Disney aporta sus señas de identidad a ‘Tarzán’ pero deja su esencia


Disney logró combinar en su 'Tarzán' la filosofía del personaje y la de la productora.No cabe duda de que uno de los personajes más conocidos e icónicos de la literatura es Tarzán, el hombre criado por simios que se convierte en el rey de la selva. Creado por Edgar Rice Burroughs, sus adaptaciones al cine comienzan en 1918, siendo las más conocidas las interpretadas por el que, personalmente, creo que ha sido, es y siempre será Tarzán: Johnny Weissmuller (Tarzán de los monos). Sin embargo, vamos a abordar otra de las adaptaciones que, por el momento en que se hizo y la técnica utilizada, posee matices interesantes. Nos referimos a Tarzán (1999), la versión Disney del personaje.

Es inevitable recordar este film dirigido por Chris Buck (Frozen: El reino del hielo) y Kevin Lima (102 dálmatas) ahora que otra adaptación de inminente estreno utiliza también la animación como medio (aunque en este caso es 3D). Con todo, la cinta que aquí tratamos se ha ganado con los años el derecho a estar entre lo mejor que se ha hecho sobre el personaje, principalmente porque supo encontrar el equilibrio entre el espíritu infantil y soñador de la productora y el tono serio y algo más sombrío de la historia. Puede que la mejor muestra de ello sea el hecho de presenciar una de las primeras muertes de la historia de la compañía, aunque sólo sea de forma sonora. En este sentido, el guión encuentra un equilibrio perfecto entre ambos mundos gracias, entre otras cosas, a dividir la trama en dos partes bien diferenciadas incluso en su paleta cromática: la infancia y la edad adulta. Gracias a esto el desarrollo evoluciona de menos a más en todos los aspectos, ofreciendo un viaje en el que los conflictos se suceden casi sin tregua, si bien es cierto que unos son más físicos que otros. Así, los minutos en los que el protagonista es pequeño se presentan despreocupados, vivos y coloridos, mientras que en la edad adulta los tonos oscuros se entremezclan con los más claros, aportados en este caso por los secundarios.

Aunque lo realmente interesante es que Tarzán no se entrega a la aventura o la acción sin sentido. Ni mucho menos quiere esto decir que sea una reflexión filosófica sobre el ser humano. Al fin y al cabo, es Disney. Pero con todo y con eso, el film recoge numerosas reflexiones que acompañan a los orígenes del personaje. Desde la soledad por sentirse rechazado entre aquellos a los que considera semejantes sólo por ser diferente, hasta la búsqueda de la identidad una vez se encuentra con otros humanos, la película trata con notable sentido dramático los conflictos internos a los que se enfrenta el protagonista, sobre todo aquel que tiene que ver con su lugar en el mundo. Y como suele decirse, lo importante está en los detalles. Que el protagonista descubra su pasado a través de imágenes, que se civilice (otro término que ofrece muchas connotaciones) o que se debata entre su amor por la hermosa protagonista y su responsabilidad con su familia son elementos que, en mayor o menor medida, siempre han estado.

Empero, la cinta la expresividad corporal del personaje para narrar su evolución y esos conflictos que nutren el desarrollo de la trama. El uso de los nudillos para caminar, o el mero hecho de que camine a cuatro patas, son algunos de los detalles a los que hacía referencia. Esto, unido a cualidades del personaje como su curiosidad o su sentido de la moral inculcado por la vida salvaje terminan definiendo mejor que cualquier otro aspecto las diferentes caras del protagonista, sin duda el mejor representado si tenemos en cuenta que los secundarios son, en líneas generales, bastante arquetípicos (sus rasgos físicos les definen casi antes de que digan una sola frase).

Dinamismo en plena crisis

Como no podía ser de otro modo, la adaptación está marcada por una magistral banda sonora compuesta por Phil Collins en varios idiomas y que fue premiada con un Oscar. La capacidad del artista para narrar con canciones lo que se ve en imágenes recuerda a la labor de Elton John en El rey león (1994), salvando las evidentes distancias. Sin embargo, si hay algo que define a esta película es el momento en el que apareció y la técnica utilizada para llevarla a cabo, a medio camino entre la animación por ordenador y la tradicional.

