1ª T. de ‘American Gods’, el viaje del héroe en la guerra de los dioses


Puede que para muchos el nombre de Neil Gaiman no tenga especial interés, pero el autor británico no solo es uno de los creadores de fantasía más interesantes de las últimas décadas, sino que su interpretación de los mitos y los dioses clásicos invita a una reflexión sobre el mundo, el ser humano y la sociedad que muy pocos escritores consiguen. Y eso es precisamente lo que se esconde tras la primera temporada de American Gods, adaptación en formato de serie de una de sus novelas más conocidas. Recién estrenada la segunda etapa, es obligado revisar algunos de los pilares narrativos de los primeros ocho episodios de la ficción creada por Bryan Fuller (serie Hannibal) y Michael Green (guionista de Blade Runner 2049).

Para aquellos que no conozcan su argumento, la historia arranca cuando un hombre sale de prisión. Ese mismo día se entera que su novia y su mejor amigo han muerto en un accidente de tráfico que apunta a que estaban teniendo una aventura. El expresidiario conoce además a un misterioso hombre que responde al nombre de Sr. Miércoles, quien le contrata para iniciar un viaje que le llevará a ser protagonista en una guerra en la que los antiguos y los nuevos dioses y mitos luchan por el favor y el control de los hombres. Visto así la serie podría entenderse como una propuesta de ciencia ficción al estilo más clásico, pero nada más lejos de la realidad. De hecho, Fuller y Green realizan un planteamiento completamente diferente, optando más por el drama y la intriga y, sobre todo, por un desarrollo de personajes muy arriesgado en los tiempos que corren.

Porque al igual que los antiguos dioses de American Gods, esta primera temporada recurre a algo que ya no suele verse, y es dedicar toda una temporada, episodio tras episodio, a desarrollar los orígenes, motivaciones y posicionamiento de cada uno de los personajes secundarios que aparecen en la historia. De este modo, esta etapa se convierte más en un escaparate de seres míticos, de dioses en la tierra que pasan desapercibidos entre nosotros pero a los que se les rinde, o se les ha rendido alguna vez, culto de un modo u otro. Y es algo completamente gratificante. Como ocurre con los nuevos dioses (los nuevos media, los media, la tecnología, …), el actual ritmo de la sociedad parece impedir una cierta pausa y reflexión, y que una serie de estas características sea capaz de desafiar esto para presentar algo más pausado y tradicional es, a la vez que admirable, una suerte de vínculo metalingüístico entre realidad y ficción que hace aún más compleja la serie.

Para muchos tal vez esta estructura narrativa de esta primera etapa sea algo negativo para la propia ficción, y hasta cierto punto es cierto, pues centrar la atención en los personajes secundarios muchas veces distrae del objetivo principal, e incluso impide un seguimiento natural de la trama. Sin embargo, enriquece notablemente el universo en el que se desarrolla la acción, y teniendo en cuenta la complejidad que se antoja va a tener el argumento, resulta gratificante poder conocer las motivaciones y la posición de cada uno de los roles. Esto permite, además, una reinterpretación de muchos seres mitológicos y divinos de diferentes culturas y épocas de la civilización, una seña de identidad de Gaiman que los creadores de esta ficción televisiva logran captar a la perfección.

Composición de las tramas

Todo ello genera, por otro lado, algo muy interesante para cualquier profesional y aficionado a las complejas historias, y es la construcción de un “árbol” de tramas en el que cada arco argumental secundario es una rama que se une al resto en un tronco central que no es otro que la guerra que se avecina. Vista así, esta primera temporada de American Gods se convierte en un interesante compendio de detalles y líneas dramáticas que se entrelazan, se nutren y modifican unas a otras, y sobre todo se hacen crecer entre ellas. El viaje de los dos protagonistas permite al espectador asomarse a una visión de las creencias religiosas antiguas (y modernas, aunque en menor medida) tan particular como acertada, pero ante todo le permite descubrir los vínculos de esas antiguas deidades, de su devenir durante siglos en una tierra en la que la fe parece haber desaparecido. A través del Sr. Miércoles, rol magistralmente interpretado por Ian McShane (John Wick: Pacto de sangre), se va desenmarañando una intrincada madeja de viejos rencores, de encuentros pasados y de traiciones presentes.

Aunque la parte dramática no sería nada sin un apartado visual espléndido que no solo saca el máximo provecho a la historia en sí, sino que capta la esencia estética de la obra de Gaiman. A medio camino entre la belleza y la visceralidad, la complejidad dramática de los personajes se nutre con una puesta en escena única que oscila entre la road movie y el viaje del héroe para encontrar su sentido en el mundo. Asimismo, la serie aprovecha para presentar los ambientes en los que se mueven los secundarios, cada uno de ellos definiéndoles de una forma muy precisa que contribuye, además, a esa reinterpretación de los mitos que realiza Gaiman. Todo ello, fondo y forma, crea una obra diferente, no apta para todos los públicos y capaz de poner a prueba la paciencia de muchos espectadores. Pero no hay atajos para poder afrontar la complejidad de una historia de estas características, y al igual que ocurre con otras series de dimensiones tan grandes, la paciencia al final tiene su recompensa.

Esta primera temporada nos deja, por tanto, el viaje iniciativo de un héroe que se adentra en un mundo de dioses, mitos y seres mágicos. Un mundo que convive con el nuestro a plena vista y que, sin embargo, el común de los mortales es incapaz de ver. Bajo este prisma, esta ficción se convierte en una versión moderna de clásicas historias, lo que aporta al conjunto un sentido mucho mayor, engrandeciendo su propia esencia y trascendiendo sus propias limitaciones televisivas para revelarse como una historia atemporal, única y brillante. Serían necesarias muchas entradas en este rincón de Internet para analizar todos y cada uno de los matices que representan a los dioses, así como cada interpretación que de sus mitos se realiza. Baste decir que, por ejemplo, los personajes de Anubis e Ibis son sencillamente perfectos, cada uno convertido en una versión moderna de su función en el Antiguo Egipto, balanza del juicio de Osiris incluida.

Lo que representa este comienzo de American Gods es el punto de partida de un complejo juego en el que los intereses y los conflictos se contraponen unos con otros. La belleza formal de su propuesta, la profundidad de sus personajes y de sus arcos dramáticos, y el toque de humor característico de Gaiman (la escena con todos los Jesús provocados por las ramificaciones de la religión católica es tan hilarante como cierta) componen ocho episodios no solo recomendables, sino sumamente interesantes para todo aquel aficionado a la historia, a los mitos clásicos y, sobre todo, al contraste que generan con una sociedad de consumo como la actual. Fuller y Green componen una sinfonía en la que cada paso del viaje, cada dios o ser mitológico que aparece, queda representado por una nota característica que enriquece el conjunto hasta dotarlo de una vida única, propia y diferente a lo visto habitualmente en televisión.

