La 4ª T. de ‘Empire’ ahonda en las consecuencias de la violencia


El género musical en las series no suele terminar con final feliz en lo que a tratamiento y desarrollo se refiere. Son muchos los ejemplos en los que, o bien se opta por reducir cada vez más el papel de las canciones y los números musicales en la trama, o bien directamente la producción se cancela. Por eso el fenómeno Empire resulta tan interesante. Con su cuarta temporada se reafirma como una ficción en la que la música mueve absolutamente todo, y en la que el carácter casi telenovelesco se convierte en un trasfondo dramático que añadir a las notas y las letras de rap, R’n’B y hip hop que nutren cada episodio. El problema tal vez sea, precisamente, esa cierta tendencia al tratamiento telenovelesco de la historia.

Los 18 episodios de esta temporada vuelven a poner de relieve la labor de los actores, de todos ellos, pero también ahonda en los conflictos dramáticos entre ellos y, sobre todo, pone el foco sobre un aspecto que siempre ha estado sobrevolando esta serie creada por Lee Daniels (El mayordomo) y Danny Strong (Rebelde entre el centeno), y es el papel que juega la violencia en todo el desarrollo. Partiendo de la amnesia del rol interpretado por Terrence Howard (St. Vincent), la temporada explora cómo el mundo violento en el que siempre se han movido los protagonistas les marca en todas sus decisiones y su forma de mirar el mundo, haciendo siempre lo que sea necesario para sobrevivir. La dualidad en el personaje de Howard y cómo sus dos personalidades mantienen ese debate interno es un comienzo interesante que, aunque tratado de forma un tanto irregular, sí cumple su función de introducir ciertas dudas y generar el debate en torno a algo que parecía instalado en el ADN de la serie y sobre lo que no parecía querer cuestionarse nada en absoluto.

De hecho, este comienzo de Empire, más allá de otras consideraciones, viene a explorar también cómo la violencia engendra violencia, e incluso cómo un personaje aparentemente bondadoso (como es el protagonista cuando sufre amnesia) se ve arrastrado a todo tipo de violencia, ya no solo procedente de la familia sino de factores externos. En este sentido es destacable el personaje de Demi Moore (Como reinas) como catalizador y como vehículo dramático de esa catarsis del protagonista, aunque hay que mencionar igualmente que el desarrollo dramático de este pequeño arco argumental resulta algo incompleto, por no decir apresurado, lo que provoca que el trabajo evolutivo del personaje de Howard, aunque eficiente, quede un poco cojo en su profundidad dramática. Dicho de otro modo, todo parece hacerse a gran velocidad para poder volver al camino emprendido en las anteriores temporadas.

A partir de este momento, esta cuarta temporada retoma sus orígenes, volviendo a narrar la lucha por este imperio musical y mediático. Y aunque en cierto modo siguen siendo luchas familiares, lo cierto es que la trama evoluciona para mostrar un núcleo familiar más cohesionado (dentro de sus rupturas habituales) en contra de amenazas externas. Así, la serie cambia el paso para introducirse en algo más que la violencia pura y dura, explorando territorios algo más desconocidos para los protagonistas como la lucha comercial y las intrigas políticas. Todo ello, como no podía ser de otro modo, con una música exquisita como telón de fondo, y con una evolución de los personajes apasionante, algunos tomando el testigo de la violencia, otros huyendo y otros siendo víctimas de los tejemanejes mafiosos.

Venganzas y reconciliaciones

La segunda mitad, aproximadamente, de esta cuarta temporada de Empire se presenta como algo totalmente diferente a lo visto en la primera parte. Si el debate sobre la violencia copaba el arco dramático principal de los primeros episodios, el pasado y cómo influye en nuestro presente y nuestro futuro es la gran temática del tramo final. La introducción en la trama del personaje de Forest Whitaker (Redención) supone un revulsivo interesante a la dinámica establecida en temporadas anteriores. Como mencionaba antes, la violencia tradicional de esta ficción da paso a una encarnizada lucha por el poder en territorios más políticos, más comerciales, y por lo tanto en los que la violencia física desaparece o, al menos, se disimula más.

A través de la gran labor de Whitaker la serie se adentra en un pasado desconocido hasta el momento, en unas relaciones humanas y profesionales nuevas para el espectador que ayudan a comprender algo mejor el devenir de los protagonistas y, sobre todo, las ansias de poder y venganza de muchos secundarios. En este sentido, y relacionado con el pasado, cabe destacar el final de uno de los secundarios de estas temporadas. Un final marcado, cómo no, por la violencia, pero también con elementos diferentes en tanto en cuanto, y a diferencia de ocasiones anteriores, el crimen es utilizado en su contra por ese pasado que vuelve para golpear a los protagonistas donde más les duele, destruyendo las relaciones creadas durante las temporadas anteriores. Resulta sumamente interesante comprobar la evolución de este enemigo y su arco dramático durante la temporada, y cómo los creadores de la serie han introducido los elementos necesarios para construir una traición a fuego lento que, por cierto, tiene el éxito que no han tenido las anteriores.

Dicho de otro modo, mientras que en etapas anteriores la trama abordaba los conflictos de una forma algo más directa (siempre con cierto grado de intriga familiar), en esta ocasión los movimientos son más sutiles, ocultos como están en estrategias financieras e, incluso, en el manejo y la manipulación de artistas. Y obtienen el resultado que no habían obtenido los ataques frontales. Eso no quiere decir, por supuesto, que la violencia no haga acto de presencia, sobre todo el último episodio. Pero incluso esa violencia con la que termina la serie combina igualmente la brutalidad con la sutileza, abriendo la puerta a una nueva forma de entender esta ficción o, al menos, a un nuevo estilo a combinar con el que hasta ahora se había visto.

