Zellweger se mete en la piel de Garland para viajar ‘Underwater’


Último viernes de enero, que coincide además con el último día del mes. Y como ha venido ocurriendo de forma progresiva durante todas las semanas, un mayor número de estrenos llegan a la cartelera española, liderados por uno de los últimos títulos con alguna que otra nominación a los Oscar. Eso sí, este día 31 se estrenan novedades para todos los gustos, incluyendo el terror, la comedia, la animación o el documental.

Pero comenzamos el repaso con Judy, biopic dramático basado en la obra de teatro de Peter Quilter sobre la vida de la actriz y cantante Judy Garland. En concreto, la historia se centra en la gira que realizó la estrella de El mago de Oz (1939) en 1968. A sus 47 años logra agotar las entradas en cuestión de días, pero este regreso a los escenarios será el detonante para que vuelvan los fantasmas que la atormentaron desde su debut cinematográfico, llevando a la actriz a realizar un repaso de su vida. Rupert Goold (Una historia real) es el encargado de poner en imágenes esta trama con capital británico y protagonizada por Renée Zellweger (Toda la verdad), Rufus Sewell (serie El hombre en el castillo), Finn Wittrock (serie American Horror Story: 1984), Michael Gambon (Kingsman: El círculo de oro), Jessie Buckley (Las aventuras del Doctor Dolittle), Bella Ramsey (serie Juego de tronos) y John Dagleish (El regreso de Mary Poppins), entre otros.

Muy diferente es Underwater, propuesta hollywoodiense que mezcla drama, terror y acción en un argumento que sigue a un grupo de investigadores que quedan atrapados en su laboratorio submarino tras un terremoto. Juntos deberán sobrevivir no solo a los riesgos de una inundación, sino a un peligro inesperado. Dirigida por William Eubank (La señal), la película cuenta en su reparto con Kristen Stewart (Los ángeles de Charlie), Vincent Cassel (El emperador de París), T.J. Miller (Deadpool 2), Jessica Henwick (Rice on white), Mamoudou Athie (El candidato) y John Gallagher Jr. (Calle Cloverfield 10).

También procede de Estados Unidos Un momento en el tiempo – Waves, drama romántico musical con el deporte como telón de fondo que escribe y dirige Trey Edward Shults (Krisha). La trama aborda la vida adolescente contemporánea a través de dos parejas de jóvenes que tienen que lidiar con sus sentimientos al tiempo que crecen y maduran. Kelvin Harrison Jr. (Gully), Taylor Russell (Escape room), Sterling K. Brown (serie This is us), Renée Elise Goldsberry (La casa del reloj en la pared), Alexa Demie (En los 90) y Lucas Hedges (Tres anuncios en las afueras) encabezan el reparto.

La principal propuesta española es Adú, nuevo film de Salvador Calvo tras 1898. Los últimos de Filipinas (2016). El argumento, en clave dramática, narra tres historias cuyos protagonistas están destinados a cruzarse sin que ellos lo sepan, algo que cambiará sus vidas para siempre. Por un lado, un niño de seis años y su hermana intentan colarse en la bodega de un avión en Camerún. Por otro, un activista medioambiental debe luchar contra la caza furtiva en una reserva natural mientras lidia con los problemas de su hija. Por último, un grupo de guardias civiles se prepara para un asalto a la valla de Melilla. Entre los principales protagonistas encontramos a Luis Tosar (Quien a hierro mata), Anna Castillo (Viaje al cuarto de una madre), Álvaro Cervantes (El árbol de la sangre), Jesús Carroza (La isla mínima), Miquel Fernández (Durante la tormenta), Moustapha Oumarou y Nora Navas (Dolor y gloria).

Muy diferente es la comedia Para toda la muerte, producción española que tiene como protagonista a un joven que, tras ocho años preparándose una oposición, logra aprobar el examen. Por un error inicial su nombre aparece como uno de los elegidos para ocupar una plaza, algo que celebra con familiares y amigos, pero cuando finalmente le confirman que está en la reserva, su único modo de poder acceder a la vida que siempre quiso será si el elegido antes que él fallece. Dirigida y protagonizada por Alfonso Sánchez (El mundo es suyo), la cinta completa su reparto con Alberto López (Toro), Estefanía de los Santos (De chica en chica), Joaquín Ortega (Síndrome de ti), Josep Maria Riera (La gran aventura de los Lunnis y el libro mágico) y Marta Tomasa (serie El secreto de Puente Viejo).

Francia y Noruega colaboran en Volando juntos, adaptación a la gran pantalla de la historia real de un chico obsesionado con los videojuegos que rechaza la sola idea de pasar unas vacaciones con su padre en plena naturaleza. Pero a pesar de sus protestas, termina compartiendo esos días con este científico dedicado al estudio de gansos salvajes. Poco a poco ambos unirán fuerzas para salvar a una especie en peligro de extinción, para lo que emprenderán juntos un viaje por los cielos de Europa. Esta aventura familiar de 2019 está dirigida por Nicolas Vanier (La escuela de la vida) y protagonizada por Jean-Paul Rouve (Lola y sus hermanos), Mélanie Doutey (Conexión Marsella), Louis Vazquez (La clase de piano), Lilou Fogli (Puerto Ricans in Paris), Frédéric Saurel (La escuela de la vida) y Dominique Pinon (Basada en hechos reales).

Con algo más de retraso llega Eter, thriller dramático de corte histórico escrito y dirigido por Krzysztof Zanussi (Obce cialo) que transcurre a finales del XIX. En algún lugar de las afueras del Imperio ruso un médico administra por error una sobredosis letal de éter a una mujer joven. Tras lograr escapar de su condena a muerte rehace su vida en Siberia, donde llega a sentirse respaldado para experimentar con el gas y así poder controlar no solo el dolor, sino las conductas humanas. Este film de 2018 cuenta en su reparto con Jacek Poniedzialek (La semilla de la verdad), Zsolt László (La legión del águila), Andrzej Chyra (Un pueblo y su rey), Ostap Vakulyuk, Maria Ryaboshapka y Stanislav Kolokolnikov, entre otros.