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‘Mula’: arrollado por el avance de la tecnología


La nueva película de Clint Eastwood (Sully) como actor y director tiene muchas capas de interpretación, como suele ocurrir con buena parte de los films de este maestro del séptimo arte. Una película con un interesante mensaje, complejo y fraguado a fuego lento durante las casi dos horas de metraje que, sin embargo, se pierde en muchos momentos por unas tramas secundarias un tanto irregulares.

La premisa base de Mula es sencillamente perfecta. Un hombre arrollado por el avance tecnológico que ha perdido a su familia por su obsesión por un trabajo que ahora le traiciona. A partir de esta idea Eastwood compone un relato adusto, trágico en algunos momentos y cómico en muchos otros, pero siempre en los márgenes de un drama cuyo final, si no se conoce de antemano, se intuye al comienzo del segundo acto. El director y actor crea un personaje que no es de esta generación, mucho menos de este mundo tecnológicamente avanzado y políticamente correcto. Habrá quien ponga etiquetas políticas al rol de Eastwood, más si tenemos en cuenta la ideología del director, pero nada más lejos de la realidad. Es, sencilla y llanamente, un hombre anclado en una época de éxito que ha sido incapaz de adaptarse a un mundo cambiante, pero que termina por recibirlo con los brazos abiertos.

La mejor prueba de ello es cómo comienza a transportar la droga: por una necesidad económica y, al menos al principio, “engañado” por todo un cártel al que, sin embargo, termina ganándose. En líneas generales, la trama principal es lo suficientemente sólida como para aguantar por sí misma el peso de todo el film, si bien es cierto que en no pocos momentos el relato se vuelve un poco tedioso y repetitivo (como de hecho debió de ser en muchas ocasiones el caso real en el que se basa). El problema, y no es menor, son los secundarios, o mejor dicho las tramas secundarias. Porque mientras que todo el reparto está en plena forma ofreciendo un paisaje muy atractivo, las historias que protagonizan son demasiado endebles, sobre todo las relativas a la investigación de la DEA. Su falta de interés termina por restar a la historia principal, y con ello aburrir en algunos momentos al espectador.

Pero a pesar de todo, Mula es una película diferente, anclada en otro tiempo tanto dramática como visualmente. La mano firme de Eastwood compone un relato que ya no suele verse en el cine. En este sentido, el mensaje del avance imparable de la tecnología trasciende la propia trama para dar el salto a nuestro entorno en un ejercicio metalingüístico que se ve poco últimamente. Es cierto que las tramas secundarias son algo irregulares, y que hay tramos del film sin demasiado ritmo. Pero es una obra a descubrir en el mundo de los efectos especiales y la espectacularidad visual. El intimismo con el que narra, la sensibilidad y la ironía, son elementos todos ellos que hacen diferente esta historia. Al menos un poco diferente.

Nota: 7/10

‘Silicon Valley’ continúa su evolución manteniendo el humor en su 5ª T.


Es muy difícil encontrar una sitcom capaz de evolucionar. No me refiero a la progresión normal de una trama como la de cualquier serie cómica de estas características, sino a verdaderos cambios en su concepción. Y Silicon Valley lo ha conseguido. Han sido necesarias cuatro temporadas para poder ver, en esta quinta, cómo el grupo de protagonistas, a los que todo parece salirles mal, finalmente toman las riendas de sus vidas y empiezan a cambiar las cosas. Lo mejor de todo es que, a pesar de este cambio tan sustancial en el trasfondo dramático y cómico de la historia, la serie creada por John Altschuler (serie Lopez), Mike Judge (serie El rey de la colina) y Dave Krinsky (serie The Goode family) sigue funcionando a la perfección, en algunos momentos brillando incluso más que en etapas anteriores.

Y el secreto no es otro que la medida de los tiempos narrativos y dramáticos del conjunto de la serie. La ficción podría haber intentado seguir como hasta ahora, pero eso habría limitado su recorrido argumental y, sobre todo, haría caer el interés por el devenir de sus personajes. El hecho de enfrentarlos a sus miedos, sobre todo al papel interpretado magistralmente por Thomas Middleditch (Entanglement), les permite cambiar su forma de ver el mundo de los negocios, creciendo como empresa y adquiriendo complejidad como roles, aunque siempre dentro de unos parámetros perfectamente definidos. Es cierto que esto rompe con una dinámica que funcionaba bien hasta ahora (por muy buenos que eran, siempre terminaban siendo timados, denunciados o en situación difícil), pero crea otra igualmente divertida: la de un grupo de jóvenes empresarios en un mundo de tiburones tecnológicos. Habrá quienes esto lo puedan ver como una traición al espíritu original de la serie. Personalmente creo que es la decisión más realista que podría haberse tomado, y en el mejor momento para dotar de un nuevo impulso a esta ficción.

En cierto modo, se puede decir que los personajes han madurado, aunque no lo suficiente como para dejar de tener ese cierto aire derrotista y en ciertos aspectos infantil. Y en ese delicado equilibrio es donde Silicon Valley ha encontrado su nuevo nicho de humor, al menos para estos 8 episodios. Los momentos de auténtica estrategia empresarial se combinan con acierto con el carácter apocado del rol de Middleditch, con la rivalidad infantil del papel al que da vida Kumail Nanjiani (Pelea de profes) o con esa parodia de los magnates de las nuevas tecnologías que interpreta Matt Ross (Las últimas vacaciones), quien por cierto cada vez se entrega más al absurdo con una inteligencia espléndida. Todos ellos, con sus egos y sus fobias, aportan al conjunto cierta sensación de continuidad solo para hacer más sencillo y más natural el proceso de cambio.

La consecuencia más evidente de esto, por supuesto, es que la historia avanza hacia una nuevo nivel, hacia una guerra empresarial en toda regla que ya no es entre un joven con una idea y un emporio de las nuevas tecnologías, sino entre dos iguales por lograr un producto totalmente novedoso. Pero además de esto, el desarrollo dramático de esta quinta temporada deja otras ideas. Es importante señalar que a pesar de ese avance se siguen manteniendo ciertos elementos positivos de la dinámica entre personajes, lo que permite ahondar en las relaciones de los protagonistas y, por extensión, en las líneas que definen sus personalidades. Eso no impide, por supuesto, que en algunos episodios pueda perderse cierta esencia de lo visto hasta ahora, pero es una consecuencia lógica del proceso de cambio.

