La 6ª T. de ‘Homeland’ se apoya en los secundarios para adaptarse


Además de su intensidad dramática, la calidad de sus actores o la solidez de sus tramas, si algo caracteriza a Homeland es su capacidad para reflejar a través de la ficción los matices que dan color a la realidad sociopolítica de Estados Unidos a través de la lucha contra el terrorismo emprendida desde hace años. La quinta temporada fue, en este sentido, simplemente impecable, y la sexta que ahora nos ocupa no se queda atrás. Para entender algunos de los giros argumentales es importante tener presente el contexto electoral que ha vivido el país norteamericano, la elección de Donald Trump y los atentados que se suceden en las capitales europeas. Todo ello aporta un prisma diferente a lo relatado en estos 12 episodios de esta serie creada por Alex Gansa (serie Maximum Bob) y Howard Gordon (serie Tyrant), ya de por sí interesante por la cantidad de tramas secundarias conectadas entre sí.

Porque independientemente de la carga política o de la manipulación mediática que contiene esta temporada, de las que hablaremos más adelante, esta ficción encuentra uno de sus pilares más sólidos en el tratamiento de los personajes y, sobre todo, en las relaciones que se establecen entre ellos. Sin miedo a la evolución que puedan sufrir a raíz de lo vivido en las anteriores temporadas, los protagonistas afrontan sus errores, sus miedos y sus frustraciones tratando de arreglar algo que tiene difícil solución. Las tensiones dramáticas que esto genera, las sensaciones de culpabilidad y de autodestrucción, otorgan al conjunto una profundidad dramática pocas veces vista incluso en esta serie, fruto sin duda de la evolución y de aprovechar el bagaje de esta longeva serie. No queda ahí la cosa. Sus creadores, al igual que ya ocurrió en la tercera temporada, afrontan sin miedo el presente y el futuro de los protagonistas. Si uno tiene que quedar impedido física y mentalmente, adelante. Y si su final tiene que ser la muerte, pues adelante también.

Esta posiblemente sea la clave del éxito de Homeland. Es cierto que el análisis político y social de la actualidad norteamericana y mundial otorga un peso específico sin igual, sobre todo por el modo en que se aborda, pero es el tratamiento dramático el que eleva esta serie hasta niveles que, en mi opinión, no se habían alcanzado en temporadas anteriores. Da la sensación de que la producción es capaz de evolucionar sin límite, pudiendo llevar a los personajes por caminos cada vez más difíciles de afrontar. Evidentemente, el contexto en el que se desarrollen las tramas siempre es cambiante, sobre todo en la realidad en que vivimos, pero más difícil resulta hacer creíble y coherente las peripecias dramáticas del personaje interpretado por Claire Danes (El caso Wells) y compañía, y no digamos ya encajarlas en la trama política de turno.

Ese punto de conexión es lo que define el carácter de la serie, y la sexta temporada lo ha sabido explotar al máximo. Por primera vez, sus responsables no solo han aprovechado el camino recorrido, sino que han introducido la variable de la hija de la protagonista para generar una tensión dramática sin igual. Es cierto que el personaje había sido utilizado de algún modo para acentuar el carácter del rol de Danes, pero ha sido en estos episodios en los que su presencia se ha tornado fundamental para comprender algunas decisiones y la evolución de la trama principal. De este modo, además del pasado adquiere especial protagonismo el futuro de esta ficción, cuyo final en esta etapa deja la puerta abierta a un interesante tratamiento político que, a buen seguro, aprovechará todo lo que pueda ofrecer el polémico presidente Trump.

Cambio de previsiones

Como decimos, el éxito de Homeland no radica únicamente en el peso dramático de sus tramas o en una soberbia definición de personajes, sino también en su capacidad de aproximarse a los acontecimientos reales que tienen lugar, algo en lo que, por cierto, se ha especializado a partir del giro experimentado tras la primera temporada. En esta ocasión las elecciones presidenciales de Estados Unidos han copado el interés político y social del argumento, aunque con unos matices tan enriquecedores como admirables. Con un comienzo que remite claramente a la posibilidad de que Hillary Clinton fuese elegida Presidenta, el final de esta sexta temporada da un giro al personaje interpretado por Elizabeth Marvel (El año más violento) para asemejarlo más al actual inquilino de la Casa Blanca.

Lo más destacable, sin embargo, no es este cambio en sí, sino el modo en que se construye la trama y se aprovechan todas las historias secundarias para producir ese cambio de forma orgánica, progresiva y coherente. Desde la manipulación mediática, hijo muerto mediante, hasta la implicación de los servicios de espionaje en una conspiración interna dentro del poder, la serie construye un relato en el que cualquier mirada puede representar un punto de inflexión y tener un significado crucial para comprender lo que está por llegar en ese momento. Si bien es cierto que estos 12 episodios precipitan la acción en su tercio final de un modo un tanto tosco, no lo es menos que esa sensación de que se quieren introducir con calzador cambios poco naturales queda suavizada por el trabajo previo, amén de una estructura dramática perfectamente construida sobre un entramado de arcos argumentales que se nutren entre ellos.

Esto permite, por ejemplo, que secundarios aparentemente intrascendentes adquieran protagonismo fundamental en los momentos clave. Posiblemente sean ellos los que permitan a sus creadores llevar el sentido de la historia hacia una u otra dirección, sin que el conjunto se vea excesivamente mermado. Me refiero, por ejemplo, al personaje de Shaun Toub (Juego de armas), cuya mentira ante la Presidenta electa da un giro completo al sentido dramático de la serie, poniendo a los personajes ante un abismo y a los espectadores en una situación de superioridad (informativamente hablando). Su caso es el más evidente, pero muchos otros confirman esa idea de que la serie se consolida sobre las historias secundarias, sobre los datos aparentemente complementarios que terminan definiendo el verdadero destino de los personajes.

Y poco a poco, Homeland sigue consolidándose como una de las mejores producciones del momento. Superado ya el “bache” de la tercera temporada, y habiendo demostrado con creces que la historia tiene fuerza para vivir sin la premisa original, esta sexta temporada da un nuevo paso y no solo confirma su peso dramático, sino que traslada la acción a Estados Unidos para unir bajo el mismo techo el terrorismo islámico, las conspiraciones internas contra el Gobierno, las manipulaciones de espías y medios de comunicación, y el poder de convicción que puede llegar a tener un cóctel de semejante calibre. El final del último episodio deja abierta una puerta peligrosa tanto para los protagonistas como para el futuro de la trama en sí. No tanto porque genere problemas a la hora de desarrollarse, sino porque amplía el abanico de posibilidades de forma casi exponencial, lo que obligará a elegir bien el siguiente paso. Sea como fuera, casi con toda seguridad que la actualidad volverá a definir el trasfondo.

‘Grimm’ ata todos sus cabos sueltos en un final apresurado


No es algo infrecuente en las series de televisión, pero eso no lo convierte en una decisión precisamente acertada. La necesidad de muchas productoras de dar a sus creaciones un final más corto y, por tanto, más condensado, obliga a los ‘show runners’ a condensar en pocos episodios las historias que habitualmente desarrolla en un espacio narrativo más amplio. La serie Grimm es un nuevo caso, aunque en esta ocasión el resultado es relativamente satisfactorio, siempre y cuando no tengamos en cuenta el final feliz de cuento de hadas que proponen Stephen Carpenter (El jefe), David Greenwalt (serie Ángel) y Jim Kouf (Hora punta).