Se puede decir que la cuarta temporada de Empire cambia en cierto modo algunos aspectos de su tratamiento visto hasta ahora. La introducción de la amnesia del protagonista y la presencia de Whitaker aportan al conjunto un punto de vista diferente, arrojando cierta luz sobre diferentes aspectos de la trama. Sin embargo, existe un cierto carácter apresurado que perjudica al desarrollo de la historia. Tal vez sea por el hecho de que la temporada se divide en dos partes bastante diferenciadas, pero lo cierto es que, sobre todo la primera mitad, tiene un tratamiento algo burdo, sin ahondar demasiado en las motivaciones de los secundarios que son el verdadero motor de la historia. Esto se soluciona o bien desarrollando mejor esta estructura o volviendo a la anterior, donde todas las historias secundarias se aunaban bajo un único paraguas. Pero en cualquier caso, el Imperio sigue dejando buenas sensaciones y buena música.

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‘Redención’: sangre, sudor y lágrimas


Pocos subgéneros acogen mejor las historias de superación personal que el pugilístico. La lucha física y mental de un hombre enfrentado a un rival (que suele representar la sociedad y sus propios miedos) al que tiene que derrotar con sus puños y su fuerza de voluntad tiene algo redentor, como el propio título de esta película refleja. Es fácil identificarse con ellos. Y si la historia además está bien construida y cuenta con auténticos maestros delante y detrás de las cámaras, el resultado, aunque mejorable, suele ser inolvidable.

Y eso es precisamente lo que ocurre con Redención. Si bien es cierto que el guión de Kurt Sutter, creador de la serie Hijos de la Anarquía, puede ser previsible en sus planteamientos y su desarrollo, no por ello deja de ofrecer una serie de conflictos dramáticos inteligentemente planteados, introducidos en la trama de forma precisa para impedir que el ritmo decaiga. A ello se suma una realización brillante de Antoine Fuqua (Training Day), quien vuelve a demostrar que es capaz de exprimir al máximo las posibilidades de todos sus films, explorando el dramatismo a través de planos arriesgados y sumamente emocionales (viscerales en este caso). Lo cierto es que todo en este film encaja casi a la perfección, creando un armonioso conjunto en el que brilla con luz propia Jake Gyllenhaal (Enemy), uno de esos pocos actores capaces de dotar de mayor dramatismo a un personaje a priori mas simple.

El mayor problema, y no es algo anecdótico, está precisamente en el guión. La trama, aunque bien desarrollada, deja por el camino algunas historias secundarias que podrían haber nutrido mucho más (y mucho mejor) el contexto de violencia y arribismo en el que se mueve el protagonista. Centrada como se centra en la historia del boxeador y su hija, la historia deja a un lado a ciertos personajes secundarios que aportan mucho en los pocos momentos en los que tienen cierta presencia, planteando la duda acerca de la idoneidad de que hubieran tenido más peso dramático en el desarrollo argumental.

En cualquier caso, es algo que suele achacarse a estas historias. El boxeo es lo que tiene, y lo cierto es que el espectador tiende a esperar poco más de este tipo de tramas. Lo importante siempre es si estos films son capaces de superar las expectativas, y en el caso de Redención lo consigue con creces. Desde un espléndido reparto hasta un director con un lenguaje visual propio y apasionante, pasando por una banda sonora idónea y una fotografía que explota al máximo las posibilidades del cuadrilátero, el film ofrece al espectador todo y más, aunque lo hace desde un punto de partida previsible y algo lineal.

Nota: 7/10

Verbinski presenta ‘La cura del bienestar’ para lograr su ‘Redención’


Marzo está siendo un mes de lo más variado en lo que a estrenos se refiere. A pesar de que semana tras semana no son demasiadas las novedades que llegan a la cartelera, desde luego sí abarcan un amplio abanico de gustos y temáticas. Y para muestra los títulos que pueden verse a partir de este viernes, 24 de marzo, que marca el regreso de uno de los directores más taquilleros de los últimos años.

Ese director es Gore Verbinski (Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto), y su nuevo film es La cura del bienestar, thriller de corte fantástico y con dosis de terror que gira en torno a un joven ejecutivo cuya misión es traer de vuelta al director de su empresa, en un misterioso retiro en un centro de bienestar en los Alpes suizos. Una vez allí descubrirá que nada es lo que parece, y su cordura será puesta a prueba cuando él mismo se vea sometido al tratamiento que parecen seguir todos los pacientes, y que les mantiene a la espera de una cura. Dane DeHaan (The Amazing Spider-Man 2: El poder de Electro), Mia Goth (Everest), Jason Isaacs (Corazones de acero), Celia Imrie (Absolutamente fabulosas), Adrian Schiller (Remainder) e Ivo Nandi (serie Hijos de la anarquía) encabezan el reparto.

También destaca esta semana Redención, film de 2015 dirigido por Antoine Fuqua (Los 7 magníficos) y con guión de Kurt Sutter, creador de series como Hijos de la anarquíaThe shield. Ambientado en el mundo del boxeo, este drama se centra en un campeón de los pesos semipesados cuya vida, perfecta junto a su mujer y su hija, da un vuelco cuando su manager y amigo le abandona. Será entonces cuando recurra a un veterano bombero que dirige un gimnasio para que le entrene y recuperar lo que una vez fue a través de un viaje de redención. El reparto está integrado por Jake Gyllenhaal (Prisioneros), Rachel McAdams (Spotlight), Forest Whitaker (El mayordomo), el rapero 50 Cent (Espías), la cantante Rita Ora (Cincuenta sombras de Grey), Naomie Harris (Skyfall), Miguel Gomez (The Domino effect) y Clare Foley (serie Gotham), entre otros.

