‘Pobres criaturas’: la belleza de la libertad

Yorgos Lanthimos, director de, entre otras, Langosta (2015), es un artista en el sentido más tradicional del término. Es de los pocos directores actuales que pueden ser considerados así, más allá de su capacidad narrativa y de la calidad de sus obras. Y tal vez por eso, sus películas tienen una sensación de libertad única, demostrando una originalidad y una capacidad creativa muy poco habituales hoy en día.

La última evidencia de esto es Pobres criaturas, un cuento adulto sobre la madurez y el despertar de la mujer a la vida en una sociedad constreñida por reglas no aptas para la libertad femenina. Lanthimos ofrece al espectador un viaje que camina entre el surrealismo y el expresionismo, tomando ingredientes de obras clásicas como Frankenstein y componiendo una sinfonía audiovisual tan extravagante como hipnótica, tan colorida como sutil en su uso del blanco y negro, reflejando la evolución de la protagonista de un mundo monocromático a un universo lleno de colores, sabores y experiencias. Es precisamente esta evolución lo que sustenta todo un relato que, aunque avanza a un ritmo más o menos constante, se recrea tal vez en exceso en el fragmento de la madurez en el prostíbulo.

Pero más allá de la labor de Lanthimos tras las cámaras (su uso de diferentes formatos es magistral) y del diseño de producción (que parece recrear un cuadro detrás de otro), hay otro nombre propio que resuena con fuerza en el film: Emma Stone. La protagonista de La La Land (2016) opta a su segundo Oscar gracias a un trabajo aparentemente absurdo pero enrevesadamente complejo. A través de su trabajo corporal y sus expresiones faciales, la actriz logra transmitir la evolución de una persona desde su más tierna infancia hasta la edad adulta, todo ello en un cuerpo de mujer. Y lo hace creando una fascinación que no se limita al resto del reparto (todos ellos brillantes, dicho sea de paso), sino que cautiva al espectador con cada plano. Más que merecida la nominación, y desde luego, más que merecido el premio que es más que probable que consiga.

Decir que Pobres criaturas es una obra diferente sería quedarse corto. Muy corto. Es transgresora, elegante, visualmente hermosa y narrativamente controvertida. Habrá muchos que no entiendan qué está pasando; otros que consideren excesivos determinados pasajes de la historia. Y puede que tengan razón, pero como buen artista, Lanthimos no pretende dar respuesta a nada, solo plantear debates y preguntas. Y lo hace con una sensibilidad única, cuestionando el papel de la mujer y las constricciones sociales impuestas por el hombre. Quizá esto sea lo mejor de la cinta: que tras un envoltorio extremadamente bello hay una historia que invita a reflexionar sobre papeles sociales. Es lo que tiene ser libre para contar lo que se quiere contar, algo que el director se ha ganado a pulso.

Nota: 8/10

Las ‘Pobres criaturas’ de Lanthimos llegan a la cartelera muy bien acompañadas

Hemos tenido que esperar al último fin de semana de enero para recibir en la cartelera española una de las películas que más expectación y buenas críticas han generado en los últimos meses. Pero este viernes, día 26, este título no llega solo. Al contrario, aterriza en los cines acompañado de muchos e interesantes estrenos para todo tipo de gustos.

Pero comencemos por Pobres criaturas, cinta que mezcla drama, romance, comedia y ciencia ficción para adaptar la novela de Alasdair Gray cuyo argumento sigue a un estudiante de medicina que se enamora de una rica, hermosa y muy apasionada joven que, a su vez, es hija de un monstruoso genio y científico que, en realidad, ha devuelto a la vida a la mujer. Con capital estadounidense, irlandés y británico, la película está dirigida por Yorgos Lanthimos (La favorita) y protagonizada por Emma Stone (Cruella), Mark Ruffalo (Vengadores: Endgame), Willem Dafoe (El hombre del norte), Ramy Youssef (No te preocupes, no llegará lejos a pie), Christopher Abbott (Los perdonados), Margaret Qualley (El templo) y Jerrod Carmichael (A la de tres), entre otros.

Puramente estadounidense es Miller’s girl, comedia dramática escrita y dirigida por Jade Halley Barlett, que debuta como directora y guionista con esta historia centrada en una joven y talentosa escritora que se embarca en una odisea creativa cuando su profesor le asigna un proyecto que termina por enredarlos a ambos, obligándoles a enfrentarse a lo más oscuro de ellos mismos a medida que sus vidas se entrelazan. Jenna Ortega (serie Miércoles), Martin Freeman (Black Panther: Wakanda forever), Bashir Salahuddin (Top Gun: Maverick), Gideon Adlon (Sick), Dagmara Dominczyk (La hija oscura), Christine Adams (Ruega por nosotros) y André Wilkerson (Stranger next door) son los principales actores.

Estados Unidos y Canadá colaboran en Vive dentro, cinta de terror y suspense en clave dramática que arranca cuando una joven india-estadounidense que rechaza su cultura para encajar entre sus compañeros se ve obligada a aceptar su herencia para salvar a su antigua mejor amiga de un espíritu demoníaco mitológico. Dirigida y coescrita por Bishal Dutta, que debuta en el largometraje, la película está protagonizada por Megan Suri (Dramarama), Mohana Krishnan (serie Frankie), Neeru Bajwa (Snowman), Betty Gabriel (En la autopista), Vik Sahay (Capitana Marvel), Gage Marsh (El que no soy) y Jenaya Ross.

Entre los estrenos puramente europeos encontramos El último soldado, drama británico inspirado en la vida de un veterano real del Día D. La trama arranca cuando este hombre, tras perder a su amada esposa, decide escapar de su hogar de ancianos y emprender un viaje hacia Francia en el aniversario del Desembarco de Normandía. Una odisea con la que profundizará en el espíritu humano y la necesidad de enfrentar los fantasmas del ayer. Terry Loane (Mi socio Mickybo y yo) dirige este film en cuyo reparto destacan los nombres de Pierce Brosnan (Black Adam), Jürgen Prochnow (Operación en Damasco), Claire Rafferty (serie La caza), Desmond Eastwood (serie Normal people), Clémence Poésy (Tenet), James Keating y John Amos (El rey de Zamunda).

Francia, Alemania, España y Bélgica participan en Los tres mosqueteros: Milady, continuación de la película de 2023 Los tres mosqueteros: D’Artagnan con la que se pone fin a esta nueva adaptación de la novela de Alejandro Dumas. Esta parte de la historia se centra en la alianza entre el joven D’Artagnan y Milady para salvar a Constance. Todo ello con la guerra como telón de fondo, en la que participan Athos, Porthos y Aramis. Tanto el director, Martin Bourboulon (Eiffel), como los actores repiten en esta aventura de capa y espada, por lo que en pantalla veremos a François Civil (Un paso adelante), Vincent Cassel (Envidia sana), Romain Duris (Nuestras pequeñas batallas), Pio Marmaï (Zoe y Tempestad), Eva Green (Dumbo), Louis Garrel (La sombra de Caravaggio), Vicky Krieps (La emperatriz rebelde), Lyna Khoudri (Novembre) y Jacob Fortune-Lloyd (Mira cómo corren).