Porque, aunque se ajuste a esa idea de un cuento en el mundo real, lo cierto es que la conclusión de esta sexta y última temporada deja un sabor agridulce, básicamente porque su desarrollo dramático es mucho más complejo, oscuro y desasosegante de lo que ha sido cualquier otra etapa anterior, poniendo a los protagonistas ante un enemigo imposible de vencer. Esto, unido a los 13 episodios que contiene la temporada, hace que la trama adquiera una fuerza inusitada, entre otras cosas también porque no es necesario desarrollar prácticamente ningún nuevo personaje, salvo el villano de turno, dejando más tiempo para llevar a los personajes hasta situaciones extremas.

El problema es que todo eso se destruye como por arte de magia. Bueno, según se mire es literalmente por arte de magia. Todo lo que se había construido, todo el viaje que realiza el espectador, queda en nada. Y para ello se utiliza, por si fuera poco, un ‘deus ex machina’ cuanto menos cuestionable que deja todo atado y bien atado en un final amable, azucarado y plagado de emociones, con un epílogo que resulta incluso más interesante y acertado que el recurso resolutivo de esta temporada de Grimm. La pregunta que se plantea es si una temporada más larga habría sido más o menos beneficiosa, o si al menos habría cambiado el modo de afrontar el final, aunque lo más probable es que no.

De ahí el sabor agridulce. A pesar de que el modo en que se aborda la trama resulta interesante (con sus matices, que analizaré a continuación), la conclusión de la serie resulta un poco tosca en tanto en cuanto se intercambia el equilibrio de fuerzas entre héroe y villano casi por arte de magia, sin una explicación (al menos no una lo suficientemente convincente, incluso para el mundo de fantasía en el que transcurre) y deshaciendo todo lo visto hasta ese momento. Da la sensación, y es solo eso, una sensación, de que la decidida apuesta por un final tan dramático como apocalíptico que se mantiene a lo largo de toda la temporada no gustaba demasiado y hubo que cambiarla en un giro final. Como digo, es solo una sensación, pues lo más normal es que estuviera planificado de este modo a tenor de cómo se desarrollan los acontecimientos.

Combinación extrema

Pero decía que en esta última temporada de Grimm existen varios matices en el desarrollo del arco dramático. A pesar de la fuerza que exhibe, fundamentalmente porque sus creadores no tienen miramientos a la hora de mostrar las consecuencias de los actos de sus protagonistas, existe en estos 13 capítulos una necesidad imperiosa de cerrar las tramas secundarias en una especie de final argumental común. De ahí que aparezcan personajes casi de la nada que ayudan a cerrar algunos hilos, amén de una serie de situaciones que, aunque perfectamente integradas en la historia, vistas en perspectiva resultan un poco forzadas. En cualquier caso, son problemas menores de una combinación extrema de factores que pone el broche a una serie que ha sabido crecer a medida que lo hacían sus personajes y sus tramas.

Y es que, aunque es cierto que esta temporada final puede resultar algo forzada en muchos de sus giros argumentales, algo que ya ocurrió en menor medida en la anterior, e incluso estuvo personificado en el rol que interpreta Elizabeth Tulloch (The Artist), el balance general de la serie solo puede ser positivo. A lo largo de estas seis entregas esta ficción dramática y fantástica ha sabido aprovechar los mejores recursos narrativos y artísticos y los ha potenciado para crear una trama compleja, alejada cada vez más del formato episódico de caso policial y entregándose a algo superior, con una mayor repercusión a nivel emocional y aprovechando las posibilidades que ofrecía el desarrollo y los giros dramáticos planteados a lo largo de los años, evidentemente salvo contadas excepciones como la expuesta aquí o en análisis previos.

En lo que a estos 13 capítulos se refiere, la limitación en la duración de la serie no ha impedido componer una línea argumental coherente, a diferencia de otras series. Y eso es, en buena medida, porque sus creadores han sabido aprovechar los pilares dramáticos creados en las temporadas anteriores. Desde las relaciones entre los personajes, cuyas modificaciones han dejado un mosaico de sentimientos de lo más interesante, hasta aspectos como el palo que obtiene el protagonista o los poderes de algunos roles, todo se ha aprovechado para una conclusión a la que se le quieren dar tintes épicos y que, hasta cierto punto, los tiene. El problema, reitero, es precisamente que esa fusión de cabos sueltos no es tan orgánica como debería en algunos momentos, sobre todo en su tramo final, los que deja esa sensación agridulce que mencionaba al principio.

En líneas generales, Grimm ha sido una serie para disfrutar de la fantasía, una producción policíaca diferente, fresca y original como pocas que ha sabido reinventarse a cada paso. Valiente con muchas de sus decisiones y cobarde en otras (sobre todo en lo referente a los protagonistas), la ficción logra en su última temporada un broche que ejemplifica a la perfección lo que han sido estas seis etapas: sólidas en su planteamiento inicial, algo más endebles en los riesgos que debe tomar y en el dramatismo que le quiere dar al conjunto. El balance solo puede ser positivo, y aunque no sea uno de los grandes títulos de la pequeña pantalla, sí es algo sumamente recomendable para los fans del género. Ver crecer a una serie en todos sus aspectos siempre es gratificante, incluso cuando en ese crecimiento se arrastran algunos problemas.

‘American Horror Story: Roanoke’, nuevo formato para una historia conocida


Los actores de 'American Horror Story: Roanoke' viven un infierno en la mansión.Es difícil que una serie como American Horror Story logre mantenerse durante tantas temporadas como uno de los productos más originales de la televisión. Primero porque la idea de que cada temporada sea una historia diferente tiene el riesgo inherente de perder la conexión con los espectadores. Y segundo porque es complicado encontrar historias que sean capaces de llenar tantos episodios. La prueba está, de hecho, en el irregular desarrollo de las temporadas. Por eso resulta un soplo de aire fresco esta sexta etapa, que bajo el título de Roanoke toma como referencia a la conocida como “Colonia perdida” para adentrarse en un subgénero de terror que hasta ahora no habían abordado Brad Falchuk y Ryan Murphy (serie Glee).

Desde luego, lo más original de esta temporada de 10 episodios es su formato. Narrado como una serie basada en hechos reales que utiliza los testimonios de las personas que vivieron la pesadilla, la ficción juega en diversos niveles dramáticos para introducir al espectador en una historia con visos de realidad. Este juego de la televisión dentro de la televisión tiene, evidentemente, su lado positivo y su lado negativo. Lo positivo es que a través de la dramatización de los hechos y la reacción de los presuntos personajes reales la historia tiene acceso a una serie de conflictos dramáticos vistos desde diferentes puntos de vista casi a tiempo real, como si de un reality show se tratara.

En el lado opuesto, es lógico pensar que, dado que los héroes de la historia relatan su propia odisea, sobreviven al final de la misma, lo que siempre resta dramatismo a lo que se muestra en pantalla. De ahí que, aunque el carácter dramático se intensifica, la tensión narrativa se diluye lentamente, dejando todo el espacio al terror y el gore propios de esta serie. Sin embargo, y a diferencia de otras temporadas, American Horror Story: Roanoke soluciona este problema de una forma aún más original si cabe. La propia temporada se divide en dos partes claras, siendo la segunda una suerte de continuación en la que personajes reales y los actores que les interpretan conviven en el mismo infierno que relataban en la primera parte.

