), Mami Fujioka, Takahiro Miura (Shiori) y Jun Murakami (Koko wa taikutsu mukae ni kite).

Terminamos este repaso con dos documentales. Marcelino, el mejor payaso del mundo es el título de una producción española dirigida por Germán Roda (El encamado) y con la participación de Pepe Viyuela (Escuela de seducción) cuyo metraje recorre la vida de Marcelino Orbés, considerado el mejor payaso del mundo desde 1900 a 1914. Sus triunfos en Londres y Nueva York le llevaron a ser admirado por Charles Chaplin o Buster Keaton, y llegaron a verle 2,5 millones de personas al año.

Por último, Las letras de Jordi es el título de la producción española dirigida por Maider Fernández Iriarte, quien aborda la historia de un hombre de 51 años que nació con parálisis cerebral que se comunica usando una tabla. A través de ella cuenta cómo sintió a Dios hablándole por primera vez a los 21 años. Hoy, viviendo en una residencia, ya no siente a Dios, y todos los años realiza un viaje de peregrinaje al Santuario de Lourdes en busca de esa conexión. Este documental también iba a ser estrenado el fin de semana en el que se declaró el estado de alarma.

‘Jojo Rabbit’: crecer en los tiempos de la guerra

Es muy difícil huir de determinados preceptos y planteamientos argumentales, éticos y morales cuando se cuenta una guerra a través de los ojos de los niños. En mayor o menor medida, todas las películas con esta estructura tienden a contener un mensaje muy similar, un desarrollo más o menos idéntico en su base y unos puntos de giro argumentales más o menos comunes. Eso no implica que carezcan de interés, al contrario, pero sí que siempre dejarán la impronta de cierto déjà vu en el espectador.

Y eso es lo que ocurre con Jojo Rabbit, la por otro lado magnífica comedia dramática de Taika Waititi (Lo que hacemos en las sombras). Dejando a un lado esa premisa, esta adaptación de la novela de Christine Leunens es un alarde de originalidad formal e interpretativa que deja muchas y muy interesantes reflexiones. Lo cierto es que la historia ya resulta hilarante con ese trío formado por los dos jóvenes protagonistas y el Hitler imaginario, pero a ello se unen una serie de historias secundarias que dan buena cuenta de una sociedad que vive con miedo en todos sus estamentos, incluidos los más altos. A través de los ojos del protagonista asistimos a una evolución desde un mundo marcado por las férreas convicciones del pequeño a otro en el que los sentimientos y lo correcto priman por encima de cualquier otra cosa. En este sentido es reveladora la forma en que avanza la relación con su amigo imaginario, todo un reflejo de lo que somos y cómo podemos cambiar.

Waititi aprovecha la historia y las numerosas lecturas que ofrece al espectador para narrar, a veces de forma sutil, a veces más evidente, el mundo de los adultos a través de los ojos de un niño que quiere ser adulto sin saber ni siquiera qué es eso. La relación con su mejor amigo, con el oficial que se encarga de él (magistral Sam Rockwell, aunque eso empieza a dejar de ser una novedad), con su madre (una Scarlett Johansson correcta) y, sobre todo, con la joven judía que se esconde en su casa, conforman todo un universo visualmente bello dentro de la crudeza de la guerra. El director saca partido al relato a través de un lenguaje que, sin mostrar demasiado, lo muestra todo, desde el impacto de la muerte hasta una relación prohibida, pasando por el horror de la guerra o la ayuda desinteresada de personajes que arriesgan su propia vida.

Todo ello es lo que convierte a Jojo Rabbit en la obra notable que es, creando ese mundo infantil en un contexto bélico, o mejor dicho, ese conflicto bélico a través de la mirada de un niño que no entiende el mundo en el que vive, pero que quiere ser como los que cree que son los ejemplos a seguir, entre ellos la figura distorsionada de su padre. Lo cierto es que si la película tuviera un trasfondo algo más complejo y alejado de cierta familiaridad con otras películas de temática similar podríamos estar hablando de una cinta extraordinaria. Esto no es algo necesariamente negativo, pero sin duda lastra la labor de Waititi y las posibilidades de una historia que, si se hubiera abordado más en profundidad, tal vez podría haber dado más de sí.