Puramente francesa es Rodeo, drama de 2022 dirigido y coescrito por Lola Quivoron, que de este modo debuta en el largometraje de ficción. La trama tiene como protagonista a una joven inadaptada que sobrevive con pequeños trapicheos. Su pasión por el motociclismo le lleva a conocer a una pandilla de moteros aficionados al motocross sobre asfalto, una moda clandestina en la que la joven se infiltrará hasta que un accidente pone en riesgo su posición en la pandilla. El reparto está encabezado por Julie Ledru, Antonia Buresi (Un escándalo de Estado), Junior Correia, Ahmed Hamdi, Yannis Lafki y Louis Sotton.

En cuanto a los estrenos españoles, Faro mezcla terror y suspense en una trama que arranca después de la muerte accidental de una madre. Su hija y su marido se refugian en un faro para lidiar con el dolor, pero casi desde el primer día las pesadillas se apoderan de la joven, lo que daña aún más la relación con él y les obligará a ambos a aprender a confiar el uno en el otro. Ángeles Hernández (Isaac) dirige y participa en el guion de esta cinta protagonizada por Hugo Silva (Un novio para mi mujer), Zoé Arnao (Las niñas), Sergio Castellanos (Malasaña 32), Irene Montalà (Perdona si te llamo amor) y Noelia Balbo (Varados).

También española, aunque en clave de comedia, es Un mal día lo tiene cualquiera, ópera prima de la humorista Eva Hache (protagonista de Tiempo después). El argumento gira en torno a una mujer que ha logrado independizarse, aunque sea en un pequeño estudio sin calefacción y ruidoso. Ordenada, responsable e incapaz de saltarse las normas, está preparando su tesis doctoral. Pero cuando se encuentra por casualidad con una amiga a la que acaba de dejar el novio, su vida dará un vuelco en una sola noche. Justo la noche anterior a defender su tesis doctoral y dar un nuevo paso adelante en su trayectoria. Ana Polvorosa (La piedad), Agustín Jiménez (Yucatán), Bàrbara Mestanza (serie Amar es para siempre), Juriji Der Klee, Aníbal Gómez (serie Ella es tu padre) y Goize Blanco (Veneciafrenia) son los principales actores.

El último de los estrenos de ficción en imagen real es Presa de su objetivo, thriller de acción producido en Costa Rica que narra cómo una joven que sueña con ser modelo conoce a un reconocido fotógrafo que podría llevarla al éxito. Sin embargo, tras la primera sesión de fotos ella empieza a sospechar que algo malo ocurre. Este segundo largometraje dirigido por Rodrigo Acosta Tannure (Aunque no sea conmigo) está protagonizado por Héctor Soberón (La princesa), Gabriela Borges (serie Corazón valiente), Salomon Ocon (East on Alameda), Isabella Palma, Manu Canales y Fabi Paniagua.

Entre las novedades de animación destaca El fantasma de Canterville, comedia británica dirigida a cuatro manos por Kim Burdon y Robert Chandler, siendo para ambos su primer largometraje como realizadores. La trama arranca cuando una familia se muda de Estados Unidos a Inglaterra para descubrir que su nueva casa está encantada y el fantasma que habita en ella lleva más de 300 años rondando esos terrenos. Sin embargo, el espectro se encontrará con la horma de su zapato cuando intente ahuyentar a los recién llegados. Entre las voces originales podremos distinguir las de Toby Jones (El imperio de la luz), Hugh Laurie (Tomorrowland: El mundo del mañana), Freddie Highmore (Way down), Meera Syal (La almendra y el caballito de mar), Stephen Fry (Un robo inesperado), Imelda Staunton (Downton Abbey: Una nueva era) y Miranda Hart (Emma.), entre otras.

Canadá y Alemania colaboran en Patrick, aventura familiar de animación que narra la historia de una valiente y adorable mariposa con una sola ala que se esconde en un remolque para hacer el viaje de su vida. Lo que no espera es que, acompañado de su mejor amigo y de otra mariposa con miedo a las alturas, se terminará convirtiendo en un héroe inesperado. Ópera prima de Sophie Roy, la película cuenta con las voces originales de Mena Massoud (Tratamiento real), Tatiana Maslany (serie She-Hulk: Abogada Hulka), Val Mervis (Hall), Stephanie Breton (Emptiness), Richard M. Dumont (The journey) y Tristan D. Lalla (Los Estados Unidos contra Billie Holiday).

Desde Francia nos llega Nina y el secreto del erizo, cinta de animación dirigida por Jean-Loup Felicioli y Alain Gagnol (directores de Phantom boy), este último, además, autor del guion de esta aventura sobre una niña a la que le gusta dormirse escuchando las historias de su padre sobre un erizo que descubre el mundo. Pero cuando una noche su padre no sigue ese ritual, su mejor amigo encontrará una solución que les embarcará en una investigación para descubrir un tesoro escondido, y en la que tendrán a su lado al pequeño erizo. Loan Longchamp, Audrey Tautou (Éternité), Guillaume Canet (La belle époque), Keanu Peyran (serie Clem), Guillaume Bats (serie Hero corp) y Patrick Ridremont (Manual de un tacaño) ponen las principales voces originales.

Terminamos con dos documentales. Little Richard: I am everything aborda, como su título indica, la vida y obra del icono del rock and roll que marcó el mundo de la música. Esta producción estadounidense está dirigida por Lisa Cortes (All in: The fight for democracy).

Por último, Sauna cuenta con capital procedente de Estonia, Francia e Islandia para centrar su mirada en las mujeres que acuden a las saunas de humo para compartir sus secretos y experiencias más íntimos, lavando así la vergüenza retenida en sus cuerpos y recuperando la fuerza a través de un sentimiento de comunión. La película está escrita y dirigida por Anna Hints, para quien es su primer largometraje.

‘Asteroid City’: el teatro a todo color

Las películas de Wes Anderson (El gran hotel Budapest) se han convertido en muy poco tiempo en un desafío para el espectador. No solo por su inteligencia, su ironía y su definido lenguaje narrativo, sino por la cantidad de actores y actrices que participan en ellas. Su última obra representa lo mejor de su cine, y lo hace además con una propuesta visualmente fascinante.

