‘Serenity’: atrapado en la isla


Un hombre atormentado por su pasado, un viejo amor, la propuesta de un crimen a cambio de dinero y una pequeña isla que parece perfecta. Los ingredientes no son nuevos si se quiere construir un thriller de corte un poco exótico. De ahí que el director y guionista Steven Knight (Redención) haya querido introducir algo más, un elemento distorsionador que dote al conjunto de un nuevo sentido y de algún que otro giro argumental inesperado. Pero esta no es siempre una buena idea.

De hecho, Serenity es el ejemplo de lo que no se debería hacer. Es cierto que la cinta plantea de forma bastante sólida e inteligente los elementos que transgreden un poco la marcha de la historia, obligando al espectador a preguntarse si lo que está viendo es, en realidad, lo que está viendo. Y de hecho, el suspense que genera el componente de ciencia ficción que tiene el film es lo suficientemente elaborado como para provocar algo del impacto buscado. Pero la palabra clave es algo, porque el problema de la historia es… la propia historia. Es excesivamente simple, lineal, arquetípica, sin contar con otros aspectos dramáticos que puedan vestir la trama. Y dado que la parte más fantástica del guión no llega nunca a tomar el control del desarrollo, la historia se queda a medio camino de ninguna parte, planteando algunas ideas interesantes pero sin desarrollarlas.

A todo ello se suman unos personajes no demasiado bien definidos. De hecho, habrá quien se plantee qué han encontrado en esta historia actores como Matthew McConaughey (Magic Mike), Anne Hathaway (Amor y otras drogas) o Jason Clarke (Knight of cups), este último por cierto de lo mejor del conjunto. Y eso solo por poner tres nombres. Si la historia es bastante plana en materia dramática, los personajes se revelan como seres de una sola cara, sin claroscuros. El pasado del protagonista, por ejemplo, apenas sale a relucir a pesar de lo que podría aportar a la historia. La dualidad del villano, un presunto seductor con una inusitada violencia, queda eclipsada por su agresividad. Y sobre la chica de la historia mejor no comentar nada, reducida a mero agente desencadenante.

Todo esto hace de Serenity un producto fallido, un film menor incapaz de encontrar su objetivo. Es cierto que la definición algo tosca de los personajes puede tener su justificación en la explicación final, pero el problema es que Knight nunca termina de apostar definitivamente por ella, manteniendo incluso en ese último plano ese concepto de trama dramática con toques de ciencia ficción. Su falta de definición perjudica de tal modo que habrá quien desconecte por no entender nada o por considerarlo poco interesante. El sentido de todo se logra al final, pero ni siquiera eso justifica algunos problemas estructurales, de tratamiento y de indefinición.

Nota: 5/10

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‘Spider-Man: Lejos de casa’: resolviendo el misterio del cómic


Spider-Man ha vuelto a casa. No lo hizo en la anterior película en solitario. Curiosamente, lo logra en esta segunda aventura, y lo hace lejos de su Nueva York natal. Habrá quien achaque a este regreso a la esencia del personaje al cambio de localización, pero la realidad es que el cambio se encuentra en el guión, que aprovecha al máximo las posibilidades dramáticas del personaje y, sobre todo, del villano.

Porque la historia, en efecto, ahonda por completo en los dramas que siempre han acompañado al Hombre Araña. Lejos de dotarle de una gran responsabilidad ante grandes eventos intergalácticos, Spider-Man: Lejos de casa sitúa al protagonista en los clásicos dilemas entre su interés personal y su responsabilidad como héroe, haciéndole crecer en pantalla en las dos horas que dura el film. El rol al que vuelve a dar vida con extraordinario acierto Tom Holland (Edge of winter) comienza siendo un adolescente enamoradizo para terminar asumiendo sus errores, las consecuencias de los mismos y los sacrificios para enmendarlo. Tal vez era necesario ver una vez más esto en pantalla (al fin y al cabo, es la misma estructura dramática que el incidente que le lleva a ser un héroe), pero la verdad es que funciona como un engranaje preciso, convirtiendo la historia en una mezcla perfecta entre drama, humor adolescente, acción y una espectacularidad fuera de toda duda.