Nota: 7,5/10

Regresan los ‘Bad boys’ para enfrentarse a la sátira de ‘Jojo Rabbit’

Tras el impacto que suponer ver 1917, la oferta cinematográfica que competirá en los Oscar y que ha competido en los Globos de Oro continúa llegando a las pantallas españolas. Pero este viernes, 17 de enero, lo hace acompañada de títulos llamados a llenar las salas de cine o, al menos, a recordar viejas glorias del séptimo arte de hace ya algunos años.

Comenzamos el repaso, por tanto, con Jojo Rabbit, comedia dramática que adapta la novela de Christine Leunens y que transcurre durante la II Guerra Mundial. El protagonista es un joven alemán criado por una madre soltera cuyo único aliado es un amigo imaginario muy particular: Hitler. Su ingenuo patriotismo se pondrá a prueba cuando descubra que su madre esconde a una joven judía, algo que cambiará su visión del mundo y le obligará a enfrentarse a sus mayores temores. Taika Waititi (Thor: Ragnarok) escribe la adaptación y dirige esta sátira con capital estadounidense, checo y neozelandés, y en la que se reserva también el papel de Hitler. El reparto se completa con Roman Griffin Davis, Scarlett Johansson (Vengadores: Infinity War), Thomasin McKenzie (No dejes rastro), Sam Rockwell (El vicio del poder), Rebel Wilson (Dando la nota 3), Alfie Allen (serie Juego de tronos) y Stephen Merchant (Logan).

Muy diferente es Bad boys for life, tercera aventura (algo tardía) de los policías rebeldes interpretados por Will Smith (Aladdín) y Martin Lawrence (The beach bum) a finales del siglo pasado y comienzos de este. En esta ocasión, la pareja debe afrontar nuevos retos en sus vidas, como los cambios en sus trayectorias profesionales y las crisis de mediana edad, mientras se unen a un nuevo equipo de élite de la policía para acabar con un peligroso líder de un cártel de la droga. Acción, humor y mucha espectacularidad es lo que promete esta coproducción entre Hollywood y México dirigida a cuatro manos por Adil El Arbi y Bilall Fallah (Black). Entre el resto de actores encontramos a Vanessa Hudgens (Jefa por accidente), Kate del Castillo (serie La Reina del Sur), Paola Nuñez (serie The son), Joe Pantoliano (From the vine), Alexander Ludwig (serie Vikingos) y Charles Melton (serie Riverdale).

Puramente hollywoodiense es Jugando con fuego, comedia familiar cuyo argumento sigue a tres bomberos de élite que, tras rescatar a tres hermanos de un incendio en medio del bosque, deberán hacerse de cargo de los pequeños al no poder localizar a los padres. Pero ningún entrenamiento podría prepararlos para ese trabajo. Los niños pondrán patas arriba sus vidas, trabajos e incluso la estación de bomberos. Andy Fickman (Abuelos al poder) se pone tras las cámaras de este film protagonizado por John Cena (Bumblebee), Brianna Hildebrand (Deadpool 2), Judy Greer (Buffaloed), Keegan-Michael Key (Predator), John Leguizamo (John Wick: Pacto de sangre), Christian Convery (El paquete) y Finley Rose Slater.

La propuesta de terror de la semana tiene sello español. Malasaña 32 es el título de lo nuevo de Albert Pintó (Matar a Dios), una historia basada en hechos reales que sigue a una pareja que se instala en el madrileño barrio que da nombre al film junto a sus tres hijos y el abuelo. Se han mudado desde el pueblo en busca de la prosperidad que les ofrece la capital en plena Transición. Pero poco a poco descubrirán que en la casa en la que ahora viven no están solos. Begoña Vargas (serie La otra mirada), Iván Marcos (Dhogs), Bea Segura (Age of kill), Sergio Castellanos (Todos lo saben), José Luis de Madariaga (Apocalipsis voodoo) y Javier Botet (Mara) encabezan el reparto.