Mundo tecnológico

Aunque lo más interesante que deja Silicon Valley en esta temporada es el modo en que amplía su universo. Hasta ahora los implicados en la trama, salvo ocasiones puntuales, eran el grupo protagonista y el villano de turno, amén de secundarios más o menos importantes. En estos 8 episodios el abanico se abre ostensiblemente hacia nuevas empresas y nuevos personajes que, lejos de hacer perder peso a la historia principal, la enriquecen notablemente. Más allá del papel que juegan los nuevos empleados de la empresa, lo realmente importante son esos líderes de empresas tecnológicas que, cada uno en su parcela, reflejan un amplio espectro no solo de elementos digitales e informáticos, sino sobre todo de la estructura social y la moralidad estadounidense.

Especialmente ácido es el episodio en el que un posible socio de los protagonistas se ve en una difícil situación no por revelarse que es homosexual, sino por saberse públicamente que es cristiano. El modo en que se aborda esta temática a lo largo del capítulo no solo es ejemplar, sino que invita a reflexionar sobre los diferentes estándares de la tolerancia en Estados Unidos y en el resto de sociedades, poniendo en evidencia que lo que para unos es algo que debería mantenerse en secreto para otros es algo irrelevante, y viceversa. Esto, unido a otras tramas secundarias como las copias chinas de patentes norteamericanas, sitúan de nuevo a esta serie entre las más críticas con el mundo que retrata. Y todo ello modificando su trasfondo dramático y permitiendo a los personajes y a la historia evolucionar. Ese es el secreto de que se mantenga en forma y no pierda el dinamismo ni el humor que la caracterizan.

Al comienzo decía que el final de esta quinta temporada es lo que marca un punto de inflexión. Si durante todo el arco argumental de esta etapa se ha visto cómo los personajes evolucionaban, el clímax vendría a ser la consecuencia de dicha evolución. Dicho de otro modo, los protagonistas afrontan los retos y, esta vez sí, ganan sin ningún tipo de contraprestación aparente. Finalmente todo parece salirles completamente bien, sin un ‘pero’ que vuelva a poner de manifiesto que estamos ante un grupo marcado por la fatalidad. La duda que se plantea ahora es si la próxima temporada mantendrá la senda iniciada ahora o seguirá jugando con situaciones dulces y amargas. Sin duda esta segunda opción sería la más acertada, pero si algo han demostrado ya sus creadores es que pueden cambiar sustancialmente la ficción sin que se vea afectada.

Por el momento, lo que queda patente es que estamos ante un cambio, una evolución. Desde luego, Silicon Valley continuará desgranando las virtudes y miserias de Internet, la tecnología y todo el negocio que se ha generado a su alrededor. Pero no es lo mismo situar en ese escenario a un grupo de ilusionados jóvenes que sufren un golpe tras otro que a unos empresarios incipientes que saben lo que quieren y buscan crear un nuevo mercado. Puede parecer menor pero el concepto cambia sustancialmente el trasfondo dramático. Y la genialidad de sus creadores es que han sido capaces de realizar este proceso sin perder la esencia del producto, fruto sin duda de una espléndida definición de personajes. Seguimos estando ante una de las sticom más frescas, diferentes y divertidas de la televisión.

4ª T. de ‘Silicon Valley’, competitivos hasta las últimas consecuencias


Para considerar como exitosa a una ficción como Silicon Valley, a estas alturas la serie debería haberse convertido en un fenómeno que, sea por el motivo que sea, no es. Sin embargo, eso no quiere decir que esta producción creada por John Altschuler (serie The good family), Mike Judge (serie El rey de la colina) y Dave Krinsky (serie Lopez) no sea una de las más frescas, desenfadadas y dinámicas de la parrilla actual. Y lo es porque, tomando como punto de partida el mundo tecnológico, analiza en realidad las relaciones y los comportamientos humanos y sociales que pueden encontrarse en cualquier otro ámbito de la sociedad, lo que infiere al resultado final una visión mucho más extensa y compleja de lo que aparentemente puede parecer. Y su cuarta temporada ahonda más si cabe en esta complejidad.

Y es que bajo la apariencia de comedia gamberra estos 10 episodios exploran ideas como la lucha por el poder dentro de una empresa, la consecución del éxito a cualquier precio o la traición de la amistad en los negocios. Lo hace, por supuesto, con los extremos personajes que protagonizan esta historia, pero incluso así es fácil apreciar situaciones, diálogos e incluso actitudes fácilmente identificables con algún momento de la vida real. Lo interesante, lo que hace de esta serie algo diferente, es precisamente el contraste que generan los personajes y las peculiaridades que les convierten en únicos.

No cabe duda de que el protagonista interpretado por Thomas Middleditch (Joshy) es la joya de la corona. Sobre sus hombros recae todo el peso narrativo (y casi todo el peso cómico) de Silicon Valley. Y en esta cuarta temporada no lo es menos. El viaje al éxito de este personaje choca de lleno con su personalidad, y eso genera algunas de las situaciones más surrealistas no solo de la temporada, sino de toda la serie. Pero como decía antes, también es el origen de los conflictos que dotan a esta ficción de algo más que las clásicas comedias de situación. En esta ocasión, la aparente falta de escrúpulos, las traiciones a los que son sus amigos o la obsesión por lograr su objetivo contrastan con su personalidad inocente, por momentos tímida, que siempre le han catalogado como el clásico pardillo.

Aunque los mejores elementos que definen a la serie, al menos en lo que a construcción dramática se refiere, son sus secundarios. Con entidad propia, los personajes que se mueven en la órbita del protagonista son capaces de desarrollar sus propias historias más allá de la trama principal. No mucho, porque al fin y al cabo es una comedia de poca duración, pero sí lo suficiente como para crear un mundo casi único en la serie. En algunos casos han llegado a tener más relevancia en esta temporada que el propio protagonista, una estrategia que ha permitido liberar ligeramente el arco argumental principal y nutrirlo con historias y personajes que sirven de apoyo a momentos puntuales de la acción. Y aunque parezca contradictorio, este es precisamente uno de los problemas que empieza a arrastrar la serie.