Evidentemente, todo sale mal, y la muerte es la constante en cada personaje, pero independientemente de todo eso lo interesante radica en el modo en que Falchuk y Murphy aprovechan las debilidades dramáticas de su historia para darle una vuelta y convertirlas en motor de un argumento nuevo aunque similar. Por supuesto, esta segunda parte también tiene ciertas debilidades, entre ellas las motivaciones de algunos personajes, pero a pesar de todo esto permite ahondar en tramas personales mucho más profundas y que remiten a las relaciones entre madres e hijos, entre maridos y mujeres y, por qué no, entre el mundo del espectáculo y la vida real.

Carniceros, cerdos y locura

El cambio que sufre American Horror Story: Roanoke en su forma de narrar los acontecimientos es, sin duda, lo más llamativo de esta serie que ha tenido que recurrir a esta apuesta formal para evitar repetirse en sus conceptos más básicos. Y es que salvo esta idea, bien diseñada y elaborada, el resto de la temporada recupera pilares de temporadas anteriores, ya sea la locura, el canibalismo o los fantasmas. En realidad, en algunos momentos llega a repetir algo más que a los actores, recurriendo a situaciones que recuerdan poderosamente a las vividas en algunas de las mejores etapas de esta ficción. La pregunta que cabe hacerse es si esto es algo negativo en sí mismo.

Para gustos los colores, está claro, pero personalmente considero que la forma en que se integran estas ideas con la trama abordada en la serie y con el modo en que se cuenta hacen que sea algo novedoso, diferente y dinámico. La apuesta en la segunda parte de la serie por la cámara en mano al más puro estilo El proyecto de la bruja de Blair (1999) -por aquello de que transcurre en un bosque- es un acierto más que notable, tanto por el carácter realista que aporta al conjunto como por el dramatismo de ver las consecuencias de los asesinatos (sangre saltando por todas partes, rostros desencajados, etc.) antes incluso que el propio acto en sí. De este modo, la serie logra imprimir una fuerza visual muy poderosa a una historia que puede parecer menor, en algunos momentos incluso algo ilógica.

Con todo, es de justicia reconocer que el argumento es algo más que terror, y desde luego algo más que gore. Si la primera parte de la temporada puede resultar un tanto simplista, por aquello de que se sabe de antemano cómo va a terminar, la segunda adquiere un dramatismo mucho mayor, tanto por los conflictos que se generan entre personajes como por las reacciones ante unos acontecimientos que ya no son ficción a pesar de que, al principio, lo consideran parte del show. Estos componentes dramáticos dentro del contexto del horror, la violencia y la locura que definen a la serie es lo que la dotan de una mayor entidad, de una seriedad que se intuye en todo momento, pero que puede perderse de vista en los primeros episodios si se atiende únicamente al concepto de realidad ficcionada.

Por varios motivos, American Horror Story: Roanoke es una de las temporadas más originales de la serie. Personalmente creo que una de las mejores, pues a pesar de sus debilidades ofrece algo diferente, algo fresco, explorando esa vía de nuevo terror que nació con el nuevo siglo y que, hasta ahora, había estado vetada en esta producción. El hecho de que, además, se introduzcan conflictos personales en la historia, derivados muchos de ellos de las propias decisiones de los personajes, lleva la trama a un nivel diferente, más complejo o, por lo menos, más rico en matices. Desde luego, no es una temporada perfecta, pero junto a American Horror Story: Hotel es una de las que más recuerdan a aquella joya que fue la primera temporada.

‘Juego de tronos’ logra su máximo esplendor en su 6ª temporada


Jon Nieve a punto de entrar a luchar en la batalla de los bastardos en la 6ª T. de 'Juego de tronos'.Si alguien quiere entender por qué Juego de tronos es una de las mejores producciones televisivas de la actualidad, si no la mejor; si alguien quiere entender por qué la serie que adapta las novelas de George R.R. Martin es una de las mejores de la historia; y si alguien quiere entender, en definitiva, el fenómeno adaptado a la pequeña pantalla por David Benioff (Cometas en el cielo) y D.B. Weiss que atrae tanto a los fans como a los mayores detractores de la fantasía, que se siente a ver con pausa y atención la sexta temporada. Porque no solo es la mejor entrega, sino que posiblemente sea el mejor desarrollo narrativo y de personajes que se vea en una producción cinematográfica o televisiva.

Los 10 episodios que componen esta etapa son, de forma individual y en su conjunto, una carrera hacia adelante perfectamente ejecutada. Una de las mayores críticas que se han hecho a la serie (y que en comentarios anteriores he suscrito) es la falta de desarrollo de algunas tramas, lo que deriva en falta de ritmo en muchos momentos de la historia, que necesita situar a los personajes en el tablero de juego que representa Poniente. Una carencia que no solo ha sido subsanada en esta primera temporada libre del yugo de las páginas impresas de Martin, sino que ha sido sustituida por una constante sucesión de giros argumentales que, además de hacer avanzar la trama a pasos agigantados, ha permitido a los personajes crecer y convertirse en lo que se espera de ellos desde hace mucho, mucho tiempo.

El mejor y más claro ejemplo es el de Sansa Stark, una Sophie Turner (X-Men: Apocalipsis) que por fin ha salido del cascarón para convertirse en el personaje que se intuía ya desde la cuarta temporada. La evolución que ha tenido, aunque irregular, es tan espectacular que roba buena parte del protagonismo al resto de roles que rodean a esta pelirroja de carácter cada vez más fuerte. Su papel en el destino de Invernalia y de los personajes involucrados en esta trama principal no solo es clave, sino que se antoja indispensable para el futuro, siendo por tanto el catalizador de la evolución que sufra la serie desde este punto de vista. Asimismo, el papel de Emilia Clarke (Terminator: Génesis), aunque fuerte desde las primera temporadas, parecía tener también un carácter dubitativo que se pierde por completo en estos episodios, lo que define mejor al personaje y le dirige hacia un final que se presume apoteósico.

Porque, en efecto, la sexta temporada de Juego de tronos es lo que podría considerarse como el paso del segundo al tercer acto de la historia. Todos los personajes, sin excepción, han dejado a un lado sus dudas existenciales, los problemas que arrastran o los dilemas morales y sociales que les impiden avanzar para dar rienda suelta a su verdadera personalidad, a sus deseos largamente anhelados pero siempre ocultados bajo capas y capas de intereses familiares, de problemas externos o de decisiones equivocadas. Una decisión dramática que tiene sus consecuencias, es cierto (sin ir más lejos, que los personajes lleguen a descontrolarse), pero que en esta ocasión, y dado que hay una base más que sólida de cinco temporadas, no solo es necesaria, es perfecta.

Menos personajes, más impacto

Aunque posiblemente la mejor decisión de los creadores, y eso es algo que puede deberse a que la historia ha adelantado a las novelas, es la eliminación de muchos, muchísimos personajes secundarios de cierto peso que terminaban por lastrar el avance de la historia precisamente por el interés de sus tramas particulares. Gracias a esta apuesta la trama no solo se carga de mayor peso dramático, sino que se aligera de historias que tenían poco o ningún sentido, centrándose en las intrigas principales, léase Lannister, Stark y Targaryen. Esta alternativa de Benioff y Weiss tiene su principal efecto en los numerosos momentos de carga dramática y espectacularidad de la temporada, posiblemente más que ninguna de sus predecesoras, aportando un dinamismo nunca visto hasta ahora.