También española, aunque de 2018, es la comedia Derechos del hombre, cuyo argumento arranca cuando una errática compañía de circo levanta su carpa a las afueras de un pequeño pueblo, donde representarán su último espectáculo, un show a medio camino entre lo revolucionario, lo utópico y lo necesario que, sin embargo, no logra escapar de lo más mundano. Juan Rodrigáñez (El complejo de dinero. Der geldkomplex) se pone tras las cámaras de esta historia en cuyo guión participa, y que está protagonizada por Lola Rubio (Blanco en blanco), Jorge Dutor, Gianfranco Poddighe (Los seductores) y Katrin Memmer.

Finalizamos el repaso con Los consejos de Alice, comedia dramática de 2019 con capital francés y belga que escribe y dirige Nicolas Pariser (Le grand jeu). La historia tiene como protagonista al alcalde de Lyon, quien tras 30 años de carrera política comprende que cada vez es más difícil proponer nuevas ideas o alternativas. Para superar el bache contrata a una joven y brillasen filósofa, pero sus personalidades diametralmente opuestas les harán cuestionarse el mundo que creían comprender. El reparto cuenta con Fabrice Luchini (La alta sociedad), Anaïs Demoustier (Deux fils), Nora Hamzawi (Dobles vidas), Léonie Simaga (Bienvenida a Montparnasse) y Antoine Reinartz (120 pulsaciones por minuto), entre otros.

‘Frozen II’ congela la cartelera en el ‘Adiós’ de Paco Cabezas

Con la proximidad de la época navideña llegan a la cartelera española los títulos llamados a llenar las salas. Ya sean producciones infantiles, grandes blockbusters o historias ambientadas en estas semanas de nieve, regalos y luces de colores, todas ellas aspiran a atraer al mayor número de espectadores. Y este viernes, 22 de noviembre, ya llegan los primeros de esos títulos entre una amplia oferta cinematográfica.

Sin duda la novedad más importante es Frozen II, secuela del clásico de Disney de 2013 que, en esta ocasión, aborda los orígenes de los poderes mágicos de Elsa, quien deberá embarcarse en un peligroso e inolvidable viaje junto a su hermana Anna, Kristoff, Olaf y Sven para descubrir de dónde proceden y poder así desatar todas sus capacidades para poder salvar el mundo. Aventura, humor, acción y fantasía vuelven a ser los ingredientes de esta historia de animación dirigida a cuatro manos por Chris Buck y Jennifer Lee (Frozen), y que cuenta con las voces originales de Kristen Bell (serie Veronica Mars), Idina Menzel (serie Glee), Jonathan Groff (La conspiración), Josh Gad (Asesinato en el Orient Express), Evan Rachel Wood (En el bosque), Jason Ritter (The tale), Sterling K. Brown (Predator), Ciarán Hinds (First Man) y Alfred Molina (Don’t let go), entre otros.

También estadounidense es Historia de un matrimonio, producción de Netflix que dirige Noah Baumbach (Mistress America) y cuya trama, en clave de comedia dramática, narra de forma sensible e incisiva la ruptura de un matrimonio y de una familia que, hasta ese momento, había permanecido siempre unida, mostrando el efecto que esa situación genera en cada uno de sus miembros. Scarlett Johansson (Vengadores: Endgame), Adam Driver (Infiltrado en el KKKlan), Merritt Wever (Bienvenidos a Marwen), Laura Dern (serie Big little lies), Wallace Shawn (Book club), Ray Liotta (Sticky notes) y Alan Alda (El puente de los espías) son los principales actores.

Pasamos ahora a los estrenos europeos, entre los que destaca la española Adiós, thriller que arranca con la muerte accidental de una niña. Este trágico suceso destapa todo un entramado de corrupción policial y narcotráfico. El caso cae en manos de una inspectora que tendrá que lidiar con los recelos de un sector del cuerpo y con el padre de la pequeña, que quiere tomarse la justicia por su mano. Paco Cabezas (Tokarev) es el encargado de dirigir esta cinta en cuyo guión participa, y que cuenta con un reparto encabezado por Mario Casas (El fotógrafo de Mauthausen), Natalia de Molina (Animales sin collar), Ruth Díaz (Bajo la piel de lobo), Carlos Bardem (Assassin’s Creed) y Mona Martínez (Ana de día).