Buena parte de la responsabilidad del éxito radica en su villano, un Jake Gyllenhaal (Okja) que engrandece a Mysterio no solo para consolidar sus motivaciones, sino para hacer mucho más dura la madurez que alcanza el héroe en esta historia. Sin necesidad de muertes impactante o de giros argumentales inesperados (salvo el de la primera escena post-créditos, que deja el futuro en una gran incógnita y recupera a uno de los mejores personajes y actores de las primeras películas), el villano construye un plan que obliga al héroe a asumir sus errores y, sobre todo, a ser consciente de todas sus capacidades y poderes, en concreto de ese “cosquilleo” de Peter Parker, como lo llaman en el film. Los fans de los cómics posiblemente puedan prever de antemano el desarrollo de la historia, pero eso no impide disfrutar de unas secuencias de acción tan espectaculares como bien diseñadas, sobre todo la de Londres y ese primer encuentro de Spider-Man con la fuerza del villano, todo un alarde de traslación a imagen en movimiento de las pesadillas que vive en los cómics y que resuelve el misterio de cómo hacer una buena adaptación al séptimo arte. Jon Watts, director de la primera entrega, parece haber solventado algunos errores narrativos para sacar todo el partido a la dinámica que genera el héroe arácnido.

Desde luego, Spider-Man: Lejos de casa no solo es una extraordinaria película de superhéroes, bien rodada y con personajes sólidos. Es, ante todo, un tratamiento minucioso y preciso de un personaje complejo, en constante lucha entre sus deseos personales y sus obligaciones, y siempre con temor a perder a sus seres queridos. Son ideas que se repiten, y que incluso utiliza el villano de turno para su propio beneficio. Incidir reiteradamente en estos conceptos dota al conjunto de una profundidad dramática que hacía tiempo que no se veía en las historias del personaje. Puede resultar algo infantil en algunos momentos, pero esto no es impedimento para disfrutar de una obra muy muy completa, un broche de oro a esta etapa del Universo Cinematográfico Marvel y una declaración de intenciones en toda regla.

Nota: 8/10

‘El sótano de Ma’: este sótano es de cartón piedra


Hay películas cuyo truco se ve a kilómetros. Películas en las que el cartón piedra es tan evidente que se convierte en el centro de todas las miradas, restando peso a otros elementos como los actores o el lenguaje que utiliza el director. Pues bien, a la última película de Tate Taylor (Pretty ugly people) le ocurre exactamente eso, solo que en lugar de un decorado excesivamente falso lo que se descubre casi antes de entrar en la sala es el meollo de la intriga, lo que destruye por completo el sentido final de la trama.

Así, El sótano de Ma solo ofrece al espectador algún que otro susto con efecto sonoro incluido, un final algo desagradable (tampoco mucho, que tiene que tener clasificación para adolescentes) y, eso sí, unos actores adultos que aportan la entereza que necesita la película incluso cuando ya está todo al descubierto. Y lo cierto es que no son pocos estos elementos, pero desde luego no suficientes para sostener el interés de la película, que por otro lado se desarrolla con una corrección formal envidiable, introduciendo los elementos del pasado de forma inteligente y transitando por todas las fases de los personajes que suelen poblar estas historias.

Pero nada de eso impide que el espectador deduzca en apenas unos minutos el sentido de toda esta pantomima montada por el rol de Octavia Spencer (Familia al instante), que por cierto vuelve a demostrar la extraordinaria actriz que es con un rol muy alejado de su registro habitual. El gran problema de la cinta, y es fundamental, radica en el supuesto suspense que rodea a la protagonista es destruido por el propio planteamiento de los elementos dramáticos. Desde el momento en que la protagonista busca el pasado de los jóvenes (es más, desde que ve la furgoneta en la que viajan), ya es de suponer, a grandes rasgos cuál será el desarrollo posterior. Esto resta peso dramático al conjunto de la historia, convirtiendo un potencial thriller en una mera propuesta de terror suave. Muy suave.