Regreso al ostracismo

En efecto, Silicon Valley está adquiriendo una dimensión que, para empezar, tiene difícil ajuste en una sitcom de corta duración como es el formato actual. Las historias de los protagonistas que dan pie a las situaciones más hilarantes del arco argumental se empiezan a sumar a tramas secundarias que apenas tienen importancia en el argumentario principal. La suma de todo ello está impidiendo que las decisiones de los protagonistas y algunas de las situaciones se basen en un correcto desarrollo, supeditando todo a una serie de momentos en los que, cada vez más, se deben introducir todo tipo de elementos para tratar de hacer avanzar todas las tramas creadas.

Lo bueno es que esta cuarta temporada ha sabido aprovechar eso en un desarrollo todavía más histriónica y surrealista de lo visto hasta ahora. El caos que parece generar la suma de tramas deriva en un caos en los propios personajes, llevando al límite de la moral, e incluso físico, al protagonista y sus compañeros. En cierto modo, una vuelta al ostracismo inicial de unos personajes que, a pesar de la experiencia obtenida en estos años de serie, siguen mostrando un cierto aire pardillo e inocente en muchos aspectos, lo que les obliga a luchar contra su propia ineptitud y sus propios demonios. El mejor ejemplo de esto es el final de esta etapa, con ese camión vacío al haber dejado un reguero de piezas, cables y material informático, amén de un nuevo enfrentamiento que parece avecinarse entre los dos antagonistas principales de la serie.

Lo malo, por poner una nota negativa al conjunto, es que si se siguen sumando más tramas sin dar solución a las ya iniciadas la serie no va a ser capaz de comprimir en los pocos y cortos episodios que dura cada temporada toda la complejidad dramática que se está construyendo. Es necesario, por tanto, ir solucionando algunas historias (como de hecho ya se ha hecho en algunos casos en esta etapa) para poder hacer que la serie avance, que los protagonistas logren finalmente el objetivo marcado en la primera temporada y que, en cierto modo, ha cambiado ya, al menos en su forma, que no en su fondo. De esta evolución depende, por tanto, no solo el carácter hilarante y divertido de la serie, sino su capacidad dinámica y su frescura, así como el correcto desarrollo de los personajes y, en el fondo, que el toque alocado y algo surrealista del conjunto no acabe por engullir a la calidad narrativa y dramática que tiene.

Por lo pronto, la cuarta temporada de Silicon Valley ha sabido aprovechar el caos que generan tantas tramas para situar a unos extraordinarios personajes en una situación extraordinaria, al menos para ellos. Y eso ha llevado a la historia a un nuevo nivel de histrionismo y de surrealismo, enfrentado a los protagonistas con sus propios miedos, sus propias limitaciones y sus propias fronteras morales. Resulta interesante comprobar cómo estas situaciones hacen crecer la trama, convirtiéndola en un producto más maduro y al mismo tiempo afrontando el riesgo de transformarse en algo que deje de ser la magnífica serie que es. Estos 10 episodios son para disfrutar de esa transformación; los peligros deberán afrontarse en la próxima etapa.

‘Perfectos desconocidos’: el eclipse telefónico de la verdad


Qué puede haber de malo en que un grupo de amigos que se conoce desde hace muchos años compartan sus llamadas y mensajes durante una cena? Pues a tenor de lo visto en la nueva película de Álex de la Iglesia (Los crímenes de Oxford), mucho. Y es que esta comedia negra, adaptación de la película italiana homónima de 2016, es un compendio de giros argumentales, algunos más previsibles que otros, dinámico y, sobre todo, autodestructivo.

Autodestructivo para los personajes, que no para la historia. Es más, la estructura argumental de Perfectos desconocidos, a modo de obra teatral, apenas tiene irregularidades en su ritmo narrativo, aprovechando las posibilidades que ofrecen siete personajes y sus respectivos secretos a lo largo de dos horas. Con inteligencia, el guión salta de uno a otro con frescura y naturalidad, teniendo como epicentro del drama tragicómico la tecnología y la fantasía que rodea un eclipse de luna como el que sirve de excusa para algunos de los momentos más hilarantes y surrealistas de la trama. Al buen tono del film contribuyen, en este caso más que nunca, un plantel de actores espléndido. Por supuesto, habrá quien prefiera a uno u a otro, pero en líneas generales la interpretación y el partido que saca de la misma De la Iglesia es sencillamente brillante.

Con todo, habrá quien piense que esta no es una historia de Álex de la Iglesia, y en cierto modo tiene razón. La historia a priori parece alejada de los cánones excesivos a los que nos tiene acostumbrados el director, pero eso es solo a priori. La realidad es que el desarrollo de la trama, incluyendo un final de corte fantástico con varias interpretaciones, es histriónico, con personajes al borde de sus posibilidades y con una realidad inicial destruida por la locura de unos roles con miedo a perder lo que tienen y a afrontar las consecuencias de sus actos, con los que por cierto provocan la concatenación de revelaciones que se ve en pantalla. Con todo, la trama peca a veces de demasiado teatral, con alegatos algo forzados a favor o en contra de un determinado tema, o con largos diálogos para tratar de desgranar la personalidad de los personajes.

Pero es un problema menor. La realidad es que Álex de la Iglesia utiliza un lenguaje visual dinámico y fresco, acorde con el propio desarrollo de la trama y con el que saca el máximo partido no solo al trasfondo social y dramático de esta comedia, sino a un grupo de actores a la altura de las circunstancias. Una película compleja en su sencillez, con numerosas capas interpretativas que invitan a pensar no solo en los secretos de aquellos a los que, en teoría, mejor conocemos, sino en los riesgos de las nuevas tecnologías y en cómo éstas han cambiado nuestra forma de relacionarnos. Y todo ello riéndonos a carcajada limpia.

Nota: 7/10

‘Ghost in the Shell’: sobre todo, el alma de la máquina


Muchas veces tendemos a olvidar que una adaptación es eso, una adaptación. Dicho de otro modo, que no todo tiene que ser absolutamente fiel al original. Los más puristas e intransigentes tienden a olvidarlo, y eso impide muchas veces que no veamos el alma dentro de la máquina, la historia detrás del tratamiento dramático. Y con una legión de fans como la que tienen el manga de Masamune Shirow y la versión animada de 1995 de Mamoru Oshii (Avalon), es lógico que este film dirigido por Rupert Sanders (Blancanieves y la leyenda del cazador) pueda ser despedazado. Pero precisamente la película invita a eso, a ver el alma de la máquina.