España y Portugal colaboran en Intemperie, adaptación de la novela de Jesús Carrasco cuyo argumento gira en torno a un niño que se ha escapado de su pueblo. A sus espaldas escucha los gritos de los hombres que le buscan por orden del capataz del pueblo, y delante suyo ve una llanura infinita y árida, principal escollo en su huída del infierno en el que vive. Su viaje le llevará a cruzarse con un pastor que le ofrece protección. Desde ese momento, las vidas de ambos cambiarán por completo. Dirigido por Benito Zambrano (La voz dormida), este thriller está protagonizado por Luis Tosar (La sombra de la ley), Luis Callejo (Mientras dure la guerra), Jaime López (Techo y comida), Vicente Romero (Tu hijo), Manolo Caro (Jaulas), Kandido Uranga (70 binladens) y Mona Martínez, que tiene doble presencia en la cartelera esta semana.

Puramente española es también Ardara, drama dirigido a cuatro manos por Raimon Fransoy, quien escribe el guión, y Xavier Puig, ambos directores de Adrià Puntí (2012). Ficción con aire de documental, la película reconstruye el viaje de tres jóvenes a un pueblo irlandés del que nunca regresaron, y lo hace tanto con testimonios de aquellos que les conocieron como con grabaciones de vídeo que dejaron tras de sí. La película cuenta como principales actores con Bruna Cusí (Desaparecer), Macià Florit, María García Vera (Regreso al horizonte) y Elisabet Casanovas (serie Merlí).

Desde Francia nos llega Los miserables, drama que toma como referencia la conocida obra de Victor Hugo para abordar los disturbios de 2005 en el país galo. El argumento se centra en un hombre que acaba de sumarse a la Brigada de Lucha contra la Delincuencia de Montferneuil, suburbio al este de París en el que transcurre parte de la obra literaria de Hugo. Allí se une a dos compañeros con mucha experiencia y no tardará en descubrir el conflicto que hay entre dos bandas rivales. La situación se descontrolará durante un arresto, algo que filmará un dron. Ladj Ly debuta en el largometraje de ficción con esta cinta protagonizada por Damien Bonnard (9 dedos), Alexis Manenti (L’Enkas), Djibril Zonga (C’est tout pour moi), Issa Perica y Al-Hassan Ly.

La comedia tiene como principal representante a Cómo ser un french lover, versión francesa de Instrucciones para ser un latín lover (2017) que tiene como protagonista a un hombre de mediana edad que, después de 25 años de relación, ve cómo su ahora exmujer está con un joven apuesto que le ha desbancado. Sin hogar y alejado de la vida a la que estaba acostumbrado, se ve obligado a vivir con su hermana, con la que que no se habla desde hace años. Sin relación fraternal, el hombre entabla una relación más estrecha con su sobrino, quien le pide consejos para seducir a una chica que, casualmente, es la nieta de una mujer millonaria. Dirigida por Olivier Baroux (Les Tuche 3), la película tiene como principales intérpretes a Kad Merad (Mi familia del norte), Anne Charrier (L’invitation), Léopold Moati, Pascal Elbé (For a happy life), Thierry Lhermitte (La finale) y Anne Duperey (Bambou).

Alemania y Brasil están presentes en La vida invisible de Eurídice Gusmão, drama que adapta la novela de Martha Batalha ambientada en Río de Janeiro en 1950. El argumento sigue a dos hermanas inseparables que viven con sus conservadores padres. A pesar de la vida tradicional que llevan, cada una alimenta un sueño. Sus vidas dan un giro dramático al ser separadas por su padre y obligadas no solo a vivir en lugares distintos, sino a tomar el control de sus vidas. Karim Aïnouz (O sol na cabeça) dirige esta historia que cuenta con Julia Stockler (serie Só Garotas), Carol Duarte (serie Querer sin límites), Gregório Duvivier (Desculpe o transtorno), Cristina Pereira (serie La trampa) y Flavio Bauraqui (Homem livre) como principales actores.