Este viernes también llega a la cartelera la española El bar, última comedia con dosis de thriller y humor negro dirigida por Álex de la Iglesia (Mi gran noche) cuya trama se centra, precisamente, en un céntrico bar de Madrid. Los personajes que allí se dan cita nada tienen en común salvo el hecho de estar en el mismo lugar en el peor momento. Y es que cuando uno de ellos sale del local con prisa recibe un disparo en la cabeza. Ninguno de los demás acude en su auxilio temiendo que pueda pasarle lo mismo, iniciándose una espiral de miedo que les llevará a sospechar unos de otros. Entre los actores principales encontramos a Mario Casas (Toro), Blanca Suárez (Perdiendo el norte), Secun de la Rosa (El tiempo de los monstruos), Jaime Ordóñez (Las brujas de Zugarramurdi), Carmen Machi (Villaviciosa de al lado), Terele Pávez (La puerta abierta), Joaquín Climent (Pieles), Alejandro Awada (El jugador) y José Sacristán (Magical girl).

En 2015 también se produjo Una historia de locos, drama francés basado en la autobiografía de José Antonio Gurriaran que narra cómo una víctima colateral de un atentado en 1981 termina convirtiéndose en portavoz del joven que puso la bomba en el coche del embajador en Turquía. El film aborda el viaje tanto de la víctima, que llega a vivir con la familia de aquel que hizo explotar el vehículo, como de su verdugo, un chico armenio que se une al Ejército de Liberación de Armenia en Beirut para, algún tiempo después, rechazar las ideas que defienden. Dirigida por Robert Guédiguian (Las nieves del Kilimanjaro), la cinta está interpretada por, entre otros, Ariane Ascaride (La profesora de lengua), Grégoire Leprince-Ringuet (Black heaven), Simon Abkarian (El padre), Serge Avedikian (Pollo con ciruelas), Razane Jammal (Caminando entre las tumbas) y Syrus Shahidi (El caso SK1).

Con algo de retraso, y procedente de Suecia, llega Un hombre llamado Ove, comedia dramática de 2015 que ha cosechado dos nominaciones a los Oscar de 2017 y cuyo argumento se centra en un hombre cascarrabias obsesionado con el orden que trae de cabeza a todo su barrio. La vida de este casi sesentón cambia poco a poco a medida que una serie de circunstancias le devuelven la fe en el género humano. Curiosamente, ese cambio irá acompañado de una transformación en su comunidad, que comprenderá que el hombre es una pieza fundamental del buen funcionamiento de los vecinos. Hannes Holm (Los Andersson en Grecia) escribe y dirige esta adaptación de la novela de Fredrik Backman que protagonizan Rolf Lassgård (Storm), Filip Berg (Odödliga), Ida Engvoll (Medicinen), Bahar Pars (Knäcka) y Johan Widerberg (Happy end).

Desde fuera de Europa se estrena Rara, drama chileno de 2016 que supone el debut en la dirección de largometrajes de Pepa San Martín. La cinta se centra en una joven a las puertas de la adolescencia, cuando comienza a sentirse rara con su propio cuerpo. Es entonces cuando su padre, separado de su madre y con una nueva mujer, decide pedir su custodia y la de su hermana. Mariana Loyola (Génesis Nirvana), Agustina Muñoz (La princesa de Francia), Emilia Ossandon y Julia Lübbert (Bareta) son las principales actrices.

Japón es el país de origen de I am a hero, adaptación del manga de Kengo Hanazawa realizada en 2015 que narra cómo un dibujante de manga cuya vida es un desastre debe afrontar la aparición de un virus que convierte a los hombres en monstruos sedientos de carne humana difíciles de matar. Durante la huida del hombre se encontrará con personajes que le demostrarán el verdadero rostro del ser humano. Terror y drama se mezclan en este film dirigido por Shinsuke Sato (The time of death) y protagonizado por Yô Ôizumi (Kiyosu kaigi), Hisashi Yoshizawa (Believer), Yu Tokui (Simsons), Makita Sports (Outrage), Natsu Andô, Kazunori Kaneko y Jin Katagiri (Shaffuru).

Finalizamos el repaso con un documental español. La gran ola, ópera prima de Fernando Arroyo, explora la posibilidad de que se produzca un tsunami en las costas españolas.

‘Rogue One: Una historia de Star Wars’: pues eso, una historieta


Los rebeldes tendrán que robar los planos de la Estrella de la Muerte en 'Rogue One: Una historia de Star Wars'El recorrido de Star Wars a lo largo de los años ha sido sumamente irregular. Habrá quien defienda hasta sus últimas consecuencias esta saga, pero lo cierto es que la calidad dramática y narrativa de las siete películas hechas hasta ahora no siempre ha estado a la altura. El nuevo intento de expandir el universo galáctico creado por George Lucas con films que complementen la línea argumental principal (y que recauden más dinero, que eso nunca está mal) es producto de esa irregularidad.