Se puede considerar a este Tarzán el eslabón entre el nuevo rumbo que dio Disney con el cine de animación por ordenador y la animación que hasta entonces venía haciendo. El descenso continuado en la calidad de las tramas y de los personajes llevó a las técnicas tradicionales a desaparecer, o al menos a ser consideradas marginales. La adaptación del personaje de Burroughs evidenció que cualquier técnica es válida siempre y cuando esté sustentada en sólidos pilares narrativos, ya sean a nivel de guión o en el plano visual. La película, en este sentido, recupera conceptos muy tradicionales que pueden encontrarse en los grandes clásicos de la productora, pero no los utiliza para contar su propia historia, sino que los adapta a las necesidades del protagonista.

La película incorporó, además, un estilo nuevo al personaje, limitado hasta entonces por las capacidades físicas de actores de carne y hueso. Y eso que algunos de ellos eran auténticos atletas, como es el caso de Weissmuller. Me estoy refiriendo, como muchos se imaginarán, a ese estilo surfista para trasladarse por las ramas de los árboles, posiblemente la única concesión, digamos, moderna. Independientemente de que sea más o menos acertado, es indudable que aporta un dinamismo diferente y propio, que aleja al conjunto lo suficiente de sus predecesores como para no ser considerada una adaptación más. Por supuesto, habría que añadir aquí los personajes, que basculan entre la comicidad y el dramatismo, y una trama que en ningún momento pierde de vista lo que está contando.

La versión Disney de Tarzán puede incluirse, por tanto, entre las mejores adaptaciones del personaje. Es cierto que hay momentos en los que el tono infantil se impone y que tiene algunas concesiones algo innecesarias. Es cierto que sus personajes, a excepción del protagonista, son algo tópicos, sin apenas matices y con una función demasiado clara y evidente en la trama. Pero en líneas generales aúna todos los elementos que definen al personaje (aventura, exclusión, pertenencia a un grupo, supervivencia, respeto, …), y lo logra gracias a una evolución en el tono dramático. Su forma de afrontar los conflictos emocionales de un personaje que se enfrenta a una realidad desconocida no tiene nada que envidiarle a algunas de las mejores versiones, y su uso del color y la banda sonora para ayudar a narrar esta historia son espléndidos. Una película, en definitiva, que fue capaz de demostrar la calidad de la animación en 2D siempre y cuando esta sea adecuada.

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Tráiler de ‘Oldboy’, el respeto por el manga del remake de Spike Lee


Josh Brolin protagoniza el remake de 'Oldboy', dirigido por Spike Lee.Hace casi dos meses comentábamos en este mismo espacio la relevancia del film de 2003 Oldboy, dirigido por Park Chan-wook (Stoker) y basado en un conocido manga. En aquel momento mencionamos que Spike Lee (Malcom X) era el encargado de llevar a cabo el remake norteamericano con Josh Brolin (Gangster Squad), Samuel L. Jackson (Pulp Fiction) y Elizabeth Olsen (Martha Marcy May Marlene) como protagonistas. Ayer se publicó el primer tráiler de dicha versión, y como no podía ser de otra forma no solo sigue los pasos de la versión coreana, sino que a priori emula plano a plano esta intrigante historia sobre un hombre que inicia una búsqueda frenética por salvar a su hija después de que alguien, su raptor, le tuviera durante 20 años encerrado en una habitación.

Este primer avance deja, sin embargo, muchas dudas para los conocedores del film original. La primera, y quizá más importante, es si ese homenaje a la película de hace 10 años funcionará en pantalla. No sería la primera vez que se intenta llevar de nuevo una historia a la gran pantalla y se fracasa estrepitosamente por no aportar un punto de vista propio. Ahora mismo me viene a la mente el caso de Psicosis. Sin embargo, este respeto de Spike Lee tiene sus propias convicciones. No es este director alguien dado a crear simplemente un producto al uso, capaz de ser consumido con la misma velocidad con la que se olvida. Tampoco es dado a efectismos sin sentido que lo único que logren sea un reconocimiento a la tecnología y no a la forma de narrar la historia. En este sentido, ese homenaje permite también ver una forma de afrontar el proyecto muy natural y veraz, aunque con los cambios propios de la cultura norteamericana, como es el hecho de introducir el acontecimiento de los atentados del 11-S.