Claro que a esto se suman villanos de nuevo cuño cuya fuerza es tal que convierte a los tradicionales “malos” en auténticos angelitos víctimas de un dolor y una humillación sin precedentes. Pero no hay que olvidar que estamos hablando de Juego de tronos, donde la venganza no es que se sirva fría, es que directamente es un témpano de hielo. Pero refranes aparte, lo cierto es que la introducción de estos antagonistas, muchos de la temporada anterior, dota al conjunto de una frescura incomparable, pues genera nuevas tensiones dramáticas que complementan a las ya existentes y a las creadas también por la muerte o partida de esos personajes secundarios.

Antes he mencionado que esta temporada, la sexta, es posiblemente la que posea más episodios determinantes. Los más fieles seguidores estarán acostumbrados a que el episodio 9 sea el gran evento. Ya en la anterior temporada los últimos capítulos fueron, en realidad, todo un ascenso dramático y épico de consecuencias imprevistas. Pero en esta, en parte también por el precedente de la quinta, son prácticamente todos los episodios que impactan al espectador, ya sea por su fuerza épica, dramática o de intriga. Sin revelar grandes detalles, el episodio tres, el cinco, el ocho son grandes ejemplos para los guionistas acerca de cómo manejar los tiempos narrativos para generar emotividad, dramatismo o suspense. La pregunta que se plantea entonces es: ¿si la temporada es así, qué ocurre en el noveno episodio? Bueno, digamos que posiblemente es el mejor de toda la serie, y que contiene una de las mejores batallas del séptimo arte.

Y como colofón, un último episodio que no solo deja las piezas perfectamente agrupadas para la esperada guerra entre familias, sino que desvela, por fin, a qué podría hacer referencia esa ‘Canción de Hielo y Fuego’ que da nombre a la saga literaria. El origen de uno de los personajes más importantes de la serie permite la cuadratura del círculo, la integración de todas las historias. Y abre ante el espectador un futuro prometedor que, de repetir lo conseguido en esta secta temporada de Juego de tronos, convertirá a la serie en un pilar narrativo y audiovisual fundamental para el futuro del cine y la televisión. Un esplendor que, todo hay que decirlo, es difícil que se repita, pero que en cualquier caso convierte a esta etapa en la mejor de la serie. Y con el esplendor ha llegado el invierno.

6ª T. de ‘The Walking Dead’ (y II), ¿quién caza a quién?


Jeffrey Dean Morgan pone en serios aprietos a los protagonistas de la sexta temporada de 'The walking dead'.Como parecía lógico, la segunda parte de la sexta temporada de The Waling Dead se ha convertido, por derecho propio, en una de las mejores etapas de la serie. Lógico porque, conociendo un poco la narrativa del cómic, la producción tenía que afrontar definitivamente al mejor villano que ha salido de la mente de Robert Kirkman. Pero también porque los primeros ocho episodios sientan las bases de un futuro que, aunque con breves pinceladas, se antoja difícil, trágico y violento. La duda que podía quedar era el modo en que esto se llevaría a cabo y, sobre todo, si sería efectivo.

El resultado es un crescendo dramático sin parangón. El contraste entre el final de la primera parte y el comienzo de esta segunda es el mejor ejemplo. Estos nuevos ocho capítulos dejan sin respiración casi desde el comienzo, afrontando uno de los momentos más trágicos de toda la historia y que, personalmente, nunca llegué a pensar que fuese a realizarse en televisión. Un acontecimiento que, en realidad, marca la pauta de todo el desarrollo posterior, dejando a un lado el desarrollo de personajes para centrarse en los aspectos más violentos, gore y salvajes de esta compleja producción.

Desde este punto de vista, la sexta temporada de The Walking Dead diferencia, posiblemente más que ninguna otra etapa, las dos partes en su historia. Frente a los dilemas morales y sociales que implica juntar a personajes transformados por las circunstancias con otros engañados por una falsa seguridad, esta nueva etapa ahonda en la lucha entre grupos sociales, en la necesidad de sobrevivir a toda costa luchando por lo que uno cree que le pertenece.

Esto permite, por supuesto, un cierto desarrollo dramático que abre las puertas a un mundo mucho mayor, más rico en personajes e indudablemente más interesante. Sin embargo, el estudio de dichos personajes queda relegado a un segundo plano, ya sea porque no hay tiempo para explorarlos más a fondo o, simplemente, porque esa es una tarea que se afrontará más adelante. En cualquier caso, esa cierta “carencia” se suple con la tensión dramática que aumenta episodio a episodio y que, al final, llega a ser casi insoportable.

Entre salvajes anda el juego

Pero sin duda lo mejor que ofrece esta sexta temporada de The Walking Dead es su capacidad para introducir poco a poco, como si de un tratamiento médico se tratara, los nuevos enemigos del grupo protagonista. Y lo hace, a diferencia de lo que ocurrió con el Gobernador o con otros villanos, de forma sutil, casi casual, como si la coincidencia quisiera que se encontraran en una carretera.

A través de secuencias más o menos cortas, el guión inicia un patrón que sitúa a los personajes interpretados por Andrew Lincoln (Pago justo), Norman Reedus (Sky), Steven Yeun (Orígenes), Danai Gurira (Almas condenadas) y el resto de protagonistas en el centro de una telaraña en la que los papeles de cazador y presa se intercambian lenta pero inexorablemente. Un pequeño encuentro con tres personajes a los que salvar, un cruce en una carretera, un breve ataque, … Todos y cada uno de esos momentos generan una corriente que desemboca en ese espléndido final no apto para cardíacos que, en efecto, genera frustración, pero que confirma a Jeffrey Dean Morgan (Watchmen) como un Negan irremplazable.

Claro que al igual que se introduce a este nuevo grupo de salvajes (por cierto, palabra clave de aquí en adelante en esta serie), la trama aprovecha esa necesidad de huir hacia adelante en la historia para presentar nuevos héroes y dejar abierta la puerta a los que están por llegar. Aunque el impacto de esta segunda historia, que corre en paralelo con la principal, queda relegada a mera sombra ante el impacto que supone la presentación de los ‘Salvajes’ de Negan, entre otras cosas porque estos últimos parecen carecer de piedad o de una organización social que no esté marcada por la violencia y el sadismo.

Sin duda, el final de la sexta temporada de The Walking Dead es polémico y deja un gancho que debe ser bien manejado por los creadores de la serie para mantener el nivel conseguido en esta segunda parte de la temporada. Dicho de otro modo, la paliza mortal que propina Negan, rodada de forma magistral, por cierto, debe eliminar del reparto a un personaje relativamente importante, tal y como ocurre en el cómic. Pero eso centrará otro análisis. Por ahora, es posible que estemos ante una de las mejores etapas de esta magnífica ficción.

Daños colaterales de la violencia en la 6ª T de ‘Hijos de la Anarquía’


Los 'Hijos de la Anarquía' deben encontrar una nueva sede en la sexta temporada.Hay pocas series capaces de mantener un alto nivel dramático temporada tras temporada. Y son muchas menos las que dejan al espectador pegado al asiento con una sensación de tensión del modo en que lo hace Hijos de la Anarquía. Su sexta temporada ha sido, en todos los sentidos, una joya de la televisión que, como viene siendo habitual en la producción creada por Kurt Sutter (serie The Shield), no tendrá el reconocimiento que pide a gritos etapa tras etapa. Y es que si algo se ha conseguido en estos nuevos 13 episodios es encaminar la brutalidad de la que siempre ha hecho gala la serie hacia un ocaso brillantemente planificado y mejor ejecutado que elimina del tablero flecos que lastraban la acción y dirige su futuro hacia un dramatismo que augura una venganza incluso más salvaje de lo visto hasta ahora. ¡Ah¡, y para aquellos que todavía no hayan podido ver la temporada, encontrarán en este análisis diversos spoilers que no pueden ignorarse.