Posiblemente el gran problema de Rogue One: Una historia de Star Wars sea precisamente ese, que es una historia. Y más o menos previsible, sobre todo para los fans. Y dado que es algo conocido pero relativamente nuevo, todo en ella genera esa sensación. Desde el clásico comienzo de la saga hasta la música, pasando por personajes y decorados, el desarrollo de la trama contiene referencias constantes a aquel primer film clásico, incluyendo la recuperación de dos actores en formato digital. El problema es, precisamente, dicho desarrollo. La cinta, aunque no pierde el tiempo con desvíos narrativos innecesarios, sí tiende al tedio en muchos momentos debido a unos diálogos que, por desgracia, dan vueltas sobre los mismos conceptos.

Y desde luego, Gareth Edwards (Monsters) no es George Lucas o J.J. Abrams, y eso se nota. Si bien es cierto que la batalla final, a medio camino entre el espacio y la playa, es uno de los mejores momentos (junto a los cinco minutos en los Darth Vader demuestra su poder), el director no es capaz de mantener el pulso narrativo con la solidez que cabría esperar. Asimismo, es incapaz de librarse de la sensación de estar ante una trama autoconclusiva, con personajes cuyo futuro está limitado a los títulos de crédito finales. Es algo que los fans, casi con toda probabilidad, esperan, pero eso no significa que el resto de espectadores no puedan sorprenderse con algún que otro giro argumental.

Lo que desprende Rogue One: Una historia de Star Wars es, precisamente, la sensación de un producto que podría haber sido mejor de lo que es. Parece más bien un homenaje necesario para recuperar el recuerdo de los acontecimientos ocurridos en aquel film de 1977 (y de algunas de la segunda trilogía) que una película independiente con vida propia. Todo en ella está pensado para encajar con lo narrado en esa primera película, ya sean personajes como ideas (la esperanza se repite varias veces a lo largo del metraje), y eso, si no se desarrolla con algo de amor propio, tiende a convertirse en un lastre para cualquier película.

Nota: 6,5/10

La cartelera recibe ‘La llegada’ de los ‘Animales fantásticos’


Estrenos 18noviembre2016Fin de semana de importantes estrenos. O al menos, muy esperados. Frente al perfil medio bajo de los títulos que han estado llegando a la cartelera española estas últimas semanas (salvo contadas excepciones), este viernes, 18 de noviembre, se prevé interesante en lo que a atracción a las salas de cine se refiere, ya sea por la variedad de novedades como por el interés que puede suscitar el que sin duda es el estreno de la semana.

Ese no es otro que Animales fantásticos y dónde encontrarlos, nueva propuesta de fantasía, aventura y magia de la mano de J.K. Rowling que se espera tome el testigo de la saga Harry Potter… al fin y al cabo, se ambienta en el mismo universo. Su historia comienza en 1926, cuando un joven mago se embarca en un viaje por todo el mundo para encontrar y catalogar un sinfín de criaturas mágicas. Una de las paradas en su recorrido es Nueva York, y lo que en principio iba a ser un sencillo alto en el camino se convierte en un problema cuando varias de las bestias ya recogidas y catalogadas se escapan, lo que pone en apuros tanto el mundo de la magia como el del resto de mortales. La cinta, que cuenta con capital británico y norteamericano, está dirigida por David Yates (La leyenda de Tarzán) y protagonizada por Eddie Redmayne (La chica danesa), Katherine Waterston (Steve Jobs), Ezra Miller (Las ventajas de ser un marginado), Colin Farrell (serie True detective), Samantha Morton (La señorita Julia), Ron Perlman (Stonewall), Jon Voight (serie Ray Donovan), Johnny Depp (Alicia a través del espejo) y Carmen Ejogo (Selma), entre otros.

También destaca La llegada, nueva propuesta de Denis Villeneuve (Sicario) que, en clave de ciencia ficción, narra cómo unas naves extraterrestres aterrizan inesperadamente en diversos puntos del planeta. Al frente del grupo de expertos que deberán averiguar el motivo de esta llegada está una lingüista que pondrá su vida y la de sus colaboradores en peligro para evitar la guerra mundial a la que parece abocada la Humanidad. Lo que no sabe es que con sus actos puede provocar algo peor que una guerra. Basada en la historia de Ted Chiang, la película cuenta con un reparto encabezado por Amy Adams (Big eyes), Jeremy Renner (Capitán América: Civil War), Forest Whitaker (V3nganza), Michael Stuhlbarg (El caso Fischer), Tzi Ma (Pali road) y Mark O’Brien (The dark stranger).

Otra de las propuestas procedentes de Hollywood es Como reinas, comedia de aventuras familiar cuyo argumento gira en torno a una viuda que recibe por error un cheque de la seguridad social de 900.000 dólares. Junto a su mejor amiga decide vivir el viaje de sus vidas en Gran Canaria, pero terminan convirtiéndose en fugitivas de la justicia y en la sensación de los medios. Andy Tennant (Exposados) se pone tras las cámaras de esta cinta que cuenta entre sus actores con Shirley MacLaine (La vida secreta de Walter Mitty), Jessica Lange (serie American Horror Story: Freak show), Demi Moore (Margin call), Judd Hirsch (Independence Day: Contraataque), Billy Connolly (Nuestro último verano en Escocia) y Matt Walsh (La oscuridad).

El terror tiene su máximo representante en El extraño, coproducción entre Estados Unidos y Corea del Sur que arranca cuando un pequeño pueblo se ve sacudido por una serie de extrañas y violentas muertes. Las supersticiones pronto señalan como culpable a un anciano que vive como un ermitaño cerca del pueblo desde hace poco tiempo. Escrita y dirigida por Na Hong-ji (Hwanghae), la película está protagonizada por Hwang Jung-min (New world), Kwak Do Won (Bereullin), Chun Woo-hee (Mother) y Jo Han-Cheol (48M).