Puramente sudamericana es Araña, thriller dramático con capital brasileño, argentino y chileno ambientado a comienzos de los años 70 del siglo pasado en Chile. Allí un grupo nacionalista de extrema derecha quiere derrocar el gobierno de Allende. En el fragor de la conspiración varios miembros de dicho grupo cometen un crimen que cambia el curso de la historia, tras el que se separan. 40 años después uno de ellos reactiva esa causa nacionalista, mientras que la mujer que formaba parte de este grupo se ha convertido en una exitosa mujer de negocios que hará todo lo posible para evitar que su pasado salga a la luz. Andrés Wood (Violeta se fue a los cielos) dirige este film protagonizado por Mercedes Morán (El amor menos pensado), María Valverde (Nuestra vida en la Borgoña), Marcelo Alonso (Princesita), Felipe Armas (Libertad) y Pedro Fontaine (Low notes).

Desde Argentina llega Fin de siglo, drama escrito y dirigido por Lucio Castro en el que es su debut en el largometraje. El argumento arranca cuando dos hombres se encuentran por casualidad en Barcelona. Lo que parece ser un encuentro casual de una noche entre dos extraños se convierte en una relación épica que abarca décadas, y en la que tiempo y espacio no siguen las reglas conocidas. Juan Barberini (Hija única), Ramon Pujol (Mil cretins), Mía Maestro (Grand street), Mariano Lopez Seoane y Helen Celia Castro-Wood encabezan el reparto.

Otra propuesta de animación, en este caso tradicional, es ¿Dónde está mi cuerpo?, drama francés producido por Netflix que llega a un puñado de cines seleccionados. La historia tiene como protagonista a una mano que se escapa de un laboratorio para volver a encontrar su cuerpo. A medida que avanza por París irá recordando su vida con el joven al que una vez estuvo unido… hasta que conocieron a una joven. Dirigida por Jérémy Clapin, que debuta en el largometraje, la película es una adaptación de la novela de Guillaume Laurant, y cuenta con las voces originales de Hakim Faris (Sous X), Victoire Du Bois (Call me by your name), Patrick D’Assumçao (Normandía al desnudo) y Alfonso Arfi.

En lo que a documental se refiere, Un año más es el particular retrato de la celebración de Paco Bernal de su 54 cumpleaños. A pesar de las adversidades que se presentan y de su capacidad diferente, el cumpleaños se ha convertido en un ejemplo de resistencia del que participan su hermana y su pequeño círculo de amistades, y una prueba de cómo disfrutar de la vida. El film está escrito y dirigido por Julio Suárez (Leo a la vida).

También pertenece a este género Historias de nuestro cine, cinta dirigida a cuatro manos por Ana Pérez-Lorente, para quien es su ópera prima, y el actor Antonio Resines, quien también debuta en este puesto. Juntos hacen un recorrido por la historia del séptimo arte en España desde que en mayo de 1896 se proyectaran las primeras imágenes en movimiento en nuestro país. Contando con el testimonio de directores, actores y productores, la cinta desgrana anécdotas que entremezcla con imágenes de todas las épocas del cine.

Terminamos con otro documental, también español. El cuarto reino. El reino de los plásticos aborda la cotidianidad de un centro de recolección y reciclaje de latas en un barrio de Nueva York. Con un trabajador ilegal procedente de México como protagonista, la cinta explora las mentiras detrás del famoso Sueño Americano, pero también la belleza y el arte del mundo en el que se desarrolla la historia. La cinta está escrita y dirigida por Adán Aliaga (Fishbone) y Àlex Lora (Thy father’s chair).

‘Vengadores: Endgame’: y Marvel reinventó el cine

En una época de series y consumo inmediato, Marvel ha logrado, una vez más, lo imposible: que nos sentemos tres horas seguidas para ver lo que podría calificarse como el evento del año… no, de la década… no, del cine moderno. No dudo que haya detractores del cine de superhéroes, considerándolo poco menos que un producto de marketing pensado para adolescentes y frikis. Y aunque haya algunas películas que puedan responder a ese estereotipo, la Casa de las Ideas ha demostrado que este género es algo más. Vengadores: Endgame es la prueba definitiva de ello.