A pesar de ese ocaso, de esa evidente luz al final del túnel que se percibe en buena parte de la temporada, la estructura narrativa sigue intacta. Sus responsables vuelven a jugar con la intriga de los planes elaborados por el personaje de Charlie Hunnam (Pacific Rim) y el resto de miembros del club, cuyas crisis internas siempre quedan apartadas ante los problemas que les llegan desde el exterior. La forma en que SAMCRO aborda su salida del negocio de las armas se antoja algo menos elaborada que las maquinaciones ideadas en temporadas anteriores, pero como compensación se vuelven más brutales, demostrando una vez más que un golpe sobre la mesa muchas veces surte más efecto que días de conversaciones. El episodio en el que todo se desarrolla, que no por casualidad coincide con el comienzo del tercer acto del arco dramático de la temporada, es tan salvaje como brillante, tan liberador como coherente con el devenir de los personajes y la serie. La muerte del personaje de Clay, de nuevo con los rasgos de Ron Perlman (Hellboy), es uno de esos momentos delicados para cualquier guionista por la relevancia que posee dramáticamente hablando. Su resolución no podría haber sido mejor, equilibrando el odio y el respeto hacia un rey caído.

Una de las mejores bazas que siempre ha exhibido Hijos de la Anarquía es la relación que todos los acontecimientos tienen entre sí. En la anterior temporada se plantearon una serie de nuevos secretos que en esta ocasión, más que resolverse, generan nuevas controversias que llevan a varios personajes al límite. Sin ir más lejos, la unión con el personaje de Jimmy Smits (Madres e hijas) se basa cada vez más en las decisiones personales del club, lo que provoca una de las líneas argumentales de la próxima y última temporada. Empero, posiblemente el personaje que mejor represente dichos secretos sea el de Theo Rossi (Kill theory), cuya evolución a lo largo de las últimas etapas ha sido de las más dramáticas e interesantes de la serie. Su pasado afroamericano y su traición al club le llevan a una tortura personal e interna que genera toda una oleada de traumas, malas decisiones y peores consecuencias. Puede que se haya alargado en exceso su tratamiento, pero sin duda ha sido eso lo que permite que la conclusión de la temporada sea, al menos para él, lo suficientemente siniestra como para convertirle en un muerto andante.

Y aunque en esta ocasión son menos evidentes, las referencias a la obra de William Shakespeare siguen nutriendo el conjunto para convertirlo en una obra diferente que no permite ni un segundo de descanso o distracción. Cualquier conversación, cualquier mirada o detalle, se convierten en determinantes para entender el futuro. Ahí está, por ejemplo, la confesión que hace el personaje de Rossi en un intento de suicidio, algo que precipita los acontecimientos hacia un final que se antoja trágico. Y ahí está, por supuesto, la confidencia por la que el rol interpretado por Katey Sagal (Jack and the beanstalk) termina dando un giro inesperado a esta temporada. Esta secuencia de pocos minutos remite directamente a diferentes obras del dramaturgo inglés, lo que en último lugar consolida el carácter dramático de la serie casi por encima de la violencia que utiliza para resolver los conflictos.

El final de los finales

Hijos de la Anarquía le queda una temporada, pero todo apunta a que será una temporada para resolver ciertos flecos que todavía quedan colgando de esta sexta entrega. La verdad es que el episodio final, con el brutal asesinato de Tara (Maggie Siff, vista en Hazme reír), es la verdadera conclusión de una serie definida por la muerte y la violencia. Es lo que suele ocurrir cuando un personaje que se define como “intocable” no solo es tocado, sino mutilado. Independientemente del vacío que deja en la serie, su ausencia es lo que podríamos definir como un totum revolutum, un clímax que pone patas arriba todo el mundo que rodea a la serie. Sobre todo si tenemos en cuenta que junto a su cuerpo aparece el de otro rol secundario de relativa importancia. Esa estampa final enrojecida por el color de la sangre es el colofón perfecto para una ficción en la que los daños colaterales siempre han estado muy presentes, como demuestra el hecho de introducir en esta etapa a una chica cuya madre murió en el accidente del padre del protagonista, o los acontecimientos del primer episodio, uno de los mejores de la temporada narrativamente hablando.

De hecho, y aunque pueda resultar chocante y hasta irritante, la decisión de terminar con el personaje se ajusta a esa idea de los efectos secundarios. Un grupo de personajes que viven en y de la violencia pueden morir. Es su ley de vida, y el espectador lo acepta como algo factible y lógico. Pero que desaparezcan personajes en principio inocentes es algo que deja una huella mayor y genera un mayor daño a los protagonistas. Parece lógico pensar que el rol de Hunnam debe sobrevivir a todo lo que le ocurra, pero sería imperdonable que un hombre con tantos claroscuros no sufra algún tipo de castigo. Ya lo vivió con la muerte de su mejor amigo, y ahora le toca el turno a alguien más cercano. Con esto, Sutter cierra el principal arco dramático de la serie para resolver en los últimos episodios las venganzas y traiciones que todavía puedan quedar pendientes.

Todo esto me lleva a un concepto nuevo en esta temporada. Los que sigan la serie con asiduidad habrán comprobado que los planes de este club de moteros siempre se resuelven con un golpe maestro que les coloca en la cúspide de los diferentes reinos que luchan por el poder. Ahora bien, lo que nunca se había planteado es que se intrigase de forma paralela. El hecho de que el personaje de Siff elabore un intrincado plan para alejarse de SAMCRO es algo que hasta ahora se había mantenido, en mayor o menor medida, al margen. El espectador, como buen miembro del club, asiste un tanto ignorante a lo que planea la mujer del protagonista hasta que ya es demasiado tarde. Sus recursos, adquiridos en cierto modo por su convivencia con el personaje de Sagal, reflejan no solo sus deseos de romper lazos con ese mundo de violencia, sino el grado de integración que tiene con dicho entorno. Una dualidad que la actriz logra expresar con acierto y que enriquece y hace más complejas las relaciones humanas entre los personajes.

La anterior temporada de Hijos de la Anarquía presentó al protagonista con un líder implacable y violento que contrastaba con la imagen previa que se tenía de él. Esta temporada ahonda en dicho carácter para evidenciar los problemas que surgen y las consecuencias imprevistas que tiene el salvaje mundo en el que vive. Gracias al equilibrio entre intriga, acción y drama que derrocha, esta etapa se convierte en una de las mejores de toda la ficción, y posiblemente en la más sangrienta de todas. Una temporada, eso sí, con un cierto sabor amargo en el fondo del paladar. No es que algo chirríe en el conjunto (si acaso algunas actitudes de Maggie Siff, necesarias por otro lado para hacer avanzar la acción). El problema es que se acaba. Sobre estos 13 episodios planea la sensación de que una etapa termina. Eso sí, la conclusión se anuncia épica.

‘Castle’ empieza a mostrar síntomas de fatiga en la sexta temporada


'Castle' y Beckett resuelven los casos más extraños en la sexta temporada.Ya se intuía en la pasada temporada y se ha confirmado en esta. La serie Castle está llegando, poco a poco, a su fin. Tras una cuarta temporada espléndida y una quinta temporada divertida, la sexta se ha revelado como un vehículo para ir atando todos los cabos sueltos que podían quedar en la trama. O mejor dicho en las tramas, porque si algo han tenido de bueno estos 23 episodios son las tramas secundarias y una profundización aún mayor en el humor y la originalidad de los casos policiales.