Entre los estrenos europeos destaca Un traidor como los nuestros, coproducción anglofrancesa que adapta una novela de John le Carré y que, en clave de thriller, narra cómo una pareja de vacaciones en Marrakech se ve envuelta en un juego mortal de secretos y mentiras entre el Servicio Secreto Británico y la mafia rusa. Todo por entablar cierta amistad con un multimillonario ruso que resulta ser miembro de un clan mafioso y que parece tener especial interés en desvelar todos los secretos de su organización criminal. Susanna White (La niñera mágica y el Big Bang) dirige esta propuesta en la que destacan actores como Ewan McGregor (Mortdecai), Stellan Skarsgård (El médico), Damian Lewis (serie Homeland) y Naomie Harris (Spectre).

La comedia dramática de época está representada por Amor y amistad, nueva adaptación de una obra de Jane Austen, en este caso un relato corto, que narra los intentos de una mujer para desposar a su hija en 1790. Para ello viaja hasta la casa de campo de su familia política. Whit Stillman (Damiselas en apuros) adapta y dirige esta producción que cuenta con capital irlandés, francés y holandés, y en cuyo reparto encontramos a Kate Beckinsale (Absolutamente todo), Chloë Sevigny (serie American Horror Story: Hotel), Xavier Samuel (Corazones de acero), Stephen Fry (El hombre que conocía el infinito), James Fleet (Mr. Turner), Jemma Redgrave (serie Doctor Who) y Emma Greenwell (Holy Ghost People).

Puramente francesa es La doctora de Brest, adaptación del libro de Irène Frachon que, en clave dramática, narra la lucha de esta doctora contra todo el sistema sanitario por desvelar los efectos mortales de un fármaco aprobado por el Estado después de que se produzcan sospechosas muertes de varios pacientes. Dirigida por Emmanuelle Bercot (La cabeza alta), la película está protagonizada por Sidse Babett Knudsen (El juez), Benoît Magimel (Pequeñas mentiras sin importancia), Charlotte Laemmel (Apnée), Isabelle de Hertogh (Hasta la vista) y Gustave Kervern (Simon).

De 2015 es la española La isla del viento, retrato biográfico de Miguel de Unamuno durante su exilio en Formentera por su oposición a la dictadura de Primo de Rivera, experiencia que transformó por completo al escritor. Tras las cámaras encontramos a Manuel Menchón, que debuta de este modo en el largometraje de ficción, mientras que en el reparto destacan los nombres de José Luis Gómez (Los abrazos rotos), Víctor Clavijo (Silencio en la nieve), Ciro Miró (Nadie quiere la noche), Ruth Armas (Casting) y Ana Celentano (Olvidados).

Con algo de retraso llega la comedia griega Chevalier, producción de 2015 que comienza cuando un grupo de amigos que van a pescar al Egeo en un lujoso yate inician un juego con el que llegarán a convertirse en rivales. Al finalizar el juego, aquel que demuestre ser el mejor hombre se llevará el anillo e la victoria. Athina Rachel Tsangari (Attenberg) dirige este film que cuenta entre sus actores con Giannis Drakopoulos (Oi aities ton pragmaton), Kostas Filippoglou (Gia panta), Yiorgos Kendros (Sta oria), Panos Koronis (Antes del anochecer) y Vangelis Mourikis (Magic men).

Con más retraso todavía se estrena Guerrera (sangre y honor), drama alemán realizado en 2011 por David Wnendt (Hanging on) que gira en torno a una joven neonazi cuyo día a día se desarrolla entre el odio a los extranjeros, a los judíos y a los policías, el alcohol y las peleas. Todo cambia cuando conoce a un refugiado afgano con el que aprenderá que la vida nunca es en blanco y negro. Alina Levshin (Krankheit der Jugend), Jella Haase (Lollipop monster), Sayed Ahmad, Gerdy Zint (Shahada) y Lukas Steltner (Abgebrannt) son los principales actores.

El último de los estrenos de ficción es la mexicana Tamara y la Catarina, cinta que aborda la relación de dos mujeres que encontrarán en el apoyo mutuo un espacio donde no sentirse unas parias y una forma de existir más allá de sus errores y su condición. Escrito y dirigido por Lucía Carreras (Nos vemos, papá), este drama está protagonizado por Gustavo Sánchez Parra (El elegido), Angelina Peláez (Visitantes), Harold Torres (La carga), Alberto Trujillo (Halley), Ángeles Cruz (Marcelino Pan y Vino) y Cecilia Cantú.

En lo que a documental se refiere destaca Omega, cinta española dirigida a cuatro manos por Gervasio Iglesias y José Sánchez-Montes, productores de La isla mínima (2014), que se centra en un proyecto musical que rompió moldes en los noventa. Fusión de flamenco y rock, llegó de la mano de Enrique Morente y Lagartija Nick, fusionando las poesías de Federico García Lorca y las partituras de Leonard Cohen.

También español es el documental In the same boat, dirigido por Rudy Gnutti, quien debuta en el largometraje cinematográfico con esta obra que utiliza un barco en alta mar como metáfora del futuro que se abre ante la Humanidad, que puede utilizar los avances tecnológicos para lograr un mundo más justo, pero que afronta importantes retos que podrían convertirse en amenazas.