Es posible que la historia haya sido adaptada a las necesidades narrativas y dramáticas de Hollywood. Y desde luego no seré yo quien defienda la labor de Sanders como director, quien a pesar de intentarlo tiende a una narrativa más bien estándar. Pero entre sus varios defectos se alza una virtud fundamental: su guión mantiene la esencia de la historia original, abordando la delicada frontera entre humanidad y robótica, entre cuerpo y alma. En medio del thriller que protagoniza la historia se pueden apreciar píldoras interesantes que reflexionan sobre lo que nos hace humanos, sobre los beneficios y los riesgos de integrar cuerpo humano y partes cibernéticas para mejorar al hombre. Y sobre todo, se reflexiona sobre el camino que sigue una sociedad constantemente comunicada en la que el flujo de datos puede llevar a hackear un cerebro en cualquier lugar.

A esto se suma, por un lado, una banda sonora excepcional, y por otro una puesta en escena que va un paso más allá del film original para acercarse más a lo que ya imaginó Ridley Scott en Blade Runner (1982). Visualmente poderosa, la cinta posee además un interesante giro dramático hacia la mitad de su ajustado metraje que cambia completamente el sentido argumental de la historia para pasar de la persecución de un criminal que mata a través de las conexiones digitales a una búsqueda del pasado y la verdad de la protagonista. Todo ello hace de esta versión en carne y hueso una obra más compleja de lo que puede entenderse a simple vista, capaz de aprovechar los momentos más simbólicos y recordados de la cinta de animación para introducirlos en una historia relativamente nueva que, eso sí, continúa reflexionando a su manera sobre los mismos temas.

Lo cierto es que este Ghost in the Shell, versión 2017, es víctima de sus propias necesidades. La visión de Hollywood (y la occidental en general) determina el modo en que se plantea y desarrolla la trama, menos simbólica y más tangible. Por fortuna, se ha logrado mantener el espíritu de la historia original. Pero más allá de sus posibles debilidades (narrativas sobre todo, y el hecho de que Takeshi Kitano se comunique con el resto de personajes en otro idioma), lo cierto es que el grueso de todos sus elementos funcionan como una máquina bien engrasada. El tratamiento visual, la música, un reparto más que notable (con especial mención a Scarlett Johansson, Pilou Asbæk y Kitano) y la filosofía que encierra su desarrollo dramático conforman una interesante fusión que confirma que cuerpo y máquina pueden convivir en armonía.

Nota: 7/10

‘Almas de metal’, un referente del presente y el futuro de la tecnología


Un fallo lleva a los androides a matar a los huéspedes de 'Westworld'El estreno de la serie Westworld ha vuelto a poner de actualidad un clásico de la ciencia ficción que, para una buena parte del público, había quedado olvidado. El estreno en 1973 de Westworld, titulada en España Almas de metal, supuso toda una revolución en muchos aspectos, y aunque su narrativa puede resultar algo confusa en algunos momentos, amén de una resolución algo tosca en determinadas ocasiones, la cinta escrita y dirigida por Michael Crichton, autor de las novelas ‘Parque Jurásico’, ‘Acoso’ o ‘Esfera’, es uno de los mejores ejemplos de la ciencia ficción que aborda los riesgos de una tecnología que apenas se controla y que se utiliza para el entretenimiento social.

Para aquellos que no conozcan la cinta original y no han visto la serie, la trama se centra en dos amigos que acuden a un parque de atracciones para ricos. El parque está dividido en tres ambientes muy diferentes: el Oeste, el Medievo y la Época Romana. En cada uno de ellos los huéspedes pueden hacer lo que quieran y vivir las aventuras que deseen interactuando con androides tan sofisticados que parecen humanos. Pero algo falla, y el centro de control pierde el poder sobre los robots, que incumplen el mandato de no herir a los visitantes, iniciándose una masacre en la que los dos amigos se verán perseguidos por un implacable vaquero.

Visualmente interesante, sobre todo para su época, posiblemente el mayor atractivo del film sea precisamente el concepto sobre el que se construye el resto de la historia. La idea de un parque exclusivo en el que la tecnología ha alcanzado tal grado de sofisticación que los técnicos apenas llegan a comprenderla sienta las bases de buena parte de la cultura fantástica posterior, incluyendo la propia Parque Jurásico (1993). La incapacidad del ser humano para poder hacer frente a lo que crea se convierte en esta cinta en un aviso de los riesgos de nuestra propia naturaleza, de nuestra seguridad mal entendida que nos impide muchas veces comprender los riesgos reales de tratar con máquinas más fuertes e inteligentes que nosotros.

A esto se suma, además, el uso por primera vez de efectos digitales en un film. Cierto es que era en 2D, con píxeles y de un modo algo tosco, pero supuso el primer paso para una tecnología que, aunque controlamos, ha terminado por invadir el mundo cinematográfico hasta límites que pocos habrían previsto en aquellos años 70. Visto así, Almas de metal habría traspasado su propia dimensión para convertirse en un reflejo de la sociedad, que por cierto cada vez introduce más las máquinas en el día a día del ser humano. Y a pesar de la narrativa, que abordamos a continuación, el final resulta tan inquietante como reflexivo. El hombre es incapaz de acabar con las máquinas por sí mismo, o al menos casi le cuesta la vida, lo que arroja un sombrío futuro para una Humanidad que debe encomendarse a que las baterías de las máquinas se acaben para tener una oportunidad.

Fondo y forma

Todo lo que convierte a Westworld en el clásico que es hoy en día queda enturbiado, sin embargo, por una narrativa algo irregular. La estructura de su guión queda algo descompensada, con un planteamiento más o menos largo, un desarrollo que no termina de enlazar de forma correcta las diferentes ideas que se plantean, y una resolución un tanto apresurada. Así, mientras la exposición de argumentos en los primeros minutos es sólida, el posterior tratamiento de los mismos, con dosis de comedia que no encajan del todo bien, no logra unificar la parte conceptual y la parte narrativa, dejando algunas secuencias inconexas que, aunque permiten clarificar ciertos pilares argumentales, parecen mal encajadas en el puzzle.

Y dado que la forma en que se desarrolla la narrativa es similar a la de Parque Jurásico, es inevitable comparar, o al menos recordar por encima, el modo en que ambas obras tratan su arco dramático y el de los personajes. No se trata de analizar paso a paso el modo en que ambos films abordan el caos de la tecnología y cómo esta termina volviéndose en contra del hombre, sino más bien en la estructura secuencial de cada una de las obras. Y es aquí donde este mundo del oeste habitado por robots cojea en tanto en cuanto la película no presenta una amenaza hasta bien avanzada la trama, sin que las pinceladas que Crichton ofrece sobre los peligros o los problemas que poco a poco se van produciendo puedan implantar de forma contundente el suspense o la intriga.