Por suerte, eso no ha impedido un desarrollo correcto de los principales temas de la serie ni ha restado interés a la temporada de esta serie creada por Andrew W. Marlowe (El fin de los días). De hecho, tener tantos episodios ha propiciado que los personajes hayan superado todo tipo de situaciones, convirtiendo sus arcos dramáticos en algo más que una repetición de momentos. Así, la protagonista interpretada por Stana Katic (La sombra de la traición) ha pasado por el FBI y ha resuelto, de una vez por todas, el drama de su pasado que, en buena medida, ha marcado toda la serie. Igualmente, las relaciones entre los principales roles han evolucionado notablemente, sobre todo la del protagonista con su hija.

Es fácil olvidar algunos momentos de una temporada tan larga en la que ocurren tantas cosas. Pero vista en perspectiva y revisados todos sus episodios, la sexta entrega de Castle evidencia una influencia bastante relevante de la actualidad y de algunos personajes conocidos y convenientemente disimulados. A esta consolidación de una tendencia que se ha ido implantando poco a poco (y que no resta originalidad a una serie caracterizada por casos extravagantes) se suma la incorporación más habitual de personajes muy secundarios, como es el padre espía del protagonista. Su presencia, además de proporcionar algunos de los mejores episodios, abre una puerta a nuevas tramas de temporada que sustituyan a la de la madre de Kate Beckett.

Con todo, la sensación de haber empezado el ocaso de la serie no deja de planear sobre las diferentes tramas que nutren la serie. Evidentemente, mientras siga siendo divertido, entretenido y original el producto puede estirarse todo lo que se quiera, pero el hecho de haber dado carpetazo al pasado de Beckett y de haber planteado la boda de los protagonistas (a pesar de ese final impactante que impide la celebración) parece apuntar a pocas temporadas más. Sus responsables tendrán que buscar nuevas bases dramáticas con las que nutrir la ficción si la intención es aguantar en lo más alto.

Secundarios de lujo

Al principio afirmaba que esta sexta temporada ha potenciado las tramas secundarias. Aquellos que sigan la serie de forma más o menos asidua sabrán que uno de los puntos fuertes y más estables desde el inicio de las aventuras de Richard Castle son los personajes secundarios, más concretamente los interpretados por Jon Huertas (Stash House) y Seamus Dever (Hollywoodland). Sus aportaciones a la trama, además de su propia definición sobre el papel, suelen servir para apoyar el humor, la intriga o el drama de la pareja protagonista.

En esta ocasión, empero, su labor ha ido un poco más allá, entre otras cosas por la necesidad de desviar la atención de una trama principal que, siendo sinceros, ha sido más floja que en ocasiones anteriores (los preparativos de la boda son entrañables, pero no dan para 23 capítulos). Así, la pareja secundaria de policías ha visto cómo sus propias historias han tenido protagonismo, más la de Dever que la de Huertas. No solo han sido el apoyo del personaje de Nathan Fillion (Percy Jackson y el mar de los monstruos) en los primeros compases de la serie, sino que han tenido sus propios episodios, convenientemente ubicados en mitad del desarrollo (concretamente, las tramas correspondientes al noveno y al undécimo).

Esta estrategia evidencia varias cosas. Por un lado, que los responsables de la serie son conscientes de las debilidades dramáticas en cada momento, algo esperanzador. Esto les permite recurrir a estas tramas secundarias en los momentos precisos, no sin haberlas anunciado antes con alguna frase, alguna ironía, etc. Pero por otro, confirma no solo que el contexto que rodea a los protagonistas es espléndido, sino que la producción cuenta con unos secundarios de lujo que son capaces de sostener sobre sus hombros los diferentes géneros que se entremezclan en los casos policiales.

Todo ello convierte a esta sexta temporada de Castle en una especie de reinicio. Habiendo cerrado todas las tramas principales, la serie se enfrenta ahora al reto de reinventarse o de caer en la repetición y monotonía más absoluta. Puede que la palabra monotonía no encaje con el espíritu de este escritor reconvertido en investigador, pero lo cierto es que si no fuese por la originalidad de los crímenes aportaría más bien poco. No quiere esto decir que en estos episodios haya perdido interés, al contrario. Es divertida y dinámica, sus casos tienen la complejidad necesaria y los personajes cuentan con el carisma de sus actores, y eso ya es mucho más de lo que encontramos en otras series.

La crítica al racismo y la xenofobia regresan en la 6ª T de ‘True Blood’


Anna Paquin deberá enfrentarse a nuevos enemigos en la sexta temporada de 'True Blood'.Cuando la sexta temporada de True Blood empezó a emitirse ya hubo voces que aseguraban un retorno a los orígenes de la serie. Tras finalizar hace unos días los 10 episodios que componen esta última entrega hay que rendirse a la evidencia. La serie ha retomado ese espíritu, es cierto, y lo ha hecho de una forma que solo Alan Ball (serie A dos metros bajo tierra), su creador, podía permitirse: llevando a los personajes y las tramas por unos senderos surrealistas para exponer sus propias debilidades a la luz del sol, devolviendo a cada uno de los protagonistas a un estado similar al inicial y permitiendo, por tanto, una puesta a punto de algunas relaciones deformadas por el paso del tiempo.

En esta ocasión, la trama retoma exactamente el momento con el que concluía la quinta temporada, desvelando la nueva naturaleza de Bill Compton (Stephen Moyer), la influencia de la muerte de los padres de la protagonista en su futuro más inmediato y la presencia de una nueva criatura, un hada vampiro que posee lo mejor de ambos mundos. Pero lo verdaderamente relevante es la presencia de un nuevo villano casi más aterrador que el ya mítico vampiro Russell Edgington (Denis O’Hare). Y lo es porque proviene del mundo de los humanos, y porque lo que propone es una especie de campo de concentración para desarrollar un virus capaz de matar vampiros.

Analizado en conjunto, el mencionado retorno a los orígenes de la serie no estriba tanto en la destacada presencia de vampiros (el resto de criaturas prácticamente desaparecen de la trama, incluyendo secundarios de peso) como en el aspecto social a tratar. Siendo sinceros, la serie se ha desviado en muchas ocasiones por derroteros puramente comerciales, dejando de lado el reflejo de las miserias sociales que tanto definieron la primera temporada. Con estos nuevos capítulos la producción vuelve a denunciar, siempre a su modo, algunos de los aspectos más oscuros del ser humano, retrocediendo unos años en la Historia. Concretamente, hasta la época de la II Guerra Mundial. La presencia de ese villano que busca conocer mejor a su enemigo y la imponente construcción en la que se experimenta con los vampiros es una clara versión moderna de los campos de exterminio.

Y en este caso, al igual que entonces, se argumenta una supuesta lucha contra un enemigo que en el fondo no lo es tanto única y exclusivamente para tener la excusa perfecta de su aniquilamiento. Esta potente premisa en torno a la cual gira buena parte del desarrollo dramático de la temporada otorga al conjunto una solidez que hacía mucho no tenía la producción, si bien es cierto que la combinación de esta línea principal con las secundarias (más débiles en esta ocasión) ha dado lugar a una situación bastante poco creíble incluso en una serie como esta, pero que por fortuna se ha resuelto con inteligencia, originalidad y bastante sentido del humor. Me refiero al hecho de que los vampiros puedan caminar bajo la luz del sol por beber la sangre de ese hada vampiro y su posterior forma de devolverlos a su naturaleza original, aparente muerte del personaje de Alexander Skarsgård (Melancolía) incluida.