Los Globos de Oro acaparan los estrenos de la cartelera española


Estrenos 16enero2015La temporada de premios arrancó el pasado domingo con los Globos de Oro, y este fin de semana la cartelera española se nutre de muchas de sus nominadas y ganadoras. Claro que no solo de premiados viven las salas. Hoy viernes, 16 de enero, aterrizan también algunos de los últimos éxitos de terror aplaudidos por crítica y público y la última aventura de Liam Neeson (Non-Stop) como el gran héroe de acción en el que se ha convertido. Pero como siempre, comencemos el repaso por los títulos más relevantes.

Y debemos hacerlo con La teoría del todo, cinta británica que narra la vida del famoso físico Stephen Hawking desde su juventud en Cambridge. Basada en el libro escrito por su mujer, Jane Hawking, la película aborda el proceso degenerativo que sufrió su cuerpo a causa de una enfermedad que, a los 21 años, le daba una esperanza de vida de dos años. Sin embargo, el amor de la pareja no solo logró superar la enfermedad, sino convertirle en la mente más brillante de los últimos tiempos, algo que también trajo consecuencias negativas a su relación. Dirigido por James Marsh (Shadow dance), este intenso drama biográfico está protagonizado por Eddie Redmayne (Los miserables) y Felicity Jones (Hysteria), quienes dan vida a la pareja protagonista. Junto a ellos encontramos a Charlie Cox (Stardust), Emily Watson (La ladrona de libros), Simon McBurney (Magia a la luz de la luna), David Thewlis (El quinto poder) y Harry Lloyd (Jane Eyre).

Si nos fijamos en lo que nos llega desde Hollywood, una de las propuestas más interesantes es Whiplash, drama ambientado en el mundo de la música escrito y dirigido por Damien Chazelle (Guy and Madeline on a park bench) que narra la obsesión de un joven baterista de jazz por alcanzar la fama y la perfección en una elitista escuela de música. Su vida cambia cuando uno de los profesores, cuyos métodos se podrían considerar violentos, le acoge bajo su protección para lograr su objetivo. La obsesión de uno y los métodos de otro llevarán al joven por un camino que pondrá en peligro su salud física y mental. Miles Teller (Project X) es el protagonista, aunque los focos parecen centrarse más en su antagonista, al que da vida J.K. Simmons (Spider-man). Además, en el reparto destacan Melissa Benoist (serie Glee), Paul Reiser (Esto es todo amigos) y Austin Stowell (Love and honor).

También estadounidense es Siempre Alice, film escrito y dirigido a cuatro manos por Richard Glatzer y Wash Westmoreland (La última aventura de Robin Hood) que adapta la novela de Lisa Genova en la que se narra cómo una profesora de neurología debe luchar contra el alzheimer, enfermedad a la que se enfrenta a una edad muy temprana. Julianne Moore (Carrie) es la gran protagonista de este intenso drama, en el que además podemos ver a Kristen Stewart (Crepúsculo), Kate Bosworth (Perros de paja), Alec Baldwin (Blue Jasmine), Shane McRae (Criadas y señoras) y Hunter Parrish (No es tan fácil).

Volvemos a Europa con V3nganza, tercera entrega de la saga protagonizada por Liam Neeson que dirige Olivier Megaton, autor de Venganza: Conexión Estambul. Escrita y producida por Luc Besson (Lucy), la historia sitúa al héroe en medio de una conspiración y una caza al hombre que ya no solo le involucra a él, sino también a su familia. Tras la muerte de su ex esposa, todas las sospechas recaen sobre este agente especial que deberá recurrir a todas sus habilidades para huir de las fuerzas de seguridad y encontrar a los verdaderos culpables. El reparto se completa con Maggie Grace (Sed de venganza), Famke Janssen (X-Men), Forest Whitaker (El mayordomo) y Dougray Scott (Mi semana con Marilyn).

El terror cuenta esta semana con dos representantes muy distintas. Por un lado Somos lo que somos, producción de 2013 que cuenta con capitales estadounidense y francés y que se basa en el guión de la cinta mexicana de 2010 Somos lo que hay. Su historia narra cómo una familia de antiguas costumbres ve revelados sus secretos más macabros cuando una lluvia torrencial arrasa la vivienda en la que, durante años, han acumulado mentiras y secretos cada vez más insoportables. Jim Mickle (Vampiros del hampa) se pone tras las cámaras, mientras que el reparto está integrado por Bill Sage (Boy wonder), Ambyr Childers (serie Ray Donovan), Julia Garner (Las ventajas de ser un marginado), Kassie Wesley DePaiva (Terroríficamente muertos), Laurent Rejto (Francine) y Jack Gore.

Aunque sin duda la más esperada es Babadook, cinta australiana que llega precedida de un enorme éxito de crítica y público, y que muchos califican como el relevo de los grandes monstruos del terror. Ópera prima de Jennifer Kent, su trama arranca con la vida que una mujer y su hijo tratan de llevar después de la muerte violenta del marido y padre. Mientras que ella no logra sobreponerse, el pequeño sufre unas intensas pesadillas con una criatura que amenaza con matarles. Cuando un libro de cuentos titulado “The Babadook” aparece en su casa, el niño asegura que el monstruo del relato es el mismo que se le aparece en sueños. Preocupada, la mujer decide medicar al pequeño, pero eso solo desencadenará que la presencia se vuelva más real. Essie Davis (Burning man), Noah Wiseman, Daniel Henshall (Around the block), Hayley McElhinney (My mother Frank) y Tim Purcell dan vida a los principales personajes.