Dicho de otro modo, hasta prácticamente el segundo punto de giro, que da lugar al tercer acto y a la rebelión de las máquinas, la película es presentada como una aventura casi inocente en la que los protagonistas ríen y disfrutan sin preocupación. La apuesta por unas historias secundarias con marcado tono cómico no ayuda, desde luego, a la gravedad que más adelante adquiere el film, produciéndose un giro conceptual y narrativo tan brusco y tan tardío que apenas deja espacio para que el espectador pueda adaptarse a la nueva realidad, salvo que la conozca de antemano, claro está. En este sentido, y volviendo al film sobre el parque de dinosaurios, Crichton aprendió de sus errores a la hora de plantear la narrativa de su novela, ofreciendo un viaje que pivota sobre una sucesión constante de conflictos.

Con todo, es innegable que Westworld es un referente de la ciencia ficción y el uso de la tecnología en el cine. Más allá de los avances en efectos especiales y digitales, lo realmente atractivo del film de Michael Crichton es su propuesta argumental y el modo en que se abordan los problemas que pueden crear los aparatos tecnológicos y el desconocimiento por parte de la sociedad de su funcionamiento. La labor del escritor como director y guionista sea más o menos convincente puede restar cierto atractivo a determinados momentos del film, que posiblemente habría ganado en las manos más expertas de algunos directores de la época. Sin embargo, eso no debería ser óbice para disfrutar del mensaje que lanza el film y de algunos hallazgos visuales realmente interesantes y, por supuesto, de algunos logrados momentos del film, sobre todo de su tercio final.

‘Black Mirror’ se centra en la ciencia ficción de la tecnología en su 3ª T


Bryce Dallas Howard protagoniza uno de los episodios de la tercera temporada de 'Black Mirar'.Tras dos temporadas y un especial navideño, Black Mirror se ha consolidado como la crítica más ácida a la tecnología y la dependencia social de ella. Sin embargo, la serie de Charlie Brooker (serie Dead set) ha evolucionado en su tercera temporada hacia un carácter más fantástico, centrándose en la ciencia ficción más que en la crítica o en la denuncia social. Tal vez sea por el hecho de que son seis episodios en lugar de tres, o simplemente porque era el camino a seguir natural para una ficción de estas características. El caso es que estos capítulos, algunos de ellos de una factura impecable en todos sus aspectos, comparten más puntos en común que el trasfondo social y humano que ha caracterizado a la serie. Que esto sea algo positivo o negativo es decisión personal de cada uno.

Quizá la mayor evidencia de esto es que, salvo el episodio titulado ‘Cállate y baila’ (‘Shut up and dance’ en versión original), el componente tecnológico tiene un peso más que notable en la historia, en muchas ocasiones jugando con los aspectos futuristas o con una hipótesis sobre la evolución que tendrán campos como los videojuegos o los drones. ‘Caída en picado’ y ‘Playtesting’ son claros ejemplos. El primero, protagonizado por Bryce Dallas Howard (Jurassic World), representa una reflexión del mundo que puede crear la dependencia cada vez mayor de las redes sociales y del reconocimiento que, en teoría, dan al individuo dentro de un entorno globalizado. El segundo, con los videojuegos como contexto, alerta de los riesgos de un mundo del entretenimiento cada vez más personalizado e inclusivo.

En este sentido, es evidente que los episodios mantienen el componente social, pero lo hacen con una apuesta por el futurismo, por la ciencia ficción más que por los peligros de una sociedad dependiente de una tecnología que ya existe. Si bien es cierto que en temporadas anteriores ya existía ese equilibrio entre realidad y ficción, en estos seis episodios la balanza parece inclinarse más por la ficción, narrando historias en algunos casos sumamente fantásticas que, aunque con un trasfondo de crítica o denuncia, no dejan de ser modelos de entretenimiento sin demasiado contenido. Tal vez sea por eso que ‘La ciencia de matar’ es uno de los episodios más flojos no solo de la tercera temporada de Black Mirror, sino de toda la serie.

Ahora bien, esta apuesta deja también uno de los episodios más románticos y bellos de esta producción. ‘San Junipero’ se convierte en un canto al amor eterno e inmortal, a la libertad de poder encontrar a la persona idónea esté donde esté gracias a un terreno neutral en forma de mundo digital. De nuevo, la serie va un paso más allá y aborda un futuro de ciencia ficción que desarrolla, en cierto modo, una realidad ya existente pero mucho menos sofisticada. En este caso, sin embargo, la trama está planteada de forma tan sutil y entrelazada que termina por alternar drama romántico con un cierto suspense, amén de obligar al espectador a prestar atención al más mínimo detalle para tratar de comprender cómo y dónde se desarrolla la acción.

Realidad de las tramas

'San Junipero' es uno de los episodios más recordados de la tercera temporada de 'Black Mirar'.Nada de esto impide, sin embargo, que Black Mirror siga inquietando conciencias con su tercera temporada. A pesar de contener episodios sin excesiva trascendencia más allá de la trama en sí, en su conjunto se puede entender como un estudio del comportamiento humano en el más amplio espectro. Desde ese primer episodio con las redes sociales como indicador de las clases sociales (tener pocos ‘Me gusta’ te convierte en un paria), hasta el último en el que, simple y llanamente, se ha acabado con las abejas reales y se ha tenido que buscar una alternativa cibernética, todos los episodios, y en esto sí que no hay excepción, están planteados para obligar al espectador a reflexionar sobre su propia realidad.

Y eso se consigue gracias a unas tramas notablemente estructuradas, capaces de seguir una senda marcada mientras libran una batalla intelectual con el que está al otro lado de esa “espejo negro” al que hace referencia el título de la serie. Al existir argumentos independientes, cada episodio está narrado de forma propia, aunque todos mantienen en común la idea de que nada es lo que parece, de que la realidad es mucho más terrible de lo que en un principio pueda parecer. De este modo, verdad y mentira, realidad y ficción, se funden en un único mensaje dominado por esas nuevas tecnologías que parecen adueñarse poco a poco de la serie y que, por suerte o por desgracia, ya se han adueñado de nuestras vidas.