Una debilidad secundaria

La trama principal de True Blood en esta sexta temporada ha provocado altas y bajas en el bando vampírico, incluyendo alguna con una carga crítica bastante relevante, como la transformación en vampiro de la hija del villano, en lo que es una muestra más de lo absurdo que resulta el racismo o la xenofobia, sobre todo en un mundo donde nada es blanco o negro, humano o vampiro, bueno o malo. Habría que hacer mención especial también a la evolución de los dos vampiros principales. Ambos vuelven a sus orígenes, en efecto, pero las formas de hacerlo son muy distintas. Mientras el personaje de Skarsgård se mueve por la venganza para volver a ser ese vampiro despiadado y sanguinario (su momento en el búnker de vampiros es uno de los momentos más salvajes de la serie), lo del vampiro Bill resulta un poco débil.

Hay que recordar que al final de la temporada anterior este personaje resucitaba convertido en lo que parecía una especie de dios. Su evolución sigue esa senda, pero la propia naturaleza de este nuevo personaje, este Blilith, como le llaman en algún momento de la serie, lo convierte en inservible. Y me explico. El hecho de que un personaje protagonista posea todo tipo de poderes y ninguna debilidad termina por destruir las posibilidades narrativas del resto de personajes, tanto humanos como vampiros. Es por eso que era necesario terminar con su forma divina. El problema es que la forma de hacerlo ha sido, por así decirlo, un tanto cristiana: su sacrificio para que el resto de su especie pueda vivir, en un plano que parece una macabra representación de Cristo en la cruz, lo devuelve a su estado natural, buscando desde entonces redimir sus actos previos.

En cualquier caso, el verdadero punto débil de esta temporada han sido las tramas secundarias y la forma de afrontar los conflictos de los personajes menos relevantes. Más allá de la muerte de uno de ellos, que supone un cierto punto de inflexión en el futuro desarrollo de la serie, el resto de nudos argumentales no aportan nada, o casi nada, al desarrollo de la serie. Todo lo relacionado con los hombres lobo y los cambiantes queda aquí aparcado, pero como los personajes no pueden desaparecer se les sitúa en medio de una historia un tanto peregrina. Desconozco si esto ha sido por influencia de los libros en los que se basa o por falta de ideas, pero su inclusión deja que desear. Sobre todo porque son historias autoconclusivas que no llevan a ninguna parte, salvo tal vez a encontrar una justificación para ese pequeño epílogo final del episodio 10 en el que, a ritmo de ‘Radioactive’ del grupo musical Imagine Dragons, se ofrece el futuro más inmediato de la séptima temporada: ahora hay vampiros sanos y vampiros infectados con el virus desarrollado en ese campo de concentración, estos últimos mucho más peligrosos y sanguinarios.

Personalmente, esta sexta temporada de True Blood creo que está entre las mejores de toda la producción, principalmente porque retoman el conflicto original entre humanos y vampiros desde un punto de vista racial. El hecho de que las historias secundarias resulten algo flojas respecto al resto no debería ser un impedimento para disfrutar de estos 10 capítulos. Además, el futuro de los personajes se antoja muy interesante con esa nueva plaga de vampiros infectados y la situación social de cada uno de los personajes, alguna realmente novedosa. Y aviso para navegantes: aquellos que crean que el vampiro de Skarsgård ha muerto, una frase de Brian Buckner (Friends), showrunner de la serie: “No voy a sacar a Alexander Skarsgård de los salones de la gente”.

‘The Big Bang Theory’ supera su 6ª T con tramas secundarias


Los protagonistas de 'The Big Bang Theory' vivirán todo tipo de situaciones en la sexta temporada.El fenómeno que se ha creado con The Big Bang Theory es, en cierto modo, similar a lo ocurrido en los años 90 con la serie Friends. Ya lo comentamos en el análisis de la quinta temporada de esta comedia que tiene como eje la ciencia, el mundo fan y las dificultades emocionales de un grupo de cerebritos que saben más bien poco del género humano. En el caso de su sexta temporada, que finalizó en Estados Unidos hace más o menos un mes las similitudes son más palpables, incluso en la formulación del desarrollo dramático de la temporada. Y es que al igual que le ocurrió a la icónica serie de los amigos neoyorquinos, no todas las temporadas de esta comedia friki son igualmente espléndidas, pero sí guardan una factura técnica y artística muy alta.

Los 24 episodios que componen su por ahora última temporada conforman una etapa que parece de transición dentro de esa trama mucho mayor que podríamos definir como la integración en la sociedad de unos personajes poco dados a socializar. Siendo cierto que contiene algunos momentos realmente memorables (es impagable la forma de ordenar un armario de Sheldon Cooper), la sensación final que parece dejar esta entrega es la de una estabilidad que busca más mantener lo conseguido en la temporada anterior que nuevos horizontes por explorar. Prueba de ello tal vez sea el hecho de que ambas temporadas, quinta y sexta, finalizan de forma casi idéntica, con el viaje de uno de los personajes para una larga estancia alejado de su pareja.

Sin embargo, sería muy injusto no reconocer la originalidad de un conjunto que ha sentado unas bases sociales y culturales más allá del reducido grupo de lectores de cómics o fanáticos de la ciencia ficción. Lo más admirable de la serie, y de la temporada, creada por Chuck Lorre (serie Cybill) y Bill Prady (serie Sigue soñando) es el hecho de explotar al máximo las debilidades de todos y cada uno de los personajes más allá de aficiones o conocimientos que, en el fondo, solo son la carcasa en la que envolver el resto. Las manías y los miedos toman forma en esta temporada para definir de forma más clara si cabe unos extravagantes personajes, pero para evidenciar también que las relaciones cada vez más estables con sus parejas son el fiel reflejo de lo que ellos mismos son, produciéndose una especie de proceso de mimetización entre hombres y mujeres que termina por exponer tres parejas diferentes y tres formas de entender las relaciones.

Como no podía ser de otro modo, la labor de los actores en toda esta tarea vuelve a ser, en una palabra, primordial. Hablar de Johnny Galecki (Hancock) y de Jim Parsons (Algo en común) es hablar de una pareja cuya química es muy difícil de encontrar. Aún habiendo evolucionado cada uno de los personajes por caminos más o menos diferentes, la relación entre Leonard y Sheldon sigue siendo el eje primordial de la serie, adquiriendo una nueva definición en la sexta temporada en la que, cada vez más, el primero tiende a convertirse en figura paterna. Aunque como decimos estos nuevos episodios no han aportado gran cosa a las tramas principales de la serie, eso no implica que se hayan desperdiciado los minutos.

Protagonismo de los secundarios

De hecho, lo que ha permitido a sus creadores es desarrollar las características de algunos de los personajes secundarios para dotarles de algo más de entidad y permitir así un mayor protagonismo de sus propias historias. Sin ir más lejos, esta sexta temporada de The Big Bang Theory comienza con la historia del personaje de Simon Helberg (Sigo como Dios) en el espacio, y de las consecuencias en la Tierra que tiene su regreso. Su línea argumental, así como la de su pareja, centran buena parte de los episodios, entre ellos uno de los más emotivos de esta entrega. Aún así, no es su historia la más interesante.