Como historia , Asteroid City no es necesariamente una gran obra. Ahora bien, lo realmente interesante del film está en cómo se narra esa historia. El director opta por combinar formatos, tratamientos y tamaños de fotograma para situar al espectador en todo momento en la dualidad de dos universos diferentes: el real y el de la obra de teatro que se representa. Y no es casualidad que el «mundo real» sea en blanco y negro con un formato 4:3, y el «mundo teatral» sea a todo color y panorámico. Dos diseños casi opuestos en los que el director se mueve como pez en el agua dejando algunos planos brillantes y que se graban para siempre en la retina gracias a la característica planificación a la que ya nos tiene habituados, y que en este desierto se potencia gracias a unos decorados tan minimalistas como originales.

Y luego está lo del reparto. Sinceramente, poco se puede decir de la lista interminable de actores que aparecen en la cinta, más allá de que todos y cada uno de ellos disfruta como pocas veces se ve en pantalla de unos personajes que, debido al alto número que hay, están presentes apenas unos minutos en imagen. El compromiso es lo que permite que, aunque sea un momento, sus interpretaciones se recuerden con claridad. Anderson aprovecha esto para poner en marcha una surrealista historia de un grupo de hombres y mujeres perdidos en sus propias vidas y cómo la presencia de un alien trastoca por completo su estancia en un lugar de paso. La frialdad de todos los personajes aporta, además, ese toque irónico a algunos momentos que solo tienen sentido en el mundo Anderson.

Con Asteroid City, Wes Anderson recupera lo mejor de su cine, estableciendo además un lenguaje entre dos mundos cuyos personajes, en más de una ocasión, dan el salto de uno a otro para desarrollar una comunicación interna entre la vida real y la imaginada. De este modo, el espectador asiste a un espectáculo visual único, fresco, cargado de ironía y humor negro que juega en todo momento con la idea de estar ante una representación teatral de la vida misma, o de una vida que se asemeja sospechosamente al teatro. Sea como fuere, si en La Crónica Francesa realizaba su particular homenaje al periodismo, aquí la representación teatral es el epicentro de la trama. Evidentemente, no es para todos los gustos, pero es Anderson en estado puro.

Nota: 8/10

El cine negro clásico y el western regresan a la cartelera del siglo XXI

Es muy curioso cómo la cartelera suele «vaciarse» cuando llegan grandes estrenos como el de Guardianes de la galaxia: Volumen 3, y sin embargo se llena de novedades aquellos fines de semana sin grandes títulos. Es lo que ocurre este viernes, 12 de mayo, cuando llegan a España un gran número de novedades, ninguna de ellas grandes superproducciones pero muchas con nombres e historias muy interesantes para acercarse a una sala de cine.

Comenzamos este repaso por Marlowe, thriller detectivesco que, como puede desprenderse del título, hace referencia al famoso investigador privado creado por Raymond Chandler. Con capital irlandés, español y francés, la cinta adapta una novela de John Banville ambientada en Los Ángeles a finales de los años 30. La trama arranca cuando una rica y bella heredera encarga a Marlowe que busque a su antiguo amante, quien ha desaparecido. El detective pronto descubre que tras lo ocurrido hay una red corrupta, lo que le pondrá en el punto de mira de algunos de los mandatarios más acomodados y peligrosos de la ciudad. Neil Jordan (La viuda) dirige este film protagonizado por Liam Neeson (The ice road), Diane Kruger (Infiltrada), Jessica Lange (serie American Horror Story: Apocalypse), Adewale Akinnuoye-Agbaje (Escuadrón suicida), Danny Huston (Objetivo: Washington D.C.), Ian Hart (Fuga de Pretoria), Colm Meaney (Pixie) y Alan Cumming (La batalla de los sexos).

Canadá y Estados Unidos colaboran en El cazador de recompensas, western con dosis de suspense que transcurre en 1892 y que arranca cuando un legendario cazarrecompensas es contratado por el marido de una mujer de buena familia para que la encuentre y la salve de su secuestro a manos de un desertor del Ejército Negro. Pero mientras los encuentra, el cazarrecompensas deberá hacer frente a un peligro pistolero al que envió a prisión y que ahora clama venganza contra los que lo enviaron entre rejas. Walter Hill (Dulce venganza) dirige este film de 2022 protagonizado por Christoph Waltz (La Crónica Francesa), Willem Dafoe (Spider-Man: Sin camino a casa), Rachel Brosnahan (Soy tu mujer), Warren Burke (Addicted to you), Benjamin Bratt (Ajuste de cuentas), Hamish Linklater (serie Misa de medianoche) y Brandon Scott (The Amaranth), entre otros.

Puramente estadounidense es Love again, comedia dramática de corte romántico cuyo argumento gira en torno a una joven que ha perdido a su prometido. Para intentar superar la situación, envía una serie de mensajes románticos a su antiguo número de teléfono sin saber que, de hecho, el número ahora pertenece a otra persona, concretamente a un periodista que queda sorprendido por la honestidad de los mensajes. Cuando le asignan un artículo sobre la megaestrella Celine Dion, el periodista pedirá ayuda a la artista para conocer a la mujer que está detrás de los mensajes y conquistar su corazón. Dirigida por Jim Strouse (La increíble Jessica James), la película adapta una novela de Sofie Cramer y cuenta en su reparto con Sam Heughan (serie Outlander), Priyanka Chopra Jonas (Matrix Resurrections), Céline Dion, Celia Imrie (Navidad en la granja), Russell Tovey (La gran mentira), Omid Djalili (El cascanueces y los cuatro reinos) y Lydia West (People you may know).

También procede de Hollywood la comedia Book Club: Ahora Italia, secuela de la cinta de 2018 que sitúa a las cuatro amigas protagonistas en un viaje a Italia para disfrutar de una experiencia de chicas que nunca tuvieron. Sin embargo, el viaje no sale como estaba planeado, y cuando algunos secretos salen a la luz, lo que iban a ser unas relajantes vacaciones se convertirá en una aventura única. Bill Holderman, que debutó como director con la primera parte, repite tras las cámaras, mientras que Diane Keaton (Con canas y a lo loco), Jane Fonda (Nosotros en la noche), Candice Bergen (La excepción a la regla), Mary Steenburgen (El callejón de las almas perdidas), Andy García (Despierta la furia), Don Johnson (serie Watchmen), Craig T. Nelson (Gold, la gran estafa) y Giancarlo Giannini (El sueño del califa) son los principales actores.

Estados Unidos, Reino Unido y Finlandia colaboran en Jeepers Creepers: El renacer, cuarta entrega de la franquicia de terror que está planteada como un reinicio de la saga. Dirigida por Timo Vuorensola (Iron sky), la cinta, de 2022, sigue a una joven que se ve obligada a acompañar a su novio a un festival de terror. De camino hacia allí empieza a experimentar visiones y premoniciones asociadas a la leyenda del pueblo en torno a un demonio que despierta cada 23 años para alimentarse durante 23 días. La joven pareja será la ganadora de un Escape Room dedicado a este mito, pero una vez dentro la experiencia se volverá demasiado real. El reparto está encabezado por Sydney Craven (serie Gente de barrio), Imran Adams (serie Hollyoaks), Gabriel Freilich (Misfits), Peter Brooke (Age of kill), Gary Graham (Demon protocol) y Dee Wallace (The bewailing), entre otros.