Incluso aunque algunos capítulos posean un argumento sin demasiado interés, es de justicia reconocer los puntos de giro tan interesantes que ofrecen todos ellos gracias, precisamente, a esa idea de que nada es lo que parece. Otra cosa muy diferente es que el contexto en el que se desarrollan esas historias y el modo en que se narran sea el adecuado. Personalmente creo que la narrativa es, como suele ser habitual en esta serie, ejemplar, pero ese contexto peca, en algunos casos, de una ingenuidad manifiesta, lastrando tanto las ideas que maneja como la dinámica visual. No ocurre en todos, es cierto, pero sí en los suficientes como para identificar un patrón, y es el hecho de que parece no haber ideas suficientes (o suficientemente trabajadas) como para completar una temporada de seis episodios.

Dicho de otro modo, la tercera temporada de Black Mirror posiblemente satisfaga a los seguidores, y desde luego mantiene la senda ideológica y narrativa de las anteriores etapas, pero en su conjunto puede que tenga algunos de los episodios más flojos de la serie. Ya sea por su extensión, por la complejidad de crear estas tramas o por su apuesta decidida por la ciencia ficción por encima de otros factores, lo cierto es que estas seis historias no logran despertar la admiración que sí despertaron las anteriores, posiblemente también porque el impacto poco a poco se va superando. En cualquier caso, con estos problemas que parecen empezar a surgir la serie sigue siendo una de las más frescas, dinámicas, transgresoras y provocativas de la televisión moderna, lo cual ya debería dar una idea de la calidad que atesora.

‘Silicon Valley’ combina tradición y novedad en su tercera temporada


Los protagonistas de 'Silicon Valley' afrontan nuevos retos en la tercera temporada.Después de tres temporadas, decenas de risas por episodio y una frescura que parece no terminar, se puede decir que Silicon Valley es el relevo perfecto de una fatigada The Big Bang Theory. Puede que muchos pongan el grito en el cielo, pero la serie creada por John Altschuler, Mike Judge y Dave Krinsky (responsables de la serie El rey de la colina) tiene todo lo necesario para convertirse en el nuevo referente de la comedia ‘friki’, salvo tal vez un éxito arrollador y masivo que la impulse hasta donde le corresponde estar. Pero no adelantemos acontecimientos y analicemos los últimos y desternillantes 10 episodios.

Con sus fallos, que los tiene, la serie ha sido capaz de consolidarse en su fórmula a través de la construcción de una historia con un claro objetivo. Desconozco si la producción tiene ya planteado su final y en qué temporada será o si, por el contrario, se extenderá el chicle hasta que se agote (como suele ocurrir, por cierto), pero la realidad es que, hasta ahora, ha sabido encontrar el equilibrio idóneo entre los pilares que definen la trama y la evolución necesaria de la misma. Así, en esta tercera etapa los personajes deben hacer frente a un nuevo conflicto dentro de su recién nacida empresa, pero al mismo tiempo se aborda el modo en que todos ellos evolucionan.

Y es aquí donde se hallan los mejores momentos de humor de la temporada. La inocencia y el carácter muchas veces pardillo del rol de Thomas Middleditch (Bronce) contrasta sobremanera en un mundo habitualmente dominado por tiburones, por personas capaces de cualquier cosa por lograr sus objetivos, y habitualmente con más experiencia en esa especie de gran pecera que es Silicon Valley. Este choque de realidades es el mejor ejemplo de cómo las inseguridades personales se trasladan a un contexto de ‘Yo contra el mundo’ que obliga a madurar al protagonista, quien al mismo tiempo sigue aferrado a una idea de hacer las cosas que le lleva a sufrir no pocas situaciones casi ridículas. Con todo, lo mejor es que al final siempre parece salirle bien.

A esto se suma, como no podía ser de otra manera en una sitcom de estas características, las dinámicas internas del grupo protagonista. Acentuándose la rivalidad entre los personajes de Martin Starr (Juerga hasta el fin) y Kumail Nanjiani (Loaded), que alcanza puntos realmente divertidos, destaca sobre todo lo que ocurre con el rol de T.J. Miller (Deadpool), cuyo arco dramático a lo largo de estos episodios es de los más completos, reubicándole dentro de la trama de una forma diferente pero manteniendo, como era de esperar, la esencia de su personalidad. Dicho de otro modo, y esto es algo que podría aplicarse a casi todos los protagonistas, los varapalos que sufren no les hacen ver las cosas de forma diferente. Al contrario, parece reafirmarles en sus posturas.

Secundarios

Ahora bien, Silicon Valley también ha demostrado en esta tercera temporada que tiende a acomodarse en la reiteración de algunas ideas. Se podría decir que es la parte más negativa de ese equilibrio entre la esencia de la serie y la evolución de los personajes. El problema, en realidad, se haya en algunos personajes secundarios que no terminan de encontrar su verdadero lugar dentro de la trama. El caso más evidente es el del rol al que da vida Matt Ross (serie Revolution), que se ha convertido en una suerte de reflejo deforme del protagonista, un vaticinio sobre lo que podría llegar a ser el papel de Middleditch si se deja seducir por el dinero.

La pérdida de relevancia dentro de la historia le ha llevado a convertirse en una parodia de la propia parodia que ya era, y con ello la trama pierde un antagonista interesante cuyo hueco no logran llenar ninguno de los demás roles secundarios creados a tal efecto. Es más, el efecto conseguido es irregular, reduciendo el interés no solo en las secuencias protagonizadas por este personaje, sino la calidad del desarrollo dramático, que se limita a utilizarle como contrapunto y vía de escape para el resto de la historia. Es de esperar que se recupere para futuras temporadas, pues representa la perfecta oposición entre la pasión por el trabajo y la pasión por el dinero a través de una lucha entre los David y Goliath del mundo de Internet.

Algo similar ocurre con el papel de Josh Brener (Los becarios), ‘Cabezón’ para los amigos, aunque en este caso el personaje ya había quedado relegado a la mínima expresión en la anterior temporada. Su desarrollo en estos episodios, aunque menor y a todas luces definido por las necesidades de otros personajes, resulta más interesante y divertido, sobre todo porque parece llevar el sentido opuesto al de Ross, es decir, en clara integración con el resto de la trama. Y eso, de confirmarse, sería una buena noticia en tanto en cuanto aporta un contrapunto irónico necesario al variopinto grupo protagonista, que alcanzaría un nuevo nivel de humor que la serie agradecería.