También se mantiene una cierta igualdad cromática y fotográfica. La versión de Chan-wook poseía una frialdad y una austeridad en la composición visual que ayudaron mucho a la trama, y todo hace indicar que Lee repite pauta. Para muchos esto simplemente será una forma de volver a contar una historia ya conocida y poder sacar así mucho más dinero. Puede ser, pero no hay que olvidar que la primera versión modificó sustancialmente el final del cómic, por lo que la intriga puede mantenerse. Por otro lado, estas primeras imágenes en movimiento están destinadas no solo a atraer a los espectadores, sino a ofrecer un producto reconocible a los seguidores de la anterior versión, por lo que no habría que descartar posibles diferencias significativas.

Lo que sí es digno de admirar, sobre todo teniendo en cuenta el pundonor que existe en Estados Unidos con temas como la violencia o el sexo, es la forma de retratar el violento viaje a los infiernos del protagonista. El tráiler ya presenta algún que otro momento de este tipo, por lo que aquellos que puedan sentirse heridos en su sensibilidad es mejor que no lo vean. Sea como fuere, la película no parece que vaya a dejar indiferente a nadie. Los conocedores del manga y de la versión asiática sin duda encontrarán la propuesta como un medio de exprimir más el fenómeno. Los que no hayan tenido la oportunidad de verla encontrarán una historia tan violenta como perturbadora. A continuación, el tráiler.

‘El alucinante mundo de Norman’: divertida regresión a los años 80


Los zombies son los perseguidos en 'El alucinante mundo de Norman'.Hay cintas de animación destinadas exclusivamente a los más pequeños. Es por eso que cuando se tiene la suerte de asistir a films capaces de entretener también a los mayores que les acompañan da la sensación de haber topado con una pequeña joya, en este caso de animación por la técnica de stop-motion. A los jóvenes tal vez no les suenen películas como La noche de los muertos vivientes (1968), Los Goonies (1985) o Agárrame esos fantasmas (1996), pero aquellos que tengan alrededor de los 30 años encontrarán en El alucinante mundo de Norman un compendio de referencias y homenajes encajados como un guante en una trama tan sencilla como eficaz y muy bien narrada.

Sí, es cierto, esta historia dirigida por el debutante Chris Butler y por Sam Fell (El valiente Despereaux) no tiene un enrevesado guión. De hecho, su corta duración obliga a un desarrollo directo que se olvida en todo momento de adornos e historias secundarias sin trascendencia. Y aunque esto pueda parecer una debilidad, el dinamismo de los acontecimientos, que no cesan en ningún momento, supone un claro contrapunto que enriquece notablemente una historia con una importante lección, sobre todo hoy en día: el respeto hacia aquellos que, según nuestro punto de vista, son extraños, marginales o diferentes.

Con todo, lo más enriquecedor del conjunto es su cuidada animación y los constantes homenajes al cine de terror y de aventuras de los años 80. La factura técnica, sobre todo en lo concerniente al diseño de los muertos vivientes, es espectacular, sobre todo los movimientos de pequeños detalles como los jirones de ropa, la piel colgante o la forma de arrastrar los pies. Pero lo más curioso de todo, y al mismo tiempo lo más interesante, es la combinación de épocas que realizan los directores para conseguir que el film desprenda ese aroma clásico y retrospectivo en todo momento.

Los más cinéfilos encontrarán en El alucinante mundo de Norman constantes homenajes a todo tipo de films, aunque algunos modificados sustancialmente en su esencia para generar un humor algo negro pero igualmente efectivo. Por ejemplo, son los zombies los que se deben esconder en un edificio ante la masa de seres humanos, justo al contrario de lo que ocurre en los films de George A. Romero. El resultado es un entretenimiento perfecto, tal vez demasiado sencillo para alguien que busque algo más en una “peli de zombies” pero muy, muy dinámico y, sobre todo, capaz de generar una regresión a la infancia y la adolescencia de los adultos.

Nota: 7,5/10

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