Estamos, por tanto, ante un quiero y no puedo de Taylor. El sótano de Ma pasa a convertirse en un título menor, en una curiosidad cinematográfica en tanto en cuanto tiene un reparto de altura pero un guión fallido en el que, eso sí, los efectos sonoros y la violencia final son indispensables. Pero eso no es suficiente, al menos no para lo que plantea inicialmente. Octavia Spencer logra aportar a su papel la profundidad suficiente como para que el espectador se pregunte si todo es por venganza, por deseo de un amor no correspondido o por un trauma adolescente. Pero esa es la única intriga del metraje, que para ser de unos ajustados 99 minutos tiene momentos de depresión narrativa y dramática. Una lástima, porque el planteamiento de la historia ofrece muchas posibilidades, incluyendo una versión más gore o algo más al estilo de Carrie (1976). Pero el camino elegido ha terminado por restar credibilidad a todo.

Nota: 5,5/10

‘X-Men: Fénix Oscura’: pocas cenizas de las que resucitar


Después de escribir los guiones de las últimas aventuras mutantes, Simon Kinberg ha decidido debutar en la dirección de largometrajes con esta historia que adapta una de las sagas más famosas de los X-Men. Y más allá de que la aproximación a las páginas de Marvel haya sido más o menos fiel, como película presenta dos debilidades demasiado contundentes como para obviarlas y no permitir que influyan en el resultado final.

Para empezar, el tratamiento de la historia es excesivamente lineal y simplista. X-Men: Fénix Oscura carece de giros argumentales que generen cierto interés en el espectador, convirtiendo a estos personajes cargados de habilidades sobrehumanas y traumas del pasado en meros vehículos para hacer que la historia avance a golpe de efecto especial. A diferencia de películas pasadas, los personajes apenas dejan aflorar algo del conflicto interno y externo que mantienen, y tan solo sale a relucir cuando conviene. En este sentido es importante matizar además que lo poco que el director (y también autor del guión) rasca de la superficie de los protagonistas se queda en eso, en una mera muestra de intenciones que no se desarrolla posteriormente, sirviendo únicamente como trampolín para una secuencia final espectacular, eso sí, en un tren en marcha.

El otro gran problema de la cinta es la falta de unos enemigos sólidos. La trama juega en todo momento con la delgada y difusa línea que separa el bien del mal. Algo que siempre ha estado presente en estos personajes y que es de agradecer que se mantenga. Pero una vez revelado el verdadero villano de la cinta (y ¡oh, sorpresa!, no es el personaje del título), la película pierde algo de interés tanto porque el villano carece de un trasfondo dramático atractivo como porque el personaje de Sophie Turner (serie Juego de Tronos) parece no desarrollar todo el poder que, en teoría, podría mostrar. A pesar de sus limitaciones, la película plantea la constante lucha entre el bien y el mal dibujada no solo en este personaje, sino en las decisiones de todos los mutantes que aparecen en el film, independientemente de su categoría como héroes o villanos, lo que aporta cierta complejidad (tampoco mucho) a una historia carente, por otro lado, de una gran espectacularidad, a excepción de su tercio final, donde se invierte todo el dinero que se había ahorrado previamente.

Desde luego, X-Men: Fénix Oscura es la cinta más débil de la nueva saga mutante. Curiosamente, igual que X-Men: La decisión final, que también abordaba la historia del mismo personaje. No sé si será casualidad o es que este arco narrativo tiene dificultades para dar su salto a la gran pantalla, pero en cualquier caso estamos ante un film con excesivas irregularidades, espectacular en su tratamiento visual pero carente de giros narrativos y con un desarrollo de personajes más bien plano en el que la dualidad entre el bien y el mal que siempre ha estado presente en estas historias, aunque sobrevuela prácticamente toda la cinta, solo se explora a fondo en los momentos en los que la trama lo necesita como recurso argumental. Es entretenida, es cierto, pero muestra síntomas de agotamiento mutante.