La sensación que deja la tercera temporada de Silicon Valley es doble. Por un lado consolida los pilares que han convertido la serie en lo que es, apostando por los protagonistas y las dinámicas entre estos personajes principales. Por otro, desarrolla algunas líneas argumentales secundarias para volver a distribuir el peso narrativo en algunos roles secundarios que, dicho sea de paso, necesitan más presencia en la historia. Esa sensación de evolución de la ficción es lo que hace que sea tan fresca, tan dinámica y tan divertida, y es lo que la convierte en una de las mejores comedias de la televisión.

2ª T. de ‘Silicon Valley’, o cómo triunfar en Internet siendo un primo


Los protagonistas de 'Silicon Valley' deben hacer frente a su propia inocencia en la segunda temporada.He de confesar que me he rendido casi desde el principio a Silicon Valley, esa pequeña joya del humor creada por John Altschuler, Mike Judge y Dave Krinsky, autores de la ficción televisiva El rey de la colina. Su primera temporada, a medio camino entre la ilusión de los proyectos que empiezan y el carácter crítico con el mundo de las grandes marcas de la tecnología e Internet, fue un soplo de aire fresco, algo similar a lo que sucedió con The Big Bang Theory en sus inicios. Por eso la segunda etapa, aunque mantuviera la diversión, debía ser capaz de aportar algo diferente, algo que fuera capaz de hacer crecer a los personajes. Y por suerte, lo consigue, confirmando a esta producción como una de las más originales de la parrilla.

Curiosamente, ese “más difícil todavía” ha llegado de la forma más sencilla posible: explotando aún más las debilidades de sus protagonistas, sobre todo del personaje interpretado por Thomas Middleditch (Search party), verdadero líder del reparto y el personaje más pardillo que puede encontrarse en la televisión. Es precisamente esa inocencia, esa incapacidad para moverse en un mundo plagado de tiburones, lo que hace más irónico el desarrollo dramático de la temporada, que cuenta con 10 episodios. Así, a los problemas propios de cualquier empresa que empieza a crecer (económicos, de personal, etc.) se suman las piedras en el camino generadas por el propio personaje, ya sea en forma de inversor megalómano o de conflictos con competidores a los que se da sin querer el secreto de la empresa.

A esto se suma, sin lugar a dudas, la dinámica interna de los personajes, algo ya planteado en la anterior temporada y ahora mucho más explotado. Más allá de la diferencia de caracteres, lo que mejor funciona del conjunto son los contrastes que cada uno de los protagonistas parece desarrollar de forma paralela cuando está en compañía de los demás. Por ejemplo, el rol de T.J. Miller (Transformers: La era de la extinción) tiende a ser egocéntrico y en cierto modo despectivo, pero siempre deja entrever la necesidad de formar parte de un grupo al que considera algo más que trabajadores. Algo similar ocurre con Martin Starr (Veronica Mars) y Kumail Nanjiani (Loaded), sin duda la pareja más dinámica de Silicon Valley, y cuya competitividad se ve compensada por la fuerza que ambos tienen cuando colaboran.

Con este análisis puede parecer que la serie abandona la trama en favor de unos personajes bien construidos y mejor interpretados, pero nada más lejos de la realidad. Manteniendo el desarrollo iniciado en la primera etapa, esta segunda temporada ahonda en los conflictos ya planteados e incorpora otros nuevos para dotar de una mayor complejidad (aunque tampoco excesiva) a las desventuras de los cinco protagonistas. Y lo consigue fundamentalmente con tramas secundarias que, aunque a simple vista no parecen tener demasiada relevancia, terminan por complementar la trama principal de tal modo que el resultado final en una estructura bien armada, sin cabos sueltos dejados por el camino y con nuevos retos para el futuro.

Ascender por la cara

Pero al comienzo mencionaba que la primera temporada de Silicon Valley tenía en la parodia y la crítica a las grandes compañías como Apple o Microsoft uno de sus mejores bazas. Quizá lo más interesante, o al menos aquello que aporta una mayor riqueza, sea el hecho de que entre tanta desventura, entre tantos problemas a los que se enfrentan los personajes, sigue habiendo hueco para la denuncia. Y esto, para aquellos que sigan la serie, está ejemplificado en la figura de Hooli, esa compañía medio Apple medio Microsoft en la que su “visionario” líder se desquicia porque un grupo de jóvenes en el salón de su casa han logrado superar toda su poderosa y rica estructura de desarrollo.

Aunque es cierto que adquiere más relevancia hacia la segunda mitad de la temporada (y esto puede ser algo que perjudica el desarrollo fluido de la trama), lo que aporta toda esta historia secundaria es sumamente revelador a la par que divertido e irónico. Sin ir más lejos, la forma en que asciende el personaje de Josh Brener (Los becarios), cuyo único mérito ha sido ser amigo del protagonista, es tan surrealista como creíble, sobre todo viendo los méritos que hacen algunos dirigentes para llegar a donde están. En este sentido, el lanzador de patatas que desarrolla es revelador. Pero dentro de esta gran compañía hay mucho más: los equipos de desarrolladores que se van pasando los problemas de uno a otro, las “magníficas ideas” que no se podrán desarrollar hasta dentro de 20 años, los aduladores que solo buscan su propio beneficio.

El final de la temporada es el mejor ejemplo de lo que significa la serie en esta segunda tanda de episodios. La amarga victoria que logra el protagonista es directamente proporcional a la derrota que sufre el antagonista. Curiosamente, y aunque el segundo pierde más que el primero, la sensación que resta en el espectador es la de que ninguno sale ganando, quizá porque ambos han perdido mucho por el camino, quizá porque los siguientes retos se plantean mucho más complejos. Sea como fuere, esa imagen del vencedor derrotado resume con detalle el modo en que la serie debe interpretarse. Todos los reveses y las pírricas victorias en el mundo digital no hacen sino acrecentar esa idea de que los protagonistas se mueven constantemente en un mundo que no terminan de comprender.

La segunda temporada de Silicon Valley, por tanto, responde a esa idea de más y mejor de cualquier saga cinematográfica (y por qué no, de la tecnología). Lejos de desarrollar únicamente la trama principal ya planteada, la ficción decide apostar por añadir capas dramáticas en forma de tramas y lograr así un enriquecimiento del mundo en el que viven los protagonistas. Lo más satisfactorio es que la serie logra dejarse muy pocas cosas en el tintero, salvo claro está aquellas que deben mantener la historia una tercera temporada ya confirmada. Los personajes crecen, aunque sea a golpe de escarmiento; las tramas evolucionan, y el humor nunca desaparece del todo, ni siquiera en los momentos más dramáticos. Esta nueva temporada confirma que es una producción que no debe ignorarse.

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