El último de los estrenos en imagen real es Insumisas, drama de 2018 con capital cubano y suizo cuya trama arranca cuando un cirujano suizo llega a Cuba para encontrar a su hijo, secuestrado por una de sus tías. Pero cuando comprueba que ambos han muerto en una revuelta de esclavos decide instalarse en Baracoa. Es 1819, y poco a poco va comprendiendo la sociedad cubana hasta que su verdadera identidad queda al descubierto: el hombre es en realidad una mujer que se ha vestido así para poder ejercer la medicina. Enviada a la cárcel, deberá afrontar el juicio más escandaloso de la historia colonial cubana. Escrita y dirigida a cuatro manos por Laura Cazador, quien debuta de este modo en el largometraje, y Fernando Pérez (Últimos días en La Habana), esta película con capital cubano y suizo está protagonizada por Sylvie Testud (Suspiria), Antonio Buíl (Agadah), Héctor Noas (Verde verde) y Mario Guerra (Sergio & Sergei).

Pasamos ahora a las novedades animadas, entre las que encontramos Operación Panda, coproducción entre Estados Unidos y Rusia que dirige Vasiliy Rovenskiy (Animales en apuros) y que tiene como protagonista a un oso que, junto a sus amigos, se embarcará en una aventura para ayudar a un bebé panda a regresar a su hogar después de que una cigüeña le entregara en una dirección equivocada. Entre las voces originales encontramos las de Drake Bell (Cover versions) y Pauly Shore (Opposite day).

El otro título de animación es Quackers, la leyenda de los patos, film de 2016 con capital estadounidense, ruso y chino. La historia narra el enfrentamiento de los patos contra una malvada bruja que amenaza con destruir al Pato del Sol, cuyo poder ha protegido en el pasado a la bandada de estas aves y que fue arrebatado por la bruja. Viktor Lakisov (Spartakiada. Lokalnoe poteplenie) pone en imágenes esta trama que cuenta con las voces de Michael Gross (Rosemont), Robbie Daymond (NiNoKuni), Jesse Corti (Stiletto), Mark DeCarlo (Mobsters and mormons) y Enn Reitel (El juez).

Respecto al documental, dos son las propuestas de esta semana. Mi gran pequeña granja es una producción estadounidense de 2018 dirigida por John Chester (Rock prophecies) que narra la historia del director y su mujer, quienes abandonaron la ciudad para realizar el sueño de sus vidas: construir una enorme granja para cosechar en armonía con la naturaleza.

También de 2018 es M, la historia de Menahem Lang, quien regresa a su ciudad natal para afrontar su pasado en la capital mundial de los ultra ortodoxos judíos. Allí sufrió abusos durante su infancia, pero también fue el lugar en el que se enamoró. La película, con capital francés e israelí, está dirigida por Yolande Zauberman (Bailar hasta morir).

‘Deadpool 2’: la familia es lo primero


Vaya por delante que disfruté mucho, muchísimo, de aquella inteligente e irónica gamberrada titulada Deadpool. Con ese film de 2016 Ryan Reynolds (Criminal) lograba dos cosas: adaptar fielmente al cine un personaje tan controvertido como este mercenario, y hacer olvidar sus anteriores incursiones en el cine de superhéroes. Ahora, dos años después y habiendo sentado las bases, ¿puede ofrecer algo nuevo una continuación? Bueno, nuevo realmente no, pero dos horas de diversión, violencia y un humor muy muy negro, eso es incuestionable. Y en los tiempos que corren, esto convierte a esta cinta en algo fuera de lo común.

Aunque más allá de violencia extrema, palabrotas y un sinfín de referencias culturales modernas, la realidad es que Deadpool 2 es, ante todo, una historia, el camino de un antihéroe que, como él mismo explica en el film, toca fondo para volver a levantarse y encontrarse a sí mismo. Y ese camino, con sus altibajos en una película que en algún que otro momento se hace un poco lenta, está sólidamente construido, equilibrando drama y humor a partes iguales para aprovechar los conflictos externos a los que se enfrenta el héroe como mecanismos para desenredar su propio arco dramático interno, centrado en su necesidad de encontrar un significado a su vida, una familia que se le ha arrebatado. Dicho de otro modo, todo lo que ocurre en el film está enfocado a explorar los dilemas morales a los que se enfrenta este mercenario.

Y hasta ahí la parte más, digamos, seria cinematográficamente hablando. Porque esta cinta de David Leitch (Atómica) es puro entretenimiento, pura diversión que debe ser entendida como una parodia de… bueno, de absolutamente todo. La mano firme del director en las secuencias de acción logra algunos de los momentos más impactantes del relato, pero es el guión el verdadero protagonista de esta historia. Su capacidad para reírse de todo, desde el cine de superhéroes hasta de su propio protagonista (el actor, no el personaje, que también) hacen de esta segunda parte un delirio del metalenguaje cinematográfico que permite al relato traspasar sus propias fronteras cinematográficas para incrustarse de lleno en nuestra realidad. A este festival ayudan mucho los cameos, incluyendo los nuevos X-Men, un fugaz Brad Pitt (La gran apuesta), y unos títulos de crédito iniciales simplemente insuperables, de nuevo parodiando una saga caracterizada por sus ‘intros’ (es decir, James Bond). Por cierto, atentos a los textos que aparecen.

En definitiva, Deadpool 2 es más de lo que ya ofreció la primera parte. Y lo es en todos los sentidos. Más acción, más violencia, más humor y, sobre todo, más historia. No implica que sea necesariamente mejor, pero la realidad es que sí que lo es. Como suele pasar en todos estos films, una vez se ha narrado el origen del personaje, la película se centra de lleno en sus motivaciones, en sus miedos y los retos que debe afrontar. Y lo hace sin perder una pizca de todo aquello que convierte a este mercenario bocazas en lo que es. Lo mejor que se puede decir de esta segunda parte es que deja con ganas de más, con ganas de seguir explorando la psicología de este antihéroe y de verle agujereado, troceado y golpeado mientras salva el mundo.