Nota: 6/10

‘Rocketman’: Circle of Life


No sé si este es el inicio de una oleada de películas biográficas de grandes iconos de la música. Pero que en tan poco tiempo hayan llegado dos films como Bohemian Rhapsody (2018) y el que ahora nos ocupa sí permite apreciar las diferentes visiones que el cine puede ofrecer sobre una idea base como es el relato de la vida de un artista mundialmente conocido. Y eso sin necesidad de entrar en debates de cuál es mejor (no es ni el momento ni el lugar).

Si hubiera que resumir este Rocketman en una idea, esa es la de musical clásico. La vida de Elton John, histrionismos y excesos aparte, se plantea desde el primer momento como un espectáculo visual en el que el color, la música y los actores juegan un papel imprescindible. Que el protagonista se presente con el vestuario con el que lo hace para, a continuación, retrotraerse a su infancia con un número musical de colores apagados salvo él mismo es toda una declaración de intenciones en la que el director Dexter Fletcher (Amanece en Edimburgo) da una idea de la personalidad que va a tener el film, capaz de narrar más con imágenes que con la música (el abrazo final entre el personaje adulto y el niño explica el sentido de cada minuto de metraje). A partir de ahí, y como si de un largo flashback se tratara, el espectador asiste a un proceso de evolución en el que pocas cosas se dejan a un lado, tanto buenas como malas, lo cual es de agradecer por la aparente sinceridad que demuestra.

Fletcher realiza un trabajo más que notable, tanto por su lenguaje narrativo y su manejo de la cámara como por su trabajo con un reparto en estado de gracia, encabezado por un Taron Egerton (Eddie el Águila) que no solo interpreta, sino que asume absolutamente cada aspecto del artista, transformándose tanto física como emocional y sonoramente. Pero no es el único. Cada uno de los actores, en mayor o menor medida, se sumerge en este viaje aportando más matices a sus personajes, enriqueciéndolos para acentuar el drama de esta historia que, todo sea dicho, también tiene ciertos momentos irregulares. Posiblemente el mayor ‘pero’ que se le pueda poner es una cierta falta de concreción temporal. Las transiciones de años que se producen en el metraje, exquisitamente ejecutadas, pueden llegar a desubicar al espectador en el paso del tiempo, y eso unido a un cierto abandono en el tratamiento de algunos secundarios puede generar una pérdida de ritmo, aunque no influye demasiado en el resultado final.

Un resultado que convierte a Rocketman en un musical ideal para los amantes del género, pero también para aquellos que quieran conocer un poco más la vida de Elton John. Excesos, alcohol, drogas, excentricidades, … La película ofrece todo, y lo hace con la visión de un director con una personalidad arrolladora y de unos actores que ofrecen lo mejor de sí para componer la banda sonora de toda una vida. Y por supuesto, los amantes de su música encontrarán algunos de los temas más conocidos del artista. No todos, que son son muchas décadas sacando discos. Una película entretenida, entrañable, dramática en algunos momentos y visualmente espectacular.

Nota: 7,5/10

‘Aladdín’: una colorida fachada


Viendo la nueva apuesta de Disney para revitalizar en imagen real sus clásicos más conocidos, y sobre todo viendo la reacción del público de diferentes edades en la sala, la película debe ser entendida no solo desde la nostalgia de aquellos que crecimos con la magia de estas cintas animadas, sino desde aquellos nuevos espectadores de corta edad que descubren aquello que muchos otros conocimos hace décadas. Y aunque la calidad de la cinta puede que no varíe, sí es importante comprender que las comparaciones suelen ser odiosas, sobre todo en casos como este.