Estados Unidos y Reino Unido también están presentes en el thriller dramático La hija eterna, film de 2022 escrito y dirigido por Joanna Hogg (The souvenir) que tiene como protagonista a una mujer que, junto a su anciana madre, regresa a la antigua casa familiar, una gran mansión que se ha convertido en un hotel casi vacío lleno de misterios, y en el que deberán enfrentarse a secretos enterrados hace mucho tiempo. En pantalla podremos ver a Tilda Swinton (La Crónica Francesa), Joseph Mydell (La dama de oro), Carly-Sophia Davies, Crispin Buxton (The souvenir: part II), August Joshi y Alfie Sankey-Green.

Desde Francia nos llega Dialogando con la vida, drama de 2022 que narra la lucha de un adolescente de 17 años que ve cómo su vida se hace añicos en un abrir y cerrar de ojos, por lo que deberá luchar por la esperanza y el amor mientras trata de mantener los vínculos con un hermano afincado en París y la madre con la que vive. Christophe Honoré (Habitación 212) escribe y dirige este film en el que también se reserva un papel, completándose el reparto con Paul Kircher (A little lesson of love ), Vincent Lacoste (Las ilusiones perdidas), Juliette Binoche (En un muelle de Normandía), Wilfried Capet (Fuerte), Jean-Philippe Salerio y Pascal Cervo (Cuatro días, cuatro noches).

Entre las producciones puramente españolas destaca el drama La quietud en la tormenta, cuya trama, a medio camino entre el pasado y el presente, gira en torno a una mujer que se instala en San Sebastián con su pareja tras volver de París y a un hombre que nunca ha abandonado la ciudad, vive con su novia y trabaja en la inmobiliaria de su madre. Cuando las vidas de ambos se cruzan comienza una historia de amor, aunque es posible que no sea la primera vez que se hayan encontrado. Dirigida por Alberto Gastesi, que de este modo debuta en el largometraje, esta cinta de 2022 está rodada en blanco y negro y protagonizada por Loreto Mauleón (serie El secreto de Puente Viejo), Aitor Beltrán (Ola de crímenes), Vera Milán (Fragmentos) e Íñigo Gastesi (Ane).

Muy diferente es la cinta de terror española Slasher, debut en el largometraje de Alberto Armas Díaz, quien dirige y escribe esta historia sobre un joven que hereda una máscara como la que utilizaba su padre para asesinar. Cuando un grupo de jóvenes llega al pueblo y se cruza en su camino deberá decidir si continúa la tradición familiar o apuesta por el amor que acaba de conocer. Sergio Alguacil (serie Servir y proteger), Rafa Blanes (Nunca jures por la luna), Cristina Bravo (serie Amar es para siempre), Rafa de Vera (Las gentiles), Anna Hastings (Madre), Mario Gallardo (Maimónides, el andalusí judío) y Fabiola Muñoz (Contigo no, bicho) encabezan el reparto.

Con bastante retraso llega Nuestros hijos, drama de 2019 con capital portugués y brasileño que dirige Maria de Medeiros (Repare bem), quien escribe el guion junto a una de las protagonistas de la historia, Laura Castro. El argumento de la cinta gira en torno a la relación de una madre abnegada, divorciada después de tres matrimonios y que vive en una familia numerosa. Su hija, más «conservadora» que ella, está casada desde hace 15 años con otra mujer que ahora espera su primer hijo. Juntas deberán descubrir la belleza de una familia contemporánea. Entre los principales actores encontramos, además de a Castro, a Marieta Severo (Quincas Berro d’Água), Aldri Anunciação (Ilha), Denize Crispim, José de Abreu (Antes que eu me esqueça), Claudio Lins (Tudo acaba em festa) y Ricardo Pereira (Minha vida em Marte).

Rusia presenta este fin de semana El partido del siglo, drama deportivo basada en la historia real del primer campeonato de fútbol internacional de la posguerra, en el que el Dinamo de Moscú realizó una histórica gira por Gran Bretaña en 1945. Los jugadores rusos, que se iban a enfrentar a los invictos equipos británicos, tuvieron que lidiar con los estragos de los corredores de apuestas locales que trataron de sacar provecho de la gira amañando los partidos, y llegando a acusarles de ser espías soviéticos infiltrados. Dirigida a cuatro manos por Aleksey Pimanov (Krym) y Ekaterina Pobedinskaya, para quien es su ópera prima, la película está protagonizada por Makar Zaporozhskiy (Love), Pavel Trubiner (The time guardians), Roman Kurtsyn (En llamas), Andrey Chernyshov (Indestructibles), Evgeniya Lapova (Nasledniki) y Alyona Kolomina (serie Nesmotrya ni na chto).

El estreno más internacional de este viernes es Blanquita, drama de 2022 con capital chileno, mexicano, francés, luxemburgués y polaco cuyo argumento gira en torno a una joven de 18 años que vive en una casa de acogida. Allí es testigo en un escándalo sexual en el que están implicados niños, políticos y hombres ricos. Pero a medida que se formulan las preguntas queda menos claro cuál es la participación de la joven en el escándalo. Escrita y dirigida por Fernando Guzzoni (Jesús), la película tiene un reparto en el que destacan los nombres de Laura López, Alejandro Goic (Matar a Pinochet), Amparo Noguera (Tengo miedo Torero), Marcelo Alonso (Vera de Verdad), Daniela Ramírez (No basta con amar) y Ariel Grandón.

En lo que a animación se refiere, dos son las novedades que llegan a la cartelera. Patti y la furia de Poseidón es una producción francesa de 2022 que mezcla aventura y comedia para ofrecer un punto de vista diferente de la mitología griega. La trama arranca cuando la población de la ciudad de Yolcos, en la antigua Grecia, es amenazada por la ira de Poseidón. Una ratoncita y el gato que la adoptó ayudarán a Jasón y sus Argonautas a salvar la ciudad, aunque para ello deban enfrentarse a las criaturas más peligrosas. David Alaux (The jungle bunch. La panda de la selva), Eric Tosti (La panda de la selva: vuelta al hielo) y Jean-François Tosti (para quien es su ópera prima) escriben y dirigen esta cinta entre cuyas voces originales destacan las de Kaycie Chase (Las aventuras de Pil), Christophe Lemoine (El malvado zorro feroz), Emmanuel Curtil (Fireheart), Michel Tureau (Jasper und das Limonadenkomplott), Frantz Confiac (Colmillo blanco), Jérôme Pauwels (Intocable), Paul Borne (Supercondríaco) y Barbara Tissier (Terra Willy: Planeta desconocido).