Nota: 8/10

‘Ready Player One’: el Oasis de la cultura pop


Aviso a navegantes. Lo nuevo de Steven Spielberg (Minority report) es una experiencia visual y nostálgica inigualable, pero también esconde una notable crítica social. Y esta dualidad es lo que convierte a esta aventura de ciencia ficción en una obra espléndida. Puede que no guste a aquellos que hayan sido ajenos a la cultura de los años 80 y 90, pero aunque solo se conozcan algunos de los personajes que han poblado la imaginación de generaciones durante estas décadas la película se disfrutará de un modo que cada vez resulta más difícil experimentar.

Por supuesto, Ready Player One es ante todo un entretenimiento en su máxima expresión. El guión, perfectamente estructurado aunque algo carente de importantes giros dramáticos, presenta en apenas unos pocos segundos el contexto social en el que se desarrolla la trama, pasando rápidamente a introducirse en lo más relevante de la acción y aprovechando las impecables secuencias de acción para hacer avanzar un argumento que a muchos les recordará a algún videojuego que les dejó huella en su infancia. Con una música inolvidable y unos efectos visuales que ya quisieran muchas películas, Spielberg se da un festín referencial de una cultura que necesita ser reivindicada como una parte fundamental de todo lo que actualmente vivimos. A esto se suma un reparto notable y una estructura dramática bien construida, con pilares sólidos sobre los que asentar posteriormente el importante mensaje (una suerte de huevo de Pascua) que esconde el film.

Siempre he pensado que la ciencia ficción es el mejor género para mostrar y contar los problemas de la sociedad, y por eso este film basado en la novela de Ernest Cline es capaz de sobrepasar el mero entretenimiento. La verdad es que no podría esperarse menos de Spielberg. Sus efectos especiales, la agilidad del lenguaje visual del director o las constantes referencias no impiden apreciar que la cinta, en realidad, habla de un mundo incapaz de vivir en el mundo real, obsesionado con escapar de una rutina que le asquea y que busca una salida en una realidad virtual en la que nadie es quien dice ser y todos se ocultan detrás de una identidad falsa. Un videojuego a escala global que permite interactuar con personas de todo el planeta, hacer amigos y enamorarse sin ni siquiera conocerse físicamente. La idea de que lo único que se vive realmente es la vida real resume a la perfección no solo la moraleja de esta historia, sino el camino que está tomando una sociedad cuya visión está dirigida hacia una pantalla de móvil y no hacia quienes están junto a nosotros.

Aunque a Ready Player One puede faltarle algo de fuerza en algunos momentos clave, lo cierto es que su carácter juvenil y aventurero, amén del espectáculo visual que supone ver y escuchar tantos referentes de la cultura pop en ese Oasis, convierten a esta aventura en algo diferente, fresco, dinámico y, ante todo, digno de disfrutar. Una película que invita a reflexionar sobre el camino que toma la sociedad mientras nuestros sentidos se deleitan con la música, los personajes y las criaturas que han nutrido la imaginación de la sociedad y de muchas generaciones durante décadas. A muchos su estructura de videojuego les puede resultar extraña, pero lo cierto es que no deja de ser la misma que la de cualquier otro relato con el que nos hemos maravillado cuando éramos más jóvenes. Y conseguir que volvamos a nuestra juventud siempre es algo admirable.

Nota: 8/10

4ª T. de ‘Silicon Valley’, competitivos hasta las últimas consecuencias


Para considerar como exitosa a una ficción como Silicon Valley, a estas alturas la serie debería haberse convertido en un fenómeno que, sea por el motivo que sea, no es. Sin embargo, eso no quiere decir que esta producción creada por John Altschuler (serie The good family), Mike Judge (serie El rey de la colina) y Dave Krinsky (serie Lopez) no sea una de las más frescas, desenfadadas y dinámicas de la parrilla actual. Y lo es porque, tomando como punto de partida el mundo tecnológico, analiza en realidad las relaciones y los comportamientos humanos y sociales que pueden encontrarse en cualquier otro ámbito de la sociedad, lo que infiere al resultado final una visión mucho más extensa y compleja de lo que aparentemente puede parecer. Y su cuarta temporada ahonda más si cabe en esta complejidad.

Y es que bajo la apariencia de comedia gamberra estos 10 episodios exploran ideas como la lucha por el poder dentro de una empresa, la consecución del éxito a cualquier precio o la traición de la amistad en los negocios. Lo hace, por supuesto, con los extremos personajes que protagonizan esta historia, pero incluso así es fácil apreciar situaciones, diálogos e incluso actitudes fácilmente identificables con algún momento de la vida real. Lo interesante, lo que hace de esta serie algo diferente, es precisamente el contraste que generan los personajes y las peculiaridades que les convierten en únicos.

No cabe duda de que el protagonista interpretado por Thomas Middleditch (Joshy) es la joya de la corona. Sobre sus hombros recae todo el peso narrativo (y casi todo el peso cómico) de Silicon Valley. Y en esta cuarta temporada no lo es menos. El viaje al éxito de este personaje choca de lleno con su personalidad, y eso genera algunas de las situaciones más surrealistas no solo de la temporada, sino de toda la serie. Pero como decía antes, también es el origen de los conflictos que dotan a esta ficción de algo más que las clásicas comedias de situación. En esta ocasión, la aparente falta de escrúpulos, las traiciones a los que son sus amigos o la obsesión por lograr su objetivo contrastan con su personalidad inocente, por momentos tímida, que siempre le han catalogado como el clásico pardillo.

Aunque los mejores elementos que definen a la serie, al menos en lo que a construcción dramática se refiere, son sus secundarios. Con entidad propia, los personajes que se mueven en la órbita del protagonista son capaces de desarrollar sus propias historias más allá de la trama principal. No mucho, porque al fin y al cabo es una comedia de poca duración, pero sí lo suficiente como para crear un mundo casi único en la serie. En algunos casos han llegado a tener más relevancia en esta temporada que el propio protagonista, una estrategia que ha permitido liberar ligeramente el arco argumental principal y nutrirlo con historias y personajes que sirven de apoyo a momentos puntuales de la acción. Y aunque parezca contradictorio, este es precisamente uno de los problemas que empieza a arrastrar la serie.