Por eso, Aladdín no puede compararse con el original de 1992. No porque no esté a su altura, sino porque es otro concepto adaptado a los nuevos tiempos. Y bajo este prisma, la cinta de Guy Ritchie (Sherlock Holmes) es un portento visual, una aventura musical y dinámica que aprovecha bastante bien las posibilidades de la historia para alejarse un poco del lenguaje visual del original y narrar con sus propias palabras la conocida historia del joven ladrón que terminó convirtiéndose en príncipe. Ahora bien, la producción tiene en sí misma unas posibilidades que no se explotan lo suficiente y que limitan mucho, en algunos casos muchísimo, la propia narrativa de la historia, que no profundiza en los parámetros dramáticos y morales que ella misma apunta.

El caso más evidente es el del empoderamiento de la princesa (a la que interpreta con acierto Naomi Scott -Power Rangers-), un elemento nuevo en una historia de estas características que, sin embargo, no da el paso de convertirse en un motor narrativo. Dicho de otro modo, el feminismo con el que se dota a la historia parece más de postín, limitándolo a un personaje femenino diciendo que se ha preparado para ser sultana y que no la van a callar, pero siendo siempre salvada por el héroe de turno. Es evidente que, en un intento de mantener la esencia del cuento original pero introduciendo los actuales conceptos sociales, lo que surge es una mezcla que no funciona. No es el único caso. La evolución del protagonista no termina de generar el interés esperado, los efectos digitales se antojan un tanto acartonados, y secundarios como Abu o Iago tienen un protagonismo intermitente que revela un intento infructuoso de dotarles de una presencia determinante en la trama.

Todo ello convierte a Aladdín en un entretenimiento para los más pequeños que en muchos casos no terminará de convencer a los mayores. Un colorido espectáculo en el que, al igual que la moraleja de la historia, termina por importar poco la fachada y primar lo que hay en el interior. Y ese interior se revela irregular, con buenos e interesantes momentos pero con demasiados argumentos planteados sin desarrollo posterior. Eso por no hablar de la ausencia completa del lenguaje de Guy Ritchie tras las cámaras, entregado a una mera manufactura de un producto comercial. Eso sí, la magia sigue existiendo, y mientras hay magia hay esperanza… al menos para afrontar la siguiente cita con un clásico Disney de carne, hueso y ordenador.

Nota: 6,5/10

‘El hijo’: ¿es un pájaro? ¿es un avión? ¿pero qué es?


¿Un Superman villano? Pues la idea ya es de por sí sugerente, sobre todo para aquellos que conozcan los orígenes del personaje narrados en los cómics o en el clásico de 1978. Pero la película que nos ocupa es de todo menos sugerente. Y eso es casi lo más interesante del film de David Yarovesky (The hive), porque lo cierto es que en ningún momento llegamos a saber qué género estamos viendo.

Y es una lástima, porque El hijo tiene todos los elementos necesarios para ser una apasionante cinta de ciencia ficción o una terrorífica apuesta de suspense y angustia. Sin embargo, el desarrollo dramático de la historia, y de los propios personajes, se queda en tierra de nadie. Comienza como una combinación de intriga y ciencia ficción para adentrarse levemente en el género del humor y terminar en una suerte de terror con epílogo informativo. Tanto género para una película con un argumento tan sencillo y directo, amén de una ajustadísima duración, impide asentar una interpretación de esta historia que, además, plantea varias ideas sin llegar a desarrollar ninguna. Para muestra un botón. Da la sensación por momentos de que el guión pretende jugar con el suspense de saber quién se esconde bajo la máscara, mostrando casi una doble personalidad en el personaje del joven Jackson A. Dunn (serie Legendary Dudas), quien por cierto es de lo mejor de la cinta. Sin embargo, esta suerte de apuesta por el suspense se queda en nada al ir mostrando poco a poco la transformación del adolescente, terminando por lastrar a la cinta.