Desde Dinamarca, y también de 2022, nos llega El incidente alienígena del pequeño Alan, aventura familiar dirigida por Amalie Næsby Fick (La increíble historia de la pera gigante) cuya historia tiene como protagonista a un niño que debe irse a vivir a la ciudad cuando sus padres se divorcian. Termina haciéndose amigo de su vecino, fascinado por los ovnis, y un día entran en contacto con una alienígena que ha tenido que hacer un aterrizaje forzoso. Decididos a ayudarla para volver a casa, deberán enfrentarse a otra gente que también quiere conocer a la extraterrestre, entre ellos un coleccionista muy particular. El reparto de voces originales cuenta, entre otros, con Anders W. Berthelsen (Erna en la guerra), Jesper Christensen (Robin), Peter Frödin (Alguien a quien amar), Bodil Jørgensen (Hvor kragerne vender), Nicolaj Kopernikus (El día que cambió todo) y Louis Næss-Schmidt (serie El caso Hartung).

En cuanto al documental, Madre Teresa: No hay amor más grande es una producción estadounidense de 2022 rodada en cinco continentes. A través de cartas y documentos nunca antes vistos, el film revela la singular manera de servir a Cristo y a los abandonados de las Misioneras de la Caridad y de la Madre Teresa de Calcuta. La cinta, que llegó a los cines el pasado día 8, está dirigida por David Naglieri (St. Joseph: Our spiritual father).

Terminamos con La última lidia, documental español pensado para explicar la tauromaquia al gran público a través de un relato que busca romper prejuicios y explorar las contradicciones humanas. La cinta, dirigida por Tomás Ocaña (quien de este modo debuta en el largometraje), da voz a los defensores y detractores para que sea el espectador quien emita su juicio.

Los ‘Guardianes de la galaxia’ regresan con una tercera aventura

Con la llegada de mayo comienzan a aterrizar en la cartelera los grandes estrenos del año. Y como viene siendo habitual desde hace ya muchos años, entre ellos destacan los de Marvel, como es el caso de este viernes día 5. Junto a este blockbuster, varios títulos europeos completan unas novedades algo más limitadas en cantidad que en fines de semana pasados.

Comenzamos, como es lógico, por Guardianes de la galaxia: Volumen 3, tercera entrega de la saga sobre este grupo de superhéroes que vuelve a dirigir James Gunn (El Escuadrón Suicida) antes de meterse de lleno en el Universo DC, y que adelantó su estreno a ayer jueves. La trama sitúa de nuevo al grupo en una misión para salvar la galaxia, pero en esta ocasión hay algo distinto. Han perdido a una de los suyos y, si la misión no se lleva a cabo con éxito, podría suponer el fin de los Guardianes. Acción, humor y aventura vuelven a ser los ingredientes de esta superproducción hollywoodiense que cuenta con un reparto en el que destacan los nombres de Chris Pratt (Thor: Love and Thunder), Zoe Saldana (Avatar: El sentido del agua), Dave Bautista (Llaman a la puerta), Karen Gillan (La burbuja), Pom Klementieff (Patrulla Trueno), Sean Gunn (Agnes), Bradley Cooper (El callejón de las almas perdidas), Vin Diesel (Bloodshot), Will Poulter (Midsommar), Chukwudi Iwuji (Noticias del gran mundo) y Elizabeth Debicki (Tenet).

España está presente, junto a México y Estados Unidos, en Asedio, thriller de acción que tiene como protagonista a una policía antidisturbios que, durante un desahucio en Madrid, descubre un dinero escondido que destapa una trama de corrupción policial. La mujer se ve obligada a huir a un territorio hostil en el que no conoce el idioma y su autoridad no vale nada. Tan solo la ayuda de una joven nigeriana le permitirá poner en marcha los mecanismos para hacer público el problema del que forma parte el sistema. Dirigida por Miguel Ángel Vivas (Tu hijo), quien colabora en el guion, la cinta cuenta entre sus principales actores con Natalia de Molina (Espejo, espejo), Bella Agossou (Pan de limón con semillas de amapola), Francisco Reyes (Malnazidos), Fran Cantos (serie Paraíso), Chani Martín (Historias lamentables), Jorge Kent (La niebla y la doncella) y Efraín Rodríguez (El debut).

Puramente española es Las buenas compañías, drama dirigido por Silvia Munt (La granja del Pas) y ambientado en 1976. El argumento gira en torno a una joven de 16 años que lucha por visibilizar la causa feminista en una época de cambios. Su sentimiento de rebeldía se sumará con algo inesperado cuando conozca a una chica algo mayor que ella y de buena familia, una relación que marcará un antes y un después en su vida. Alicia Falcó (13 exorcismos), Elena Tarrats (Nadie puede soñar por ti), Itziar Ituño (Irati), Ainhoa Santamaría (Las leyes de la frontera), María Cerezuela (Maixabel), Nagore Cenizo (Por un puñado de besos) y Helen de Lucas (El día del estreno Off) encabezan el reparto.

Desde Reino Unido nos llega The Lost King, comedia dramática de 2022 basada en la historia real del descubrimiento de la tumba del rey Ricardo III bajo un aparcamiento municipal en Leicester. Todo gracias a una historiadora aficionada cuya pasión permitió impulsar el proyecto a pesar de las objeciones y burlas de historiadores y académicos. Dirigida por Stephen Frears (Florence Foster Jenkins), la cinta está protagonizada por Sally Hawkins (La forma del agua), Steve Coogan (Viaje a Grecia), John-Paul Hurley (La tragedia de Peterloo), Jessica Hardwick (serie Float) y Glenna Morrison (Verborgen gebreken).

Thriller, drama y comedia se dan cita en Mi crimen, producción francesa ambientada en el París de los años 30 cuya trama arranca cuando una joven y guapa actriz sin talento es acusada de asesinar a un famoso productor. Con la ayuda de su mejor amiga, una joven abogada sin trabajo, logra ser absuelta del crimen y empezar así una nueva vida de fama y éxito que solo se verá amenazada por la verdad. François Ozon (Peter Von Kant) dirige esta cinta en cuyo reparto destacan nombres como los de Nadia Tereszkiewicz (La gran juventud), Rebecca Marder (De grandes espérances), Isabelle Huppert (El viaje a París de la señora Harris), Fabrice Luchini (Lo mejor está por llegar), Dany Boon (Una misión de locos) y Jean-Christophe Bouvet (La rupture), entre otros.