La propuesta más internacional es Héctor y el secreto de la felicidad, adaptación de la novela de François Lelord producida entre Reino Unido, Alemania, Canadá y Sudáfrica. Bajo la dirección de Peter Chelsom (Serendipity), el argumento gira en torno a un psiquiatra que trata en su consulta de Londres a los miembros más selectos de la sociedad. Pero aunque sus vidas son aparentemente perfectas, todos ellos tienen en común una falta de felicidad abrumadora, lo que llevará al hombre a iniciar un viaje por todo el mundo para encontrar la fuente de la felicidad. Comedia, aventura y drama se dan cita en esta cinta protagonizada por Simon Pegg (Star Trek: En la oscuridad), Rosamund Pike (Perdida), Toni Collette (serie Rehenes), Christopher Plummer (Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres), Jean Reno (El chef, la receta de la felicidad) y Stellan Skarsgård (El médico), entre otros.

Y esta semana terminamos con la española Historias de Lavapiés, drama de humor negro escrito y dirigido por Ramón Luque (El proyecto Manhattan) que, aunque centra su atención en un profesor de instituto que vuelve al centro tras un año sabático, en realidad es un reflejo de la situación social actual del barrio en el que transcurre la acción y de España en general. A través de los ojos de este profesor asistimos a los problemas de los niños por la falta de recursos, a la situación de los inmigrantes o a la supervivencia de los sin techo. El reparto está encabezado por Guillermo Toledo (Los amantes pasajeros), Sandra Collantes (Una palabra tuya), Rafael Reaño (Tiempo de tormenta), Lidia Cardona (serie La pecera de Eva) y Javier Gutiérrez (La isla mínima).

‘El mayordomo’: Una apuesta por los Oscar en blanco y negro


Forest Whitaker es 'El mayordomo', de Lee Daniels.Si en una película mezclamos acontecimientos históricos, racismo, mirada del hombre corriente, derechos civiles, buenos actores y ensalzamiento de los valores que Estados Unidos defiende (otra cosa es que los ponga en práctica), no hay duda de que estamos hablando de un más que posible candidato a los Oscar. La nueva película de Lee Daniels (El chico del periódico) responde punto por punto a tal descripción. Ahora bien, ¿es la mejor película del año? Y lo más importante, ¿es una buena película? A la primera pregunta todavía no puede responderse; a la segunda pregunta la respuesta, en el mejor de los casos, debería ser un “depende”.

Desde luego, El mayordomo cuenta con todos los pilares necesarios para ser un drama capaz de conmover al más frío de los espectadores. El sufrimiento del protagonista, que asiste como testigo privilegiado a décadas de lucha racial, es el vehículo perfecto para descubrir los trapos sucios de una sociedad dividida. Por otro lado, aprovecha con inteligencia alguno de los momentos más trágicos para evidenciar una falta de sensibilidad humana en unos individuos convencidos de que eran más que sus semejantes simplemente por el tono de piel. Y qué decir de los actores, de lejos lo mejor del conjunto. Casi con toda seguridad Forest Whitaker (Última llamada) y Cuba Gooding Jr. (Hombres de honor) tendrán presencia en las categorías de Mejor Actor y Mejor Actor Secundario en la próxima edición de los premios de Hollywood, es cierto, pero la que destaca es la famosa presentadora Oprah Winfrey en un papel difícil tanto por la complejidad psicológica como por la intermitente forma de presentarlo, siempre como un secundario a la sombra del rol principal.

Y es este uno de los puntos en los que empiezan los problemas de esta película, que no son precisamente pocos. Muchas de las tramas secundarias son abordadas sin demasiada conexión entre sus secuencias, obligando a rellenar las lagunas con el sentido común de cada uno de nosotros. Además, su forma de tratar el racismo y el cambio social que vivió Estados Unidos en esos años resulta, por decirlo de algún modo, excesivamente educativo. Habrá quien lo considere incluso adoctrinamiento. Ya desde la primera secuencia quedan patentes las intenciones de sus responsables para plasmar la evolución de los afroamericanos a lo largo de las décadas. El problema es que lo hace de forma tan evidente, tan poco sutil, que resulta hasta poco creíble. Por otro lado, el constante uso de la voz narrativa del protagonista, quien explica con todo detalle al espectador cómo debe abordar cada uno de los periodos clave de la trama, resta relevancia al contenido visual, llegando incluso a distorsionar algunos momentos dramáticos del film.

Y además de todo esto, es un relato previsible. El mayordomo nunca entra de lleno en la polémica. Se limita a mostrar la Historia estadounidense desde el punto de vista afroamericano, dando a entender que todo, o casi todo, ha estado determinado por el conflicto racial. La evolución social del ser humano, evidentemente, es mucho más compleja. El ejemplo más claro es la guerra de Vietnam, tratada de forma tangencial y sin ninguna sorpresa dramática en su haber. Con todo esto, habrá quienes aplaudan el dramatismo lacrimógeno que reside en los conflictos familiares y quienes la consideren como un homenaje a una parte de la sociedad norteamericana sin más mérito que unos buenos actores. No todo es blanco o negro. Como suele ocurrir en la vida real (y recordemos que esta historia está basada en un hecho verídico), la realidad se encuentra en esa zona gris intermedia.

Nota: 6/10

Unos variados estrenos ponen rumbo a los premios académicos


Estrenos 11octubre2013El otoño ha llegado con fuerza a España. Al menos en lo referente al cine. Si la semana pasada se estrenaba la estupenda Gravity, hoy viernes, 11 de octubre, llegan unos cuantos títulos que por referencias, protagonistas y temáticas tienen muchas papeletas de ser candidatos a los premios que en unos meses dará la Academia de Hollywood. Por supuesto, habrá que esperar, porque si todo lo que está por llegar mantiene el mismo nivel será complicado elegir sólo a un puñado de películas para ser las nominadas. Pero esto es adelantar muchos acontecimientos. Ahora mismo lo interesante es saber qué novedades llegan.