Regreso al ostracismo

En efecto, Silicon Valley está adquiriendo una dimensión que, para empezar, tiene difícil ajuste en una sitcom de corta duración como es el formato actual. Las historias de los protagonistas que dan pie a las situaciones más hilarantes del arco argumental se empiezan a sumar a tramas secundarias que apenas tienen importancia en el argumentario principal. La suma de todo ello está impidiendo que las decisiones de los protagonistas y algunas de las situaciones se basen en un correcto desarrollo, supeditando todo a una serie de momentos en los que, cada vez más, se deben introducir todo tipo de elementos para tratar de hacer avanzar todas las tramas creadas.

Lo bueno es que esta cuarta temporada ha sabido aprovechar eso en un desarrollo todavía más histriónica y surrealista de lo visto hasta ahora. El caos que parece generar la suma de tramas deriva en un caos en los propios personajes, llevando al límite de la moral, e incluso físico, al protagonista y sus compañeros. En cierto modo, una vuelta al ostracismo inicial de unos personajes que, a pesar de la experiencia obtenida en estos años de serie, siguen mostrando un cierto aire pardillo e inocente en muchos aspectos, lo que les obliga a luchar contra su propia ineptitud y sus propios demonios. El mejor ejemplo de esto es el final de esta etapa, con ese camión vacío al haber dejado un reguero de piezas, cables y material informático, amén de un nuevo enfrentamiento que parece avecinarse entre los dos antagonistas principales de la serie.

Lo malo, por poner una nota negativa al conjunto, es que si se siguen sumando más tramas sin dar solución a las ya iniciadas la serie no va a ser capaz de comprimir en los pocos y cortos episodios que dura cada temporada toda la complejidad dramática que se está construyendo. Es necesario, por tanto, ir solucionando algunas historias (como de hecho ya se ha hecho en algunos casos en esta etapa) para poder hacer que la serie avance, que los protagonistas logren finalmente el objetivo marcado en la primera temporada y que, en cierto modo, ha cambiado ya, al menos en su forma, que no en su fondo. De esta evolución depende, por tanto, no solo el carácter hilarante y divertido de la serie, sino su capacidad dinámica y su frescura, así como el correcto desarrollo de los personajes y, en el fondo, que el toque alocado y algo surrealista del conjunto no acabe por engullir a la calidad narrativa y dramática que tiene.

Por lo pronto, la cuarta temporada de Silicon Valley ha sabido aprovechar el caos que generan tantas tramas para situar a unos extraordinarios personajes en una situación extraordinaria, al menos para ellos. Y eso ha llevado a la historia a un nuevo nivel de histrionismo y de surrealismo, enfrentado a los protagonistas con sus propios miedos, sus propias limitaciones y sus propias fronteras morales. Resulta interesante comprobar cómo estas situaciones hacen crecer la trama, convirtiéndola en un producto más maduro y al mismo tiempo afrontando el riesgo de transformarse en algo que deje de ser la magnífica serie que es. Estos 10 episodios son para disfrutar de esa transformación; los peligros deberán afrontarse en la próxima etapa.

‘Silicon Valley’ combina tradición y novedad en su tercera temporada


Los protagonistas de 'Silicon Valley' afrontan nuevos retos en la tercera temporada.Después de tres temporadas, decenas de risas por episodio y una frescura que parece no terminar, se puede decir que Silicon Valley es el relevo perfecto de una fatigada The Big Bang Theory. Puede que muchos pongan el grito en el cielo, pero la serie creada por John Altschuler, Mike Judge y Dave Krinsky (responsables de la serie El rey de la colina) tiene todo lo necesario para convertirse en el nuevo referente de la comedia ‘friki’, salvo tal vez un éxito arrollador y masivo que la impulse hasta donde le corresponde estar. Pero no adelantemos acontecimientos y analicemos los últimos y desternillantes 10 episodios.

Con sus fallos, que los tiene, la serie ha sido capaz de consolidarse en su fórmula a través de la construcción de una historia con un claro objetivo. Desconozco si la producción tiene ya planteado su final y en qué temporada será o si, por el contrario, se extenderá el chicle hasta que se agote (como suele ocurrir, por cierto), pero la realidad es que, hasta ahora, ha sabido encontrar el equilibrio idóneo entre los pilares que definen la trama y la evolución necesaria de la misma. Así, en esta tercera etapa los personajes deben hacer frente a un nuevo conflicto dentro de su recién nacida empresa, pero al mismo tiempo se aborda el modo en que todos ellos evolucionan.

Y es aquí donde se hallan los mejores momentos de humor de la temporada. La inocencia y el carácter muchas veces pardillo del rol de Thomas Middleditch (Bronce) contrasta sobremanera en un mundo habitualmente dominado por tiburones, por personas capaces de cualquier cosa por lograr sus objetivos, y habitualmente con más experiencia en esa especie de gran pecera que es Silicon Valley. Este choque de realidades es el mejor ejemplo de cómo las inseguridades personales se trasladan a un contexto de ‘Yo contra el mundo’ que obliga a madurar al protagonista, quien al mismo tiempo sigue aferrado a una idea de hacer las cosas que le lleva a sufrir no pocas situaciones casi ridículas. Con todo, lo mejor es que al final siempre parece salirle bien.

A esto se suma, como no podía ser de otra manera en una sitcom de estas características, las dinámicas internas del grupo protagonista. Acentuándose la rivalidad entre los personajes de Martin Starr (Juerga hasta el fin) y Kumail Nanjiani (Loaded), que alcanza puntos realmente divertidos, destaca sobre todo lo que ocurre con el rol de T.J. Miller (Deadpool), cuyo arco dramático a lo largo de estos episodios es de los más completos, reubicándole dentro de la trama de una forma diferente pero manteniendo, como era de esperar, la esencia de su personalidad. Dicho de otro modo, y esto es algo que podría aplicarse a casi todos los protagonistas, los varapalos que sufren no les hacen ver las cosas de forma diferente. Al contrario, parece reafirmarles en sus posturas.