Eso no impide que el film sea entretenido, ni que contenga algunos momentos especialmente desagradables y, según se mire, gore. Yarovesky poco puede aportar a la simpleza de la trama, pero su mano se deja ver en la narrativa de los crímenes que comete el joven extraterrestre que asume sus poderes, cual avispa en un nido de abejas (y la referencia no es casual, como tampoco lo es en la cinta), con la adolescencia. Pero nada de esto logra que el espectador se sumerja completamente en la película. Y eso se debe, fundamentalmente, a ciertos desequilibrios de guión, dando mucha prioridad a diálogos que dan vueltas sobre el mismo tema y dejando a un lado la evolución del adolescente. Es cierto que su transformación tiene un origen exógeno más que endógeno (cambios hormonales, comprensión del mundo, …), pero no son pocos los momentos en los que parece mostrar una cierta bondad en su interior. Ya sea una lucha interna entre el bien y el mal o una forma de manipular a los que le rodean (opto por lo segundo), falta un desarrollo más profundo de esta idea para conocer mejor al personaje más allá del símil con avispas y abejas.

De este modo, El hijo es un producto a medio camino de todas partes. Su indefinición en el género es casi lo de menos. La película plantea varias ideas que no termina de desarrollar, por no hablar de unos interesantes personajes que se dibujan con trazo grueso. El joven protagonista parece moverse en algunos momentos por impulsos de rabia adolescente, mientras que en otros parece estar dominado por una fuerza superior. La relación entre padres e hijo, fundamentalmente la de la madre, se mueve en unas arenas movedizas dramáticas que por momentos parecen consolidarse y por momentos hunden lo logrado hasta ese momento. Como entretenimiento no es una mala propuesta, sobre todo para los amantes del gore y la violencia. Sus momentos de acción, sobre todo en su clímax, son espectaculares. Pero una película no puede vivir solo de esto, sobre todo cuando plantea componentes dramáticos mucho más complejos.

Nota: 6/10

‘Los hermanos Sisters’: conflicto de modelos sociales


El género western posee unos elementos definitorios muy concretos más allá de vestuarios, épocas y escenarios. Tal vez por eso la nueva película de Jacques Audiard (De óxido y hueso), aunque ambientada en el Lejano Oeste, ofrece al espectador muchas más lecturas a todos los niveles, desde el visual al puramente sociológico, componiendo una sinfonía muy entretenida que, además, obliga necesariamente a reflexionar durante varias horas.

Porque la premisa inicial de estos dos bandoleros a sueldo realizando un trabajo pronto da paso a una interpretación mucho más profunda y compleja tanto de los personajes como del mundo en el que se desarrolla la serie. Con un tono marcadamente crepuscular, la historia ahonda en las diferencias de un mundo marcado por la violencia y la codicia y otro muy diferente en el que la educación, el respeto a la ley y la convivencia definen a los individuos. Esta dualidad se haya en cada aspecto del film, desde las diferencias entre Los hermanos Sisters, a los que dan vida de forma espléndida John C. Reilly (Convención en Cedar Rapids) y Joaquin Phoenix (Irrational man) hasta los contrastes entre el polvo del camino y la elegancia de San Francisco, por no hablar de la utopía que menciona el rol de Riz Ahmed (Circuito cerrado) hacia el final del metraje.

A todo ello se suma una puesta en escena que aprovecha al máximo las posibilidades de la historia. Audiard vuelve a demostrar su amplio registro formal con escenas como la inicial, con una oscura noche solo iluminada por el fuego de los disparos, o la iluminación tenue de las calles de pueblos y ciudades. El director francés pone al servicio de la historia y sus actores tanto imagen, música (magnífica banda sonora de Alexandre Desplat, dicho sea de paso) y lenguaje para desarrollar y captar el sentido de las miradas, de los diálogos e incluso de las penurias que pasa la pareja protagonista para alcanzar su destino, retornándoles al final al que fuera el inicio de sus vidas.

Lo que nos encontramos en Los hermanos Sisters es un western atípico, alejado de heroicas gestas o desafíos casi imposibles. En realidad, los dos protagonistas son más bien decadentes, y la historia reflexiona sobre el modelo social y la lucha entre la violencia y la armonía. Y por ello, amén de un director con personalidad capaz de atrapar al espectador con su capacidad para generar belleza, es por lo que el film se descubre como una obra diferente, enriquecedora, capaz de sobrevivir a su propio metraje para dejar su poso en la conciencia una vez se encienden las luces de la sala. Puede que algunos de sus tramos carezcan del ritmo necesario, pero tanto si se es aficionado al género como si no, es una película que nadie debería perderse.