La película de los hermanos Russo, autores la precedente Vengadores: Infinity war, es sencillamente indescriptible. Y contrariamente a lo que pueda pensarse, no lo es por el aluvión de efectos digitales que contiene. Ni siquiera por la inmensidad de su trama. Lo es por la complejidad de sus personajes, por el desarrollo dramático de unos acontecimientos trágicos y traumáticos y el modo en que un grupo de personajes deciden afrontarlos. Esto confirma que toda buena película necesita explorar las motivaciones, los miedos y los deseos de sus personajes, llevarlos a situaciones límite y mostrar cómo reaccionan ante ellas. Y da igual cuál sea el contexto. En el caso que nos ocupa, todo ello con un inteligente toque humorístico en los momentos adecuados, aliviando la tensión dramática. El único problema, si es que puede considerarse así, es que existen tantos personajes que muchos quedan relegados a meros testimonios presenciales.

Pero Vengadores: Endgame es más, muchísimo más. Ahora que las series de televisión parecen haberse adueñado del entretenimiento, esta película confirma que si la pequeña pantalla puede beber de influencias cinematográficas, el séptimo arte puede hacer lo propio con el formato episódico. Desde este punto de vista, esta conclusión podría entenderse como el último capítulo de una primera temporada que ha durado 11 años y ha tenido 22 capítulos. Y en cierto modo, así está planteado. Desde que se estrenara Iron Man en 2008 todo lo que se ha visto en cada una de las películas estaba perfectamente planificado para formar parte de una macrohistoria mucho mayor y compleja que ha derivado en este ‘fin de partida’. No se trata simplemente de presentar personajes y juntarlos luego en otra película. No, cada acontecimiento, cada cambio, trauma, decisión y victoria (o derrota) han definido todo para llegar a este punto. Y esa es la esencia misma de cualquier producción seriada.

Y por si hubiera dudas de ello, la propia estructura dramática del film se encarga de asentar la idea. A lo largo de su desarrollo (y sin desvelar nada de la trama), la cinta viaja por el pasado de los personajes y por momentos de otros títulos de Marvel tanto física como psicológicamente. El espectador asiste a una introspección mucho mayor de los héroes que durante más de una década le han acompañado. Se produce así una mayor comprensión de sus motivaciones, de sus decisiones, de su ira y su temor. Pero sobre todo se logra un grado de empatía con todos ellos difícil de alcanzar en un film normal y corriente. A esto contribuye, claro está, haberles visto crecer a lo largo de cada film. Posiblemente muchos ya os hayáis dado cuenta, pero esta descripción de personajes es exactamente la misma que se puede hacer en una serie, que basa buena parte de su éxito en que los personajes pueden desarrollarse durante más tiempo que en una película.

Si no he mencionado nada de los efectos especiales o la acción no ha sido deliberado. Es sencillamente que la profundidad dramática de la cinta relega las espectaculares batallas a un segundo plano. Tal es la complejidad de Vengadores: Endgame. Y tal es el homenaje que Marvel rinde a sus fans, a los que ofrece un producto final más que excepcional. Los hermanos Russo, con su habitual y notable pulso narrativo, logran que las tres horas de duración sean un suspiro. Su sello se deja ver en cada plano, especialmente en ese combate final con plano secuencia marca de la casa. ¿Y el final? Pues el que debería ser, ni más ni menos, títulos de créditos incluidos. La película deja clara una cosa: que es el fin de una era y que nada volverá a ser lo mismo. Pero también deja la sensación de estar ante algo tan grandioso que será difícil de superar, tanto en espectacularidad como en carisma de sus protagonistas. En los años 60 Marvel revolucionó los cómics; ahora ha hecho lo mismo con el concepto mismo del cine, traspasando la propia dimensión de película autoconclusiva o de la secuela.

Nota: 9,5/10