Secundarios

Ahora bien, Silicon Valley también ha demostrado en esta tercera temporada que tiende a acomodarse en la reiteración de algunas ideas. Se podría decir que es la parte más negativa de ese equilibrio entre la esencia de la serie y la evolución de los personajes. El problema, en realidad, se haya en algunos personajes secundarios que no terminan de encontrar su verdadero lugar dentro de la trama. El caso más evidente es el del rol al que da vida Matt Ross (serie Revolution), que se ha convertido en una suerte de reflejo deforme del protagonista, un vaticinio sobre lo que podría llegar a ser el papel de Middleditch si se deja seducir por el dinero.

La pérdida de relevancia dentro de la historia le ha llevado a convertirse en una parodia de la propia parodia que ya era, y con ello la trama pierde un antagonista interesante cuyo hueco no logran llenar ninguno de los demás roles secundarios creados a tal efecto. Es más, el efecto conseguido es irregular, reduciendo el interés no solo en las secuencias protagonizadas por este personaje, sino la calidad del desarrollo dramático, que se limita a utilizarle como contrapunto y vía de escape para el resto de la historia. Es de esperar que se recupere para futuras temporadas, pues representa la perfecta oposición entre la pasión por el trabajo y la pasión por el dinero a través de una lucha entre los David y Goliath del mundo de Internet.

Algo similar ocurre con el papel de Josh Brener (Los becarios), ‘Cabezón’ para los amigos, aunque en este caso el personaje ya había quedado relegado a la mínima expresión en la anterior temporada. Su desarrollo en estos episodios, aunque menor y a todas luces definido por las necesidades de otros personajes, resulta más interesante y divertido, sobre todo porque parece llevar el sentido opuesto al de Ross, es decir, en clara integración con el resto de la trama. Y eso, de confirmarse, sería una buena noticia en tanto en cuanto aporta un contrapunto irónico necesario al variopinto grupo protagonista, que alcanzaría un nuevo nivel de humor que la serie agradecería.

La sensación que deja la tercera temporada de Silicon Valley es doble. Por un lado consolida los pilares que han convertido la serie en lo que es, apostando por los protagonistas y las dinámicas entre estos personajes principales. Por otro, desarrolla algunas líneas argumentales secundarias para volver a distribuir el peso narrativo en algunos roles secundarios que, dicho sea de paso, necesitan más presencia en la historia. Esa sensación de evolución de la ficción es lo que hace que sea tan fresca, tan dinámica y tan divertida, y es lo que la convierte en una de las mejores comedias de la televisión.

2ª T. de ‘Silicon Valley’, o cómo triunfar en Internet siendo un primo


Los protagonistas de 'Silicon Valley' deben hacer frente a su propia inocencia en la segunda temporada.He de confesar que me he rendido casi desde el principio a Silicon Valley, esa pequeña joya del humor creada por John Altschuler, Mike Judge y Dave Krinsky, autores de la ficción televisiva El rey de la colina. Su primera temporada, a medio camino entre la ilusión de los proyectos que empiezan y el carácter crítico con el mundo de las grandes marcas de la tecnología e Internet, fue un soplo de aire fresco, algo similar a lo que sucedió con The Big Bang Theory en sus inicios. Por eso la segunda etapa, aunque mantuviera la diversión, debía ser capaz de aportar algo diferente, algo que fuera capaz de hacer crecer a los personajes. Y por suerte, lo consigue, confirmando a esta producción como una de las más originales de la parrilla.

Curiosamente, ese “más difícil todavía” ha llegado de la forma más sencilla posible: explotando aún más las debilidades de sus protagonistas, sobre todo del personaje interpretado por Thomas Middleditch (Search party), verdadero líder del reparto y el personaje más pardillo que puede encontrarse en la televisión. Es precisamente esa inocencia, esa incapacidad para moverse en un mundo plagado de tiburones, lo que hace más irónico el desarrollo dramático de la temporada, que cuenta con 10 episodios. Así, a los problemas propios de cualquier empresa que empieza a crecer (económicos, de personal, etc.) se suman las piedras en el camino generadas por el propio personaje, ya sea en forma de inversor megalómano o de conflictos con competidores a los que se da sin querer el secreto de la empresa.

A esto se suma, sin lugar a dudas, la dinámica interna de los personajes, algo ya planteado en la anterior temporada y ahora mucho más explotado. Más allá de la diferencia de caracteres, lo que mejor funciona del conjunto son los contrastes que cada uno de los protagonistas parece desarrollar de forma paralela cuando está en compañía de los demás. Por ejemplo, el rol de T.J. Miller (Transformers: La era de la extinción) tiende a ser egocéntrico y en cierto modo despectivo, pero siempre deja entrever la necesidad de formar parte de un grupo al que considera algo más que trabajadores. Algo similar ocurre con Martin Starr (Veronica Mars) y Kumail Nanjiani (Loaded), sin duda la pareja más dinámica de Silicon Valley, y cuya competitividad se ve compensada por la fuerza que ambos tienen cuando colaboran.

Con este análisis puede parecer que la serie abandona la trama en favor de unos personajes bien construidos y mejor interpretados, pero nada más lejos de la realidad. Manteniendo el desarrollo iniciado en la primera etapa, esta segunda temporada ahonda en los conflictos ya planteados e incorpora otros nuevos para dotar de una mayor complejidad (aunque tampoco excesiva) a las desventuras de los cinco protagonistas. Y lo consigue fundamentalmente con tramas secundarias que, aunque a simple vista no parecen tener demasiada relevancia, terminan por complementar la trama principal de tal modo que el resultado final en una estructura bien armada, sin cabos sueltos dejados por el camino y con nuevos retos para el futuro.

Ascender por la cara

Pero al comienzo mencionaba que la primera temporada de Silicon Valley tenía en la parodia y la crítica a las grandes compañías como Apple o Microsoft uno de sus mejores bazas. Quizá lo más interesante, o al menos aquello que aporta una mayor riqueza, sea el hecho de que entre tanta desventura, entre tantos problemas a los que se enfrentan los personajes, sigue habiendo hueco para la denuncia. Y esto, para aquellos que sigan la serie, está ejemplificado en la figura de Hooli, esa compañía medio Apple medio Microsoft en la que su “visionario” líder se desquicia porque un grupo de jóvenes en el salón de su casa han logrado superar toda su poderosa y rica estructura de desarrollo.