Ese mérito habría que dárselo al personaje de Kunal Nayyar (S.C.I.E.N.C.E). Es difícil calificar a alguno de los cuatro amigos como el más surrealista del grupo, pero desde luego el rol de Raj Koothrappali tiene muchas posibilidades que han sido ampliamente explotadas a lo largo de los 24 episodios. De hecho, prácticamente todo el espectro de sus rarezas ha sido abordado pasando de un extremo a otro. Si la temporada comenzaba con su más que dudosa tendencia sexual representada en ese vendedor de cómics acomplejado (una lástima que se haya terminado perdiendo), ha terminado colocando a su lado a una chica con muchos más complejos que él, generando las inevitables situaciones hilarantes e increíbles.

El futuro de dicha relación ha quedado un poco en el aire en el último episodio, por lo que podría mantenerse u olvidarse con la llegada de los nuevos capítulos de la séptima temporada. Lo que parece seguro es que el propio personaje ha cambiado para siempre merced a uno de esos momentos tan inolvidables como algo forzados que parecen sacados de un ‘deus ex machina’. Sin revelar demasiado, solo diremos que finalmente ha vencido su miedo más atroz, aunque para ello haya tenido que pasar al otro extremo de la patología.

Es evidente que la sexta temporada de The Big Bang Theory no ha tenido los giros narrativos que tuvieron algunas de sus predecesoras. No todas las etapas de una serie pueden conseguirlo. El principal mérito estriba en la forma de mantener el nivel de comicidad y calidad que caracteriza al conjunto, y que no ha sido otra que centrar la atención en los personajes que por diversos motivos han tenido una evolución menor en toda la producción. Eso ha permitido explorar nuevos caminos narrativos, nuevas situaciones que han dado pié a pequeños cambios secundarios que afectan de lleno a las tramas principales. A partir de ahora solo queda comprobar el nivel de risas y frases ingeniosas que esto va a provocar.

Padre, hijo y asesino en serie definen la sexta temporada de ‘Dexter’


El desarrollo de la serie Dexter, que hace unos meses terminó su sexta temporada, es muy irregular. Con temporadas absolutamente brillantes en la trama, la escenificación de los asesinatos y los dilemas morales del protagonistas, la historia cuenta con una cara oscura, como el propio Dexter Morgan, en la que la insustancialidad de las diferentes líneas dramáticas y de los asesinatos entorpecen el buen seguimiento de los capítulos. Y aunque esta última entrega parecía a priori decantarse por esta última faceta, lo cierto es que la resolución de diversos aspectos, unido al planteamiento de nuevas y muy interesantes líneas argumentales para la próxima temporada (ya anunciada, junto con una octava y, supuestamente, final), convierten a estos 12 episodios en unos de los más llamativos y curiosos, por decir algo, de toda la serie.

Puede que la evolución que ha sufrido el personaje interpretado por Michael C. Hall no sea del agrado de numerosos fans. Que un hombre cuyas ansias de matar le llevan a asesinar noche tras noche (eso sí, sólo a criminales) pueda llegar a tener mujer y ser un padre ejemplar puede que no concuerde mucho con la idea de una serie donde la sangre y los crímenes hacen acto de presencia varias veces en cada capítulo. Pero precisamente, ese es el interesante y atractivo contraste de esta historia: Dexter, como cualquier otro personaje, posee un conflicto interno que se manifiesta en mayor o menor medida en cada temporada, y a medida que pasan los años trata de solucionarlo como puede. Claro que, en este caso, dichas diferencias internas son, digámoslo finamente, algo extremas.

A lo largo de las seis temporadas el personaje de Hall ha pasado por el dilema familiar, el de comprender y controlar su propia naturaleza, y el de abrir a terceros su “oscuro pasajero”, como se conoce a esas ganas de matar. En esta última temporada, sin embargo, se añade un nuevo dilema, el religioso. Visto fríamente, era inevitable que ese componente apareciera antes o después. La cuestión, por tanto, es cómo lo haría; lo cierto es que no podía haber sido de mejor manera. Conocido como “el asesino del Juicio Final”, a lo largo de los capítulos se suceden asesinatos a cada cual más extravagante, superando con creces lo visto hasta ahora y, sobre todo, tomando como referencia textos bíblicos del libro del Apocalipsis. Todo para desencadenar un infierno en la Tierra que dé origen a un nuevo mundo.

Y esta vez, para rizar más el rizo, son dos los asesinos en serie: un profesor especializado en el tema y un alumno apocado y temeroso de Dios que decide ayudarle creyendo realmente que el Señor habla con su maestro. Las diatribas religiosas que se plantean en el interior de Dexter, provocadas tanto por los asesinatos como por la influencia de personajes violentos reconvertidos en párrocos (en concreto, el personaje interpretado por el rapero Mos, quien aporta al mismo un carácter sosegado y algo tímido muy interesante), unido a la violencia de los asesinatos, generan una pregunta que desconozco si es intencionada o mera casualidad: ¿quién está más loco, el que mata por una necesidad física o el que lo hace creyendo que Dios le habla?

Un final inesperado

Sea como fuere, el carácter de la temporada evoluciona en los diferentes frentes abiertos de forma algo desordenada… o al menos eso hacen creer los guionistas capítulo tras capítulo hasta el final. Lo cierto es que, a pesar de haber superado tantas temporadas, resulta curioso comprobar cómo se sigue desconfiando de que todo tenga un sentido, que lo tiene. Mientras que se producen los asesinatos (a cada cual más salvaje, por cierto), asistimos a una ruptura sentimental, a la nueva situación residencial de Dexter, a una reestructuración en la policía, … Todo, a priori, con poca o ninguna relación. Y, sin embargo, todo está conectado.

Una conexión que desemboca en un final sorprendente e inesperado, una especie de Apocalipsis personal en la vida de Dexter que nada tiene que ver con jinetes, monstruos de siete cabezas o sacrificios humanos. Una sorpresa que llega, en primer lugar, desde el lado de los asesinos del Juicio Final, dando un giro narrativo tan inesperado que obliga a revisionar toda la serie de nuevo en busca no solo de posibles errores narrativos (por pura curiosidad), sino también para poder ver con nuevos ojos los asesinatos, las pesquisas y las relaciones entre los personajes.

En este sentido, cabe destacar la magnífica labor de Colin Hanks (King Kong), hijo de Tom Hanks (Forrest Gump) y que parece haber heredado la facilidad para la interpretación, componiendo un personaje oscuro, tanto o más que el propio protagonista, cuyas múltiples caras le ponen a la altura de los otros dos asesinos en serie de la temporada, el Asesino del Hielo y Trinity. Desde luego, la forma en que escenifica los pasajes de la Bilbia apenas sí pueden describirse. Es de suponer que el protagonista terminará cogiendo a dichos criminales y sometiéndoles a la justicia del cuchillo y el plástico, pero no termina ahí la cosa.

Bueno, en realidad sí termina la temporada con eso, pero ese momento ritual y personal (puede que el más personal de toda la serie) queda destruido por una revelación final que se sospecha, pero que de increíble no quiere aceptarse. No vamos a desvelar aquí en qué consiste (aquellos que ya hayan visto el final comprenderán el porqué de esta decisión); simplemente decir que es algo que modifica los pilares sobre los que se sustenta toda la serie, obligando a los guionistas a enfrentarse a un nuevo panorama que, esperemos, resuelvan magistralmente en los capítulos venideros.

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