El último estreno de ficción es El trío en mi bemol, drama portugués de 2022 que se construye sobre los encuentros de dos antiguos amantes a lo largo del año. Encuentros y desencuentros que, a través de la música, les irán uniendo cada vez más mientras un lunático director de cine rueda una adaptación de la única obra de teatro que escribió Éric Rohmer. Rita Azevedo Gomez (Danzas macabras, esqueletos y otras fantasías) escribe y dirige esta historia protagonizada por Rita Durão (La portuguesa), Pierre Léon (Barbara), Adolfo Arrieta y Olivia Cabeza.

Terminamos con dos documentales españoles. Unzué. El último equipo de Juancar, es un retrato del día a día de Juan Carlos Unzué desde que en junio de 2020 hiciera público que tiene ELA. La película se centra en su trabajo para visibilizar esta enfermedad, en las reuniones y conversaciones con el FC Barcelona y el Manchester City para organizar un partido de fútbol que logró recaudar 4,3 millones de euros destinados a la investigación, todo ello acompañado de una mirada al lado más íntimo del que fuera portero y entrenador del Barça. La cinta está escrita y dirigida a tres bandas por Jesús Muñoz, Santi Padró y Xavi Torres, que de este modo debutan tras las cámaras.

Por último, La mala familia se centra en los integrantes de la banda que da nombre al documental, un grupo de amigos que a los 18 años cometieron un error que les llevó a la cárcel y un enrevesado proceso judicial. Años después, y con la distancia que impone el tiempo, se reúnen para comprobar y demostrar que siguen siendo una familia. Luis Rojo (para quien es su ópera prima) y Nacho A. Villar (La maleta de Helios) dirigen el film.

El hombre del norte: Hamlet en la era vikinga

Quien haya visto las anteriores películas de Robert Eggers (El faro) no se sorprenderá por el siguiente comentario: El hombre del norte es una de las obras visualmente más impactantes, hipnóticas y sobrecogedoras de los últimos años. Y lo es porque su director vuelve a demostrar una capacidad innata para integrar la historia en unos escenarios que se convierten en un personaje más, dotando a una historia ya de por sí dura y áspera de un tono lúgubre, frío y descarnado.

Pero la nueva propuesta de Eggers va mucho más allá en sus aspiraciones. Posiblemente algo menos contemplativa y más directa que sus anteriores trabajos (lo que no evita que podamos disfrutar de unos planos generales que cortan la respiración), la trama aprovecha lo mejor de varias historias ya conocidas para exponer un relato de venganza, odio y rencor enmarcado en la mitología vikinga. Y dado que está ahora tan de moda, nada mejor que una película como esta para aproximarnos de un modo más «realista» a un universo en el que la ambición se mezcla con la sangre y las esperanzas del Valhalla. Con estos ingredientes, el director crea una cinta casi impecable, imprescindible, que se puede disfrutar desde tantos puntos de vista que cuesta enumerarlos todos.

Porque, en efecto, su relato se mueve más por terrenos shakespirianos que del cine de acción. Pero eso no impide que asistamos a algunos momentos tan sangrientos y violentos como en cualquier obra de Tarantino, todos ellos, por cierto, de la mano de un Alexander Skarsgård (Godzilla vs. Kong) que es capaz de mostrarse en pantalla tan salvaje como íntimo, tan musculoso como inteligente. Esta dualidad en el relato, perfectamente hilvanada fotograma a fotograma, es uno de los valores narrativos más interesantes de un guion complejo, con algunos giros argumentales previsibles (y esta es la mayor debilidad que tiene la película) pero que, en todo caso, muestra al espectador el realismo y la crudeza de una época en la que la vida tenía muy poco valor.

Para gustos los colores, está claro, pero personalmente creo que El hombre del norte es la mejor película hasta la fecha de Eggers. Y eso es decir mucho teniendo en cuenta de dónde veníamos. Un reparto de lujo que muestra su mejor versión; un guion sobrio, trabajado sobre la necesidad de mezclar realismo y mitología; una fotografía y una banda sonora que sumergen al espectador en esta aventura de venganza y destino. Pero sobre todo, una dirección impecable que confirma que estamos ante uno de los creadores con más personalidad del momento. Porque no es nada fácil plantear una película como esta y no terminar cayendo en el mayor de los tedios. Eggers no solo lo consigue, sino que le da la vuelta a esto y nos presenta un Hamlet vikingo. ¿Se puede pedir más?

Nota: 8/10

‘El callejón de las almas perdidas’: el monstruo interior

A la hora de crear una historia, quizá lo más importante sea saber cómo acaba. Tal vez es una imagen que tenemos en la cabeza. Tal vez un concepto. Incluso puede que sea la conclusión del viaje que, a grandes rasgos, queremos que haga el protagonista. Pero el final tiene que estar muy bien definido. Digo esto porque lo nuevo de Guillermo del Toro (La forma del agua) no se entiende sin su final, del mismo modo que este final no tendría la fuerza dramática y emocional que tiene sin el desarrollo que el director realiza de esta historia basada en la novela de William Lindsay Gresham.

El callejón de las almas perdidas es un viaje a todos los niveles. Y Del Toro aprovecha esa idea para realizar una radiografía de las miserias del ser humano, que no por casualidad se muestran más en la segunda mitad del film que en sus inicios en la feria ambulante. En cierto modo, el director y coguionista de la cinta compone un relato espejo, en el que la primera parte sirve para establecer todos los hitos dramáticos y la parte final revierte todo lo planteado en el personaje, arrastrándole a una espiral de autodestrucción que permite aflorar el monstruo interior que lleva dentro. En su viaje, el personaje interpretado por Bradley Cooper (Ha nacido una estrella) pasa por todas las fases posibles, desde el éxito hasta la caída en desgracia para ofrecer al espectador una moraleja que obliga a reflexionar sobre la ambición, la pérdida de la perspectiva, la adicción o la confianza.

En realidad, el mensaje de la película tiene mucho de actual, lo que no deja de ser un aliciente más para disfrutar de una obra muy completa, en la que todos los elementos están pensados para adentrarse en la psicología humana, en un laberinto sociológico, humano y casi fantasmagórico que, a pesar de sus claras influencias del cine negro (sobre todo en esa espléndida fotografía de Dan Laustsen), juega con muchos más géneros que el suspense, incluido un cierto toque fantástico que aporta a la atmósfera un ambiente malsano acorde a la evolución que sufre el protagonista. Mención aparte merece un reparto extraordinario que saca el máximo provecho de su tiempo en pantalla, incluso cuando son solo unos minutos, elevando el tono dramático del conjunto.

Posiblemente uno de los problemas que presenta El callejón de las almas perdidas es que demora demasiado el inicio de la trama. Sus primeros minutos, en los que el protagonista apenas dice una palabra, están marcados por una indefinición. El espectador no logra identificarse con un personaje que, a todas luces, huye de algo, aunque sin conocer sus motivaciones hasta bien iniciada la cinta. Y esto es algo que se arrastra durante buena parte del metraje, que desde luego va de menos a más hasta una conclusión espléndida que da un giro de 180 grados a todo lo que hemos visto en pantalla, obligándonos a reflexionar sobre la condición del ser humano y sobre la sociedad que se muestra en la historia (y sobre la nuestra propia, ya de paso).