Aunque es cierto que adquiere más relevancia hacia la segunda mitad de la temporada (y esto puede ser algo que perjudica el desarrollo fluido de la trama), lo que aporta toda esta historia secundaria es sumamente revelador a la par que divertido e irónico. Sin ir más lejos, la forma en que asciende el personaje de Josh Brener (Los becarios), cuyo único mérito ha sido ser amigo del protagonista, es tan surrealista como creíble, sobre todo viendo los méritos que hacen algunos dirigentes para llegar a donde están. En este sentido, el lanzador de patatas que desarrolla es revelador. Pero dentro de esta gran compañía hay mucho más: los equipos de desarrolladores que se van pasando los problemas de uno a otro, las “magníficas ideas” que no se podrán desarrollar hasta dentro de 20 años, los aduladores que solo buscan su propio beneficio.

El final de la temporada es el mejor ejemplo de lo que significa la serie en esta segunda tanda de episodios. La amarga victoria que logra el protagonista es directamente proporcional a la derrota que sufre el antagonista. Curiosamente, y aunque el segundo pierde más que el primero, la sensación que resta en el espectador es la de que ninguno sale ganando, quizá porque ambos han perdido mucho por el camino, quizá porque los siguientes retos se plantean mucho más complejos. Sea como fuere, esa imagen del vencedor derrotado resume con detalle el modo en que la serie debe interpretarse. Todos los reveses y las pírricas victorias en el mundo digital no hacen sino acrecentar esa idea de que los protagonistas se mueven constantemente en un mundo que no terminan de comprender.

La segunda temporada de Silicon Valley, por tanto, responde a esa idea de más y mejor de cualquier saga cinematográfica (y por qué no, de la tecnología). Lejos de desarrollar únicamente la trama principal ya planteada, la ficción decide apostar por añadir capas dramáticas en forma de tramas y lograr así un enriquecimiento del mundo en el que viven los protagonistas. Lo más satisfactorio es que la serie logra dejarse muy pocas cosas en el tintero, salvo claro está aquellas que deben mantener la historia una tercera temporada ya confirmada. Los personajes crecen, aunque sea a golpe de escarmiento; las tramas evolucionan, y el humor nunca desaparece del todo, ni siquiera en los momentos más dramáticos. Esta nueva temporada confirma que es una producción que no debe ignorarse.

‘Transformers: La era de la extinción’: el transformio lo destruye todo


Optimus Prime deberá afrontar su mayor desafío en 'Transformers: La era de la extinción'.Ahora mismo no recuerdo ninguna saga cinematográfica que haya sido controlada por un único director/productor y haya sobrevivido para contarlo. Creativamente hablando, claro está. Y es que cuando un creador pasa demasiado tiempo enfrascado en un proyecto tras otro de características similares tiende a crear un bucle del que es muy difícil salir. Y si es alguien como Michael Bay (Dos policías rebeldes), lo normal es que dicho bucle se convierta en una orgía de destrucción, adrenalina y espectacularidad sin parangón. Esto no sería algo necesariamente malo si no fuera porque tras la fachada (y menuda fachada) debe existir una estructura sólida. Y por desgracia, ni siquiera el director es capaz de ocultar cosas como la nueva entrega de ‘Transformers’.

Cuando una película, a pesar de su espectáculo visual y de sus impecables efectos visuales y digitales, tiene momentos de tedio y diálogos que no van a ninguna parte algo falla. El texto escrito por Ehren Kruger, autor principal de esta saga cinematográfica, hace aguas en buena parte de su desarrollo, que por cierto es un tanto arriesgado para una película de estas características. Más allá de su duración, innecesaria a todas luces, Transformers: La era de la extinción presenta personajes y diálogos que intentan sin éxito recuperar el tono cómico y divertido que tuvieron sus antecesoras, sobre todo las dos primeras. El viaje que realizan Optimus Prime y la familia del personaje interpretado por Mark Wahlberg (El incidente) no termina de llenar los vacíos de acción que posee la trama, que por cierto modifica sustancialmente todo lo visto anteriormente, hasta el punto de convertir a estos robots espaciales en una creación mecánica, dejando aquello de la raza alienígena para otras épocas. Eso por no hablar del “transformio”, nuevo elemento que permite al director explorar vías diferentes de destrucción masiva.

Desde luego, el film gana enteros, y muchos, con las secuencias de acción, aunque incluso en estas se nota el cansancio narrativo y creativo de Bay, que no solo recurre a herramientas habituales en su cine, sino que reitera en numerosas ocasiones dichos recursos por si alguien no se había fijado la primera vez. Sin duda es espectacular, sobre todo en su tercio final con la presentación en sociedad de los Dinobots y esos combates a muerte entre los Autobots y una nueva raza de Decepticons que, como no podía ser de otro modo, recupera para la causa al villano por antonomasia de la saga. La cuestión es si todo esto es capaz de justificar el recorrido hecho con anterioridad. La respuesta dependerá del amor que se tenga por estos míticos juguetes.

Transformers: La era de la extinción se halla a medio camino entre el espectáculo más apabullante y el desarrollo más mediocre que puede conseguirse hoy en día en Hollywood. Desde luego, la película merece la pena gracias a esas transformaciones, a las secuencias de acción y a esos Dinobots que recuperan unos de los personajes más entrañables de las creaciones originales. Pero en ningún caso es una película entretenida. Esta cuarta entrega demuestra la decadencia en la que ha entrado la saga, y pide a gritos una renovación creativa en muchos de sus puestos claves, sobre todo en lo que a guión se refiere. Claro que existen algo más de 1.000 millones de razones para que todo siga igual en una futura entrega que no tardará en llenar las salas de cine y los bolsillos de sus principales responsables.