Nota: 8/10

‘Keepers. El misterio del faro’: la espiral de la muerte


Allá por 1900 tres fareros de la isla de Eilean Mor, una de las que forman las islas de Flannan (Escocia), desaparecieron sin dejar rastro. En las instalaciones no se encontró ninguna pista sobre lo que podría haber ocurrido. De hecho, todo parecía perfectamente ordenado. Este misterio es la premisa para construir un thriller atípico, alejado del componente morboso o terrorífico y con una profundidad dramática poco habitual. Un thriller en el que la mayor parte del motor que mueve la trama se encuentra en las miradas y los pensamientos de los personajes, y no tanto en sus acciones, que sirven más bien como puntos de giro dramático.

Con esta idea Kristoffer Nyholm, director de un referente del thriller como es la serie Forbrydelsen (The killing), construye un viaje a las miserias del alma humana, a los confines del odio, el miedo y la venganza. Para ello aprovecha al máximo las características de sus tres personajes, a los que mina mental y físicamente hasta hacerlos caer, y con ellos la cordura en un ambiente tan solitario y gris como es una isla en el norte de Europa. Como si fuesen los tres pilares sobre los que se asienta una construcción, la fractura de cada uno de los personajes hace tambalear hasta su autodestrucción las relaciones entre ellos, pero lo que es más importante, acaba con su humanidad a pesar de sus intentos por preservarla. En este sentido, el lenguaje visual del director, aprovechando al máximo los primeros planos (y las posibilidades que le ofrecen los notables actores) y narrando con elegancia y fuera de plano algunos momentos más escabrosos, potencia esa sensación de que los protagonistas van perdiendo poco a poco aquello que les hace hombres para terminar siendo otra cosa.

Y aunque todo ello termina atrapando al espectador en una espiral de tragedia, Keepers. El misterio del faro peca en varios momentos de un ritmo algo lento, sobre todo en una primera parte en la que se narra el modo de vida de esta profesión. A mejorar el ritmo no contribuye, desde luego, que los aspectos más interesantes de la historia se desarrollen con miradas y sin palabras. La introspección de la cinta, algo deliberadamente buscado para consolidar el mensaje final del film, puede llevar a muchos espectadores a creer que no ocurre nada, o casi nada, durante sus poco más de 100 minutos. Desde luego, acción e intriga tiene poca, pero también hay actualmente pocas historias capaces de introducirse en la mente de los personajes, desgranarla y dar una coherencia a los sentimientos a los que nos enfrentaríamos cualquiera de nosotros en esa situación.

Por supuesto, Keepers. El misterio del faro da una respuesta a ese misterio, valga la redundancia. Pero eso es lo de menos. Lo verdaderamente atractivo del film es el viaje que hace cada uno de ellos una vez que se desencadenan unos acontecimientos que les introducen cada vez más en una trágica espiral de la que no logran salir. Es cierto que su ritmo visual es algo lento, del mismo modo que es cierto que algunos pasajes de la historia están narrados de forma algo esquemática y críptica (algo propio del estilo nórdico). Pero también estamos ante un interesante drama emocional, ante tres hombres que afrontan unos acontecimientos para los que no están preparados y que terminarán por destruirles en todos los sentidos. Es un film menor, de eso no cabe duda, pero no por ello es menos recomendable.

Nota: 6/10

‘Vengadores: Endgame’: y Marvel reinventó el cine


En una época de series y consumo inmediato, Marvel ha logrado, una vez más, lo imposible: que nos sentemos tres horas seguidas para ver lo que podría calificarse como el evento del año… no, de la década… no, del cine moderno. No dudo que haya detractores del cine de superhéroes, considerándolo poco menos que un producto de marketing pensado para adolescentes y frikis. Y aunque haya algunas películas que puedan responder a ese estereotipo, la Casa de las Ideas ha demostrado que este género es algo más. Vengadores: Endgame es la prueba definitiva de ello.