Nota: 7/10

Del Toro visita ‘El callejón de las almas perdidas’

Como suele ocurrir por estas fechas, la cartelera española se llena de títulos que, en mayor o menor medida, tienen aire de premios. Muchos, evidentemente, no llegarán ni siquiera a estar nominados, pero los nombres que participan en ellos dan buena cuenta del nivel dramático y artístico que suelen tener. Este viernes, 21 de enero, no es una excepción, invitando a los espectadores a disfrutar del drama, la acción o el thriller.

Y precisamente arrancamos el repaso con este último género. El callejón de las almas perdidas es el título de lo último de Guillermo del Toro (La forma del agua), quien adapta la novela homónima de William Lindsay Gresham, cuya trama tiene como protagonista a un joven y ambicioso feriante que tiene un talento natural para manipular a la gente con pocas palabras bien elegidas. Su ambición le llevará a unirse a una psicóloga quedes más peligrosa que él. Cine negro y drama son los ingredientes de esta coproducción entre Estados Unidos y México protagonizada por Bradley Cooper (Mula), Cate Blanchett (Dónde estás, Bernadette), Toni Collette (Puñales por la espalda), Willem Dafoe (Spider-Man: Sin camino a casa), Richard Jenkins (Kong: La isla Calavera), Rooney Mara (María Magdalena), Ron Perlman (Monster Hunter) y David Strathairn (Nomadland), entre muchos otros.

De una novela a una historia real. El método Williams aborda en clave dramática la infancia y juventud de Venus y Serena Williams, dos de las más grandes tenistas de todos los tiempos que fueron entrenadas por su padre, quien las convirtió en dos iconos del deporte con perseverancia y la fe en el poder de la familia. Dirigida por Reinaldo Marcus Green (Good Joe Bell), esta cinta estadounidense cuenta con un reparto encabezado por Will Smith (Bad Boys for life), Saniyya Sidney (Fences), Demi Singleton (serie El padrino del Harlem), Aunjanue Ellis (Miss Virginia), Jon Bernthal (Le Mans ’66), Tony Goldwyn (El mejor regalo) y Dylan McDermott (serie Hollywood).

China y Estados Unidos colaboran en Agentes 355, thriller de acción que dirige Simon Kinberg (X-Men: Fénix Oscura) y que está protagonizado por cinco mujeres. Concretamente, cinco agentes especiales de diferentes organizaciones de seguridad e inteligencia de todo el mundo que se unirán en una misión letal y peligrosa para recuperar un arma ultrasecreta que está en manos de unos peligrosos mercenarios. Juntas deberán superar sus conflictos personales, adoptando el nombre que recibió la primera mujer espía en la Revolución Americana. Jessica Chastain (It: Capítulo 2), Diane Kruger (Bienvenidos a Marwen), Lupita Nyong’o (Nosotros), Penélope Cruz (Madres paralelas) y Bingbing Fan (Combate en el cielo) forman el grupo protagonista, sumándose al reparto Edgar Ramírez (Jungle Cruise), Sebastian Stan (El diablo a todas horas) y Jason Wong (The Gentlemen: Los señores de la mafia).

Entre los estrenos europeos destaca One shot (Misión de rescate), cinta británica a medio camino entre el thriller y el cine de acción que arranca cuando un equipo militar recibe el encargo de sacar a un importante sospechoso de terrorismo de una base secreta de la CIA, operación en la que también participa un joven analista de la agencia de inteligencia. Pero cuando un grupo de insurgentes armados ataquen la cárcel durante el traslado, el equipo hará todo lo posible para mantenerle con vida al creer que posee información sobre un atentado en Washington D.C. James Nunn (Eliminators) es autor de esta idea que él mismo dirige, y que está interpretada por Scott Adkins (Atrapado), Ashley Greene (El escándalo), Ryan Phillippe (Hermanos de sangre), Emmanuel Imani (Invisible men), Dino Kelly (La gran mentira) y Waleed Elgadi (Mosul).

Con algo de retraso llega el drama franco belga El caso de Villa Caprice, producción de 2020 que dirige Bernard Stora (Un dérangement considérable) cuya trama gira en torno a un famoso abogado cuya vida se ve trastocada cuando acepta como cliente a uno de los empresarios más poderosos de Francia acusado de comprar una propiedad en circunstancias sospechosas. Poco a poco, estos dos aliados empezarán a convertirse en enemigos. Delante de las cámaras encontramos a Niels Arestrup (Nos vemos allá arriba), Patrick Bruel (Lo mejor está por llegar), Irène Jacob (Dark), Claude Perron (Clara y Claire), Michel Bouquet (Renoir) y Paul Hamy (Tan cerca, tan lejos).

La cinta más internacional de la semana es Noche de fuego, drama que cuenta con capital mexicano, alemán, brasileño, argentino, suizo y estadounidense. Basada en la novela de Jennifer Clement, la historia transcurre en un pueblo solitario de la sierra mexicana donde las niñas llevan cortes de pelo masculino y se guarecen en escondrijos subterráneos. Tres de ellas, sin embargo, aprovechan cuando nadie las ve para instalarse en las casas de los que han huido y vestirse como mujeres. Un día, una de ellas no logra llegar a tiempo. Esta adaptación está escrita y dirigida por Tatiana Huezo, quien de este modo debuta en el largometraje de ficción. En pantalla encontramos, entre otros, a Mayra Batalla (Cindy la regia), Memo Villegas (Guadalupe Reyes), Norma Pablo (La diosa del asfalto), Olivia Lagunas (serie La casa de las flores) y Alejandra Camacho (Línea de sangre).

En cuanto a animación, La estrella de los simios adapta el libro de Frida Nilsson cuyo argumento tiene como protagonista a una niña de 8 años que ha pasado toda su vida en un orfanato. Su vida cambia cuando una gorila la elige para vivir con ella y rápidamente descubren que tienen más cosas en común de lo que pensaban. Lo único que pondrá en peligro su nueva vida será un representante del gobierno municipal que amenaza con devolver a la niña al orfanato. Producida entre Suecia, Noruega y Dinamarca, esta cinta familiar de 2021 está dirigida por Linda Hambäck (Gordon y Paddy) y cuenta con las voces de Rebecca Gerstmann, Pernilla August (Kursk), Melinda Kinnaman (Hus i helvete) y Stellan Skarsgård (Hope).

Terminamos con el documental Mi adorado Monster, cinta española de 2021 que aborda la historia de Arturo Bobadilla, un creador que entregó toda su pasión al cine de terror, y aunque el éxito y la fama lo han eludido, sigue soñando y luchando por este género. Víctor Matellano (Parada en el infierno) es su director.