Nota: 5,5/10

Los Transformers, ante su extinción, y Favreau ante la cocina rápida


Estrenos 8agosto2014Puede que sea coincidencia, pero tras varios fines de semana con numerosos estrenos hoy viernes, 8 de agosto, tan solo cuatro títulos engrosan la lista de novedades en la cartelera española. ¿Y qué diferencia hay con días anteriores? Bueno, pues que los robots alienígenas capaces de transformarse en coches, aviones, tanques y hasta dinosaurios están de vuelta, y eso es motivo más que suficiente para tratar de no competir directamente con ellos. Sobre todo si ya han superado los 1.000 millones de dólares recaudados a nivel mundial. Empero, todavía hay esperanza para aquellos que prefieran algo más tranquilo y con un mayor contenido dramático y emocional gracias al resto de novedades.

Como la actualidad manda, es imprescindible que comencemos el repaso con Transformers: La era de la extinción, cuarta entrega de la saga iniciada por Michael Bay, director de las cuatro, hace ya siete años. Una entrega que cambia a sus actores y que tiene un cierto aire de renovación tras el cansancio creativo que parecía haberse apoderado de las dos secuelas anteriores. Su trama arranca con una espectacular batalla que destruye una ciudad entera pero que logra salvar a la Humanidad. Sin embargo, tras este ataque un misterioso grupo aparece con el objetivo de hacerse con el control de los Autobots, liderados por un Optimus Prime que todavía se recupera de sus heridas. Todo cambiará cuando una amenaza como jamás se había visto llegue a la Tierra con el objetivo de acabar con todo signo de vida, lo que incluye a Transformers y humanos, que unirán sus fuerzas para salvar el planeta al que llaman hogar. Acción, espectacularidad y aventuras sin pretensiones es lo que a todas luces van a encontrar los fans de estos personajes de Hasbro, que en esta ocasión verán en pantalla a Mark Wahlberg (Dolor y dinero), Nicola Peltz (serie Bates motel), Jack Reynor (Cold), Stanley Tucci (Los Juegos del Hambre: En llamas), Kelsey Grammer (serie Boss), Sophia Myles (Outlander), Titus Welliver (Argo) y T.J. Miller (serie Silicon Valley), entre muchos otros.

Aunque como digo, no es el único estreno. De hecho, el que más oportunidades podría tener de competir con la épica de Michael Bay es #Chef, primera película cuyo título es un hashtag de Twitter, lo que ya es de por sí una de las mejores publicidades de los últimos tiempos. Escrita, dirigida y protagonizada por Jon Favreau, responsable del éxito de Iron Man (2008), la película narra el viaje físico y espiritual de un chef que deja su trabajo en un importante restaurante al enfrentarse a un controlador dueño que limita su creatividad. Por circunstancias de la vida termina montando un negocio de comida rápida en una caravana junto a su ex mujer, su hijo y su mejor amigo, lo que le devolverá a sus raíces. Una comedia que ha generado muy buenas sensaciones allá por donde ha pasado y que cuenta con un reparto realmente espectacular en el que se dan cita nombres como los de John Leguizamo (Kick-Ass 2. Con un par), Bobby Cannavale (Blue Jasmine), Scarlett Johansson (Capitán América: El soldado de invierno), Dustin Hoffman (serie Luck), Sofía Vergara (serie Modern Family), Oliver Platt (Amor y otras drogas), Robert Downey Jr. (Iron Man 2), Emjay Anthony (No es tan fácil) y Amy Sedaris (Tanner Hall).

Los otros dos estrenos proceden de Europa. Mil veces buenas noches es un proyecto financiado a tres bandas por Noruega, Irlanda y Suecia y dirigido por Erik Poppe (Hawaii, Oslo) en 2013. Su trama gira en torno a una reportera gráfica especializada en conflictos bélicos que deberá decidir entre su familia y su trabajo cuando su propia vida se vea en peligro durante la realización de su labor. Será en ese momento cuando deba resolver las dudas sobre la importancia de su trabajo en un entorno en el que la muerte es algo habitual. Este drama está protagonizado por Nikolaj Coster-Waldau (serie Juego de tronos), Juliette Binoche (Copia certificada), Maria Doyle Kennedy (serie Los Tudor), Chloë Annett (Pasty faces), Lauryn Canny, Larry Mullen Jr. (Man on the train) y Eve Macklin (serie Love/Hate).

Finalmente, Shirley: Visions of reality es una producción austríaca de 2013 que, a través de los cuadros de Edward Hopper, narra la lucha de una mujer por romper los límites que la sociedad de los años 30 del siglo pasado le impone en todos los aspectos de su vida. Una lucha que afianzará sus convicciones sociopolíticas, culturales y profesionales. Escrita y dirigida por Gustav Deutsch (60 seconds of solitude in year zero), la película cuenta entre sus actores con Stephanie Cumming, Christoph Bach (Blindflug), Florentín Groll (El violín rojo), Elfriede Irrall (Eden) y Tom Hanslmaier (Planet USA).

‘Silicon Valley’ añade crítica al desternillante humor de su 1ª T


Los protagonistas de 'Silicon Valley' tratan de sacar adelante su empresa en la primera temporada.El mundo de las empresas dedicadas a la tecnología, sobre todo al mundo informático, han sido objeto en numerosas ocasiones de tramas centradas en el espionaje industrial y en thrillers con marcado componente digital (ciberterrorismo, hackers, …). Sin embargo, son pocas las ocasiones en las que podemos afrontar una historia de este tipo desde un punto de vista cómico como el que presenta la serie Silicon Valley, cuya primera temporada de apenas 8 episodios finalizó a comienzos de junio en Estados Unidos. En realidad, pocas veces una serie se toma a sí misma tan poco en serio, lo que consigue, aunque parezca una contradicción, un nivel de exigencia narrativo y paródico que la sitúa entre las mejores producciones cómicas de la pequeña pantalla de los últimos años.