La película de los hermanos Russo, autores la precedente Vengadores: Infinity war, es sencillamente indescriptible. Y contrariamente a lo que pueda pensarse, no lo es por el aluvión de efectos digitales que contiene. Ni siquiera por la inmensidad de su trama. Lo es por la complejidad de sus personajes, por el desarrollo dramático de unos acontecimientos trágicos y traumáticos y el modo en que un grupo de personajes deciden afrontarlos. Esto confirma que toda buena película necesita explorar las motivaciones, los miedos y los deseos de sus personajes, llevarlos a situaciones límite y mostrar cómo reaccionan ante ellas. Y da igual cuál sea el contexto. En el caso que nos ocupa, todo ello con un inteligente toque humorístico en los momentos adecuados, aliviando la tensión dramática. El único problema, si es que puede considerarse así, es que existen tantos personajes que muchos quedan relegados a meros testimonios presenciales.

Pero Vengadores: Endgame es más, muchísimo más. Ahora que las series de televisión parecen haberse adueñado del entretenimiento, esta película confirma que si la pequeña pantalla puede beber de influencias cinematográficas, el séptimo arte puede hacer lo propio con el formato episódico. Desde este punto de vista, esta conclusión podría entenderse como el último capítulo de una primera temporada que ha durado 11 años y ha tenido 22 capítulos. Y en cierto modo, así está planteado. Desde que se estrenara Iron Man en 2008 todo lo que se ha visto en cada una de las películas estaba perfectamente planificado para formar parte de una macrohistoria mucho mayor y compleja que ha derivado en este ‘fin de partida’. No se trata simplemente de presentar personajes y juntarlos luego en otra película. No, cada acontecimiento, cada cambio, trauma, decisión y victoria (o derrota) han definido todo para llegar a este punto. Y esa es la esencia misma de cualquier producción seriada.

Y por si hubiera dudas de ello, la propia estructura dramática del film se encarga de asentar la idea. A lo largo de su desarrollo (y sin desvelar nada de la trama), la cinta viaja por el pasado de los personajes y por momentos de otros títulos de Marvel tanto física como psicológicamente. El espectador asiste a una introspección mucho mayor de los héroes que durante más de una década le han acompañado. Se produce así una mayor comprensión de sus motivaciones, de sus decisiones, de su ira y su temor. Pero sobre todo se logra un grado de empatía con todos ellos difícil de alcanzar en un film normal y corriente. A esto contribuye, claro está, haberles visto crecer a lo largo de cada film. Posiblemente muchos ya os hayáis dado cuenta, pero esta descripción de personajes es exactamente la misma que se puede hacer en una serie, que basa buena parte de su éxito en que los personajes pueden desarrollarse durante más tiempo que en una película.

Si no he mencionado nada de los efectos especiales o la acción no ha sido deliberado. Es sencillamente que la profundidad dramática de la cinta relega las espectaculares batallas a un segundo plano. Tal es la complejidad de Vengadores: Endgame. Y tal es el homenaje que Marvel rinde a sus fans, a los que ofrece un producto final más que excepcional. Los hermanos Russo, con su habitual y notable pulso narrativo, logran que las tres horas de duración sean un suspiro. Su sello se deja ver en cada plano, especialmente en ese combate final con plano secuencia marca de la casa. ¿Y el final? Pues el que debería ser, ni más ni menos, títulos de créditos incluidos. La película deja clara una cosa: que es el fin de una era y que nada volverá a ser lo mismo. Pero también deja la sensación de estar ante algo tan grandioso que será difícil de superar, tanto en espectacularidad como en carisma de sus protagonistas. En los años 60 Marvel revolucionó los cómics; ahora ha hecho lo mismo con el concepto mismo del cine, traspasando la propia dimensión de película autoconclusiva o de la secuela.

Nota: 9,5/10

Diccineario

Cine y palabras

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