‘Spider-Man: Sin camino a casa’: Los cinco siniestros

La historia de Spider-man es una historia de redención. De lucha constante contra sentimientos tan humanos como el rencor, el odio o el egoísmo para tratar de ser mejor persona, sacrificando el beneficio personal por un bien mayor. Sí, luego está todo lo de pegarse a las paredes, la tela de araña y un llamativo traje rojo y azul. Pero lo que subyace es algo mucho más profundo. La saga arácnida protagonizada por Tom Holland (Cherry) había perdido, al menos en parte, ese encanto, centrándose más en su propio conflicto superheroico. Y hete aquí que la última parte de la trilogía ha llegado para enderezar el rumbo. Y menuda forma tan brillante de hacerlo.

Porque Spider-Man: Sin camino a casa es todo lo que una película del trepamuros debe ser. Visualmente apabullante, su guion va claramente de menos a más, comenzando de un modo algo burdo para introducirse (e introducirnos) en un multiverso cada vez más oscuro, más complejo y más peligroso. A medida que aparecen más villanos el relato profundiza en las diferentes capas dramáticas de un personaje que, hasta ahora, había sido tratado de un modo algo más infantil. Ya al final de Spider-Man: Lejos de casa (2019) se intuía una mayor madurez, pero lo que logra esta tercera parte es simplemente indescriptible. Sin hacer spoilers, se puede decir que la película logra algo casi inaudito: conciliar décadas de cine arácnido en dos horas y media que no solo no se hacen largas, sino que posiblemente sean hasta cortas para los verdaderos fans del amistoso vecino.

Una de las teorías de la narrativa cinematográfica apunta que un buen villano hace grande y memorable una película. Pues bien, si algo deja claro esta cinta es que la trilogía de Sam Raimi (Posesión infernal), con sus luces y sus sombras, dejó a los dos mejores villanos de la historia de Spider-Man. Su regreso a la pantalla grande, de nuevo con los dos extraordinarios actores que les dieron vida, eleva la película a un nivel superlativo, permitiendo a Jon Watts (Coche policial) recuperar, incluso, parte del lenguaje cinematográfico de Raimi en aquellas primeras películas. Lo que logran Alfred Molina (Spider-Man 2) y Willem Dafoe (Spider-Man), sobre todo este último, no solo es recuperar unos grandes personajes, sino aportar un grado de oscuridad nunca antes visto en esta saga, así como una gravedad y una profundidad narrativa que recupera viejas ideas algo diluidas en el personaje que ha interpretado Holland en estos años.

Muchos pensarán que Spider-Man: Sin camino a casa es «una más» de superhéroes. Y sí, es una más de superhéroes. Pero puede que sea «la más» de un superhéroe. La película no es solo el final de una trilogía. Es el final de diferentes universos cinematográficos, de diferentes sagas. Y es el comienzo de todo un multiverso que está por llegar. Dejando a un lado los cameos y las apariciones estelares, la película de Watts reconcilia a los fans con todas y cada una de las películas de Spider-Man (algunas escenas parecen escritas únicamente para eso), mostrando el lado más oscuro del héroe, su debate interno y, sobre todo, su sacrificio, ese que tan bien define a un personaje que podría usar su poder para tenerlo todo pero que opta por destruir su felicidad para salvar aquellos a los que ama. No se podría haber pedido más… o tal vez sí, pero eso ya queda a gusto de cada uno. Lo que está claro es que estamos ante una película épica, entretenida (tal vez demasiado infantil en algunos momentos), que crece dramática y visualmente a cada minuto que pasa a pesar de algunos vacíos en su narrativa y, sobre todo, puede verse tanto si se conoce la historia de este personaje en el cine como si no (por supuesto, mejor conocerla).

PD: Hay que quedarse hasta el final de los títulos de crédito.

Nota: 8,5/10

‘La Crónica Francesa’: periodismo, esa hermosa profesión

Que Wes Anderson (Moonrise Kingdom) es uno de los directores más queridos, al menos por los actores, lo demuestra el hecho de que con cada película la lista de intérpretes más o menos conocidos crece. No solo eso, sino que muchos aceptan papeles pequeños, casi anecdóticos, solo por participar en una de sus películas. Y la que ahora nos ocupa, la décima de su carrera, no es una excepción. Eso sí, la obra, como película y como narrativa audiovisual, puede resultar algo… confusa.

En realidad, La Crónica Francesa es una oda al periodismo desde el punto de vista colorido, irónico y ácido tan propio de Anderson, que narra, a través de varias historias, qué se esconde detrás de los últimos artículos de esa revista que da nombre a la película. Historias todas ellas que, con saltos al pasado y al presente, ofrecen al espectador una imagen romántica de la escritura periodística. Todo ello, claro está, con el toque de humor característico y esos escenarios tan irreales y, a la vez, tan únicos. Con todos estos personajes, periodistas y protagonistas de las historias que escriben, el director construye un relato poco lineal que parece mostrar, ante todo, el caos que se esconde tras el orden que sí aporta la publicación escrita. Y lo hace con su particular lenguaje audiovisual, cargado de diferentes estilos narrativos y formatos, desde el blanco y negro hasta la animación, pasando por un uso muy particular de los subtítulos y, cómo no, ese único uso del color que ha construido ese Universo Anderson.

Eso sí, aquellos que quedaron fascinados con El gran hotel Budapest (2014) no van a encontrar en su nueva película en imagen real una obra tan completa. Los amantes del cine del director, desde luego, disfrutarán del film, pero la cinta posee muchos altibajos en su ritmo narrativo. Posiblemente el hecho de narrar diferentes historias, con personajes tan dispares y sin relación entre sí, sin un protagonista claro con el que identificarse, impide al espectador sumergirse en el mundo fílmico como sí lo hace en otras obras del director. Además, el guion, a pesar de la originalidad que presenta y del dinamismo que imprime el director, no logra que todas las historias tengan el mismo interés, provocando altibajos en un relato que debería haber sido más uniforme. Es el riesgo que suelen tener este tipo de obras, aunque eso no implica que no sean recomendables.

Y desde luego, La Crónica Francesa es muy recomendable. Como cualquier película de Wes Anderson, estamos ante una obra diferente, fresca, con una mirada ácida y crítica del mundo que nos rodea. Momentos como la presentación de unas obras de arte en un manicomio, la confrontación entre estudiantes y policía a través de una partida de ajedrez o toda esa historia policíaca para hablar sobre un cocinero son sencillamente brillantes en su concepción y en su ejecución. Y todos ellos, como decía al comienzo, cuentan con un plantel de actores tan extenso que se convierte casi en un juego para identificarlos, sobre todo a aquellos que aparecen apenas unos segundos.

Nota: 7/10