Creada por Mike Judge (serie El rey de la colina), John Altschuler y Dave Krinsky, que ya colaboraron en Patinazo a la gloria (2007), la historia se centra en un grupo de jóvenes que buscan su oportunidad en Silicon Valley creando una aplicación capaz de comprimir archivos hasta niveles nunca antes conseguidos y sin perder calidad en el proceso. Y aunque a grandes rasgos la trama principal podría resumirse en esta sencilla frase, la producción se nutre, y de qué manera, de unos personajes tan corrientes como surrealistas. Corrientes porque todos ellos son el vivo retrato de la imagen (errónea) que el gran público tiene de los “frikis” de la informática, es decir, chicos apasionados por los ordenadores y la computación cuyas capacidades para relacionarse con el resto del mundo son algo limitadas. Y surrealistas porque ninguno de ellos es lo que podríamos definir como “normal”.

Ambos conceptos enriquecen la trama de Silicon Valley hasta dejarla, en cierto modo, en un segundo plano. A medida que el desarrollo dramático permite al espectador conocer más en profundidad todos los aspectos de los roles principales el interés por ver cómo es el proceso para llegar a sus objetivos se impone a, por ejemplo, los acontecimientos que se suceden. Poco importa que necesiten un nombre para su empresa; poco importa que no tengan un lobo o carezcan de financiación. Las reacciones a dichas situaciones, la forma en que unos personajes tan diferentes entre sí interactúan para llegar a un logro común es lo verdaderamente relevante y lo que al final provoca una cadena de carcajadas de la que es muy difícil escapar. Evidentemente, de esto tienen buena parte de responsabilidad los propios actores, que más allá de una trama bien estructurada y sencilla incluso para aquellos “infieles” de las nuevas tecnologías, logran hacer que el espectador conecte con sus personajes.

En líneas generales, todo el reparto es excepcional. Desde Thomas Middleditch (Fun size) hasta secundarios como el malogrado Christopher Evan Welch (The master), que murió durante el rodaje de la serie, todos los personajes, con sus luces y sus sombras, crean un mundo único, casi irreal, en el que los problemas a afrontar son, sin embargo, de lo más corriente, incluso demasiado sencillos para el hombre corriente. Aunque si hay que destacar a alguien ese es T.J. Miller (El oso Yogui), cómico relevante en Estados Unidos que dota a su papel de una presencia tal que termina por hacerse dueño y señor de absolutamente todo. Da igual que participe o no en una secuencia, su labor en cada episodio es soberbia, lo que extiende su influencia a todos y cada uno de los planos. No me cabe duda de que la calidad del personaje reside en buena medida en una definición sobre el papel plagada de matices, pero la soberbia que Miller logra aportar a su personaje y ese aspecto a medio camino entre desahuciado y empresario en ciernes es algo único del actor. De algún modo, es un roba escenas que se convierte en el alma de la serie.

Burlarse de los iconos

Prueba de ello es que los mejores momentos de estos primeros capítulos los protagoniza él, desde alguno sencillo como la búsqueda del logotipo ideal de la nueva empresa (con setas alucinógenas, un desierto y unos lavabos de gasolinera incluidos) hasta ese momento del último episodio con una extraña teoría sobre los asistentes a un evento, pasando por una especie de crisis de identidad en la que imita a Steve Jobs, fundador de Apple, en su forma de vestir. Un momento que, aunque más sutil en el balance general de la serie, representa el otro gran elemento de Silicon Valley: la irreverencia por los iconos de ese caldo de cultivo tecnológico al que hace referencia el título, algo que por cierto queda patente en la imagen promocional de la ficción, en la que los protagonistas visten el famoso jersey negro de cuello vuelto mientras imitan la expresión de Jobs.

Puede que el humor con el que se aborda todo en la serie y los personajes tan extravagantes que pueblan el arco dramático resten protagonismo a la ironía con la que se trata el mundo de la informática y los ordenadores, pero no puede desdeñarse el tono sarcástico que en no pocas ocasiones se utiliza para referirse a personajes como Bill Gates, el mencionado Jobs o los fundadores de Google, Facebook o Twitter. Referencias, por cierto, tanto visuales como verbales. A la ya mencionada referencia del jersey habría que añadir la propia guerra de gigantes en la que se ven envueltos los protagonistas y que, no por casualidad, recuerda a la enemistad mantenida entre Microsoft y Apple. Pero hay mucho más: el funcionamiento de las grandes empresas, que tienen trabajadores sin hacer nada para no dejarles irse a la competencia; el espionaje industrial; los coches inteligentes que terminan llevando a un personaje a una especie de isla tecnológica, etc.

Todo ello deja la sensación de estar ante algo más que una sitcom al uso en la que el humor se basa en los personajes. Por supuesto, sin ellos el resultado no sería ni siquiera parecido, y posiblemente terminaría resultando monótono e incluso incomprensible. Pero la serie, y este es uno de sus grandes aciertos, incorpora cada vez más elementos críticos a medida que se suceden los episodios. Este concepto evolutivo con el que se enriquece la trama no solo permite distraer la atención de un argumento, por otro lado, excesivamente simple, sino que ofrece a los personajes afrontar situaciones novedosas y frescas. Sin ir más lejos, el momento en el que el personaje de Zach Woods (Damiselas en apuros) se dedica a proponer negocios de dudosa moralidad a transeúntes para que estos lo valoren recuerda a las encuestas realizadas por las empresas para valorar la satisfacción de sus clientes.

Silicon Valley es, en pocas palabras, un soplo de aire fresco. Puede resultar algo difícil en un primer momento; incluso puede que el episodio piloto resulte extraño. Pero una vez superado ese primer escalón, y sobre todo cuando T.J. Miller se hace con el control de la escena, la primera temporada gana enteros hasta convertirse en una auténtica revelación en este 2014. El hecho de que aúne humor y crítica no hace sino mejorar el resultado final, sustituyendo sus carencias (sobre todo en lo que a argumento se refiere) con conceptos dinámicos y adaptados a unos tiempos en los que Internet y los ordenadores dominan el día a día. Eso sí, viendo el final de esta corta temporada el futuro de la serie y de los personajes será, sin duda, muy diferente. Si a lo visto hasta ahora se le añade una nueva trama más compleja el resultado puede ser imprescindible.

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