Y entre ellas sobresale El mayordomo, drama que recorre varias décadas de la historia de Estados Unidos a través de uno de los mayordomos de la casa blanca, un hombre afroamericano que luchó por huir de la segregación del sur en su juventud y que vivirá, durante sus años al servicio de varios presidentes, algunos de los acontecimientos más importantes del país. Con una temática de regusto académico, la película cuenta con un buen puñado de nombres que aportan más prestigio si cabe a la trama. El director es Lee Daniels (Precious) y el reparto cuenta con, entre otros, Forest Whitaker (El último rey de Escocia), la famosa presentadora Oprah Winfrey (Beloved), David Oyelowo (Jack Reacher), Terrence Howard (La venganza del hombre muerto), Cuba Gooding Jr. (Red Tails), Robin Williams (La gran boda), John Cusack (El enigma del cuervo), Liev Schreiber (Salt), Alan Rickman (Un plan perfecto), Jane Fonda (La madre del novio), Alex Pettyfer (Magic Mike), Vanessa Redgrave (Anonymous), James Marsden (2 guns) y los cantantes Lenny Kravitz y Mariah Carey.

Otro de los estrenos atractivos es Prisioneros, thriller que narra la angustiosa búsqueda de dos niñas desaparecidas por parte de la policía y sus padres. La trama arranca cuando dos familias de una zona residencial descubren que sus hijas pequeñas han desaparecido. La única pista es una caravana algo destartalada cuyo dueño es acusado del secuestro, aunque puesto en libertad por falta de pruebas. El paso de los días obligará a uno de los padres a tomar decisiones que sobrepasan la moralidad y la legalidad. Denis Villeneuve (Incendies) es el encargado de poner la historia en imágenes y de dirigir a Hugh Jackman (Lobezno inmortal), Jake Gyllenhaal (Código fuente), Terrence Howard, que estrena por partida doble con El mayordomo, Viola Davis (Criadas y señoras), Maria Bello (serie Touch), Melissa Leo (Objetivo: La Casa Blanca) y Paul Dano (Looper).

El tercer estreno norteamericano tampoco se queda atrás en lo que a nombres se refiere. The Bling Ring es lo nuevo de Sofía Coppola (Lost in Translation), que escribe y dirige esta trama inspirada en un hecho real: el de un grupo de cinco amigos adolescentes de Los Ángeles que, tras vigilar a los famosos por Internet, entraron a robar a sus casas, obteniendo un botín de unos 3 millones de dólares. Katie Chang (A birder’s guide to everything), Israel Broussard (Flipped), Emma Watson (saga Harry Potter), Claire Julien, Taissa Farmiga (serie American Horror Story), Georgia Rock y Leslie Mann (Si fuera fácil) son los principales protagonistas de este drama.

En cuanto al resto del mundo, España destaca otra vez por la cantidad de películas que presenta, ya sea en solitario o como co producción. Caníbal es sin duda la más laureada, habiendo pasado por varios festivales. El argumento gira en torno a un prestigioso sastre reservado cuya vida gira en torno al trabajo y la comida. Pero no cualquier comida. El hombre es caníbal, y se alimenta de mujeres desconocidas, turistas, … que no significan nada para él. Todo cambia cuando conoce a una joven inmigrante que busca desesperadamente a su hermana, a su vez vecina del caníbal. Nueva película de Manuel Martín Cuenca (La flaqueza del bolchevique), la película está protagonizada por Antonio de la Torre (La gran familia española), al que acompañan María Alfonsa Rosso (La estrella), Olimpia Melinte (Killing time) y Delphine Tempels.

Argentina, Francia, España y Noruega son los países que están detrás de El médico alemán, drama escrito y dirigido por Lucía Puenzo (El niño pez) que narra el viaje de un médico nazi en 1960 a través de la Patagonia acompañando a una familia que va hacia el sur. El viaje reavivará sus recuerdos y sus ideales políticos, y aunque oculta su identidad, sus maneras, su educación y sus conocimientos sobre ciencia y medicina harán que la sospecha se cierna cada vez más sobre él. La película está protagonizada por Natalia Oreiro (Mi primera boda), Àlex Brendemühl (Héroes), Diego Peretti (Al final del camino), Florencia Bado, Elena Roger (Un amor) y Guillermo Pfening (Belgrano).

 Por cierto que los Oscar no solo están presentes este fin de semana en las posibilidades de los estrenos norteamericanos. Pie de página, nominada al Oscar a Mejor Película de Habla No Inglesa, también se estrena. Producida en Israel en 2011, esta comedia romántica se centra en la relación entre un padre y un hijo, ambos catedráticos y ambos diametralmente opuestos. El primero nunca ha visto reconocido su trabajo, mientras el segundo es una estrella ascendente. Sin embargo, la distinción con un importante premio al padre hará aflorar tanto la necesidad de atención de uno como la envidia del otro. Escrita y dirigida por Joseph Cedar (Beaufort), el film cuenta en su reparto con Shlomo Bar-Aba (Nisuim Fiktiveem), Lior Ashkenazi (Kalevet), Aliza Rosen (Himmo Melech Yerushalaim), Yuval Scharf (The dealers) y Alma Zack (Zohi Sdom).

España y Argentina tienen también participación en Mujer conejo, en la que hay presente además capital venezolano. La trama comienza cuando una funcionaria estatal descubre que la policía argentina está controlada por la mafia. Desde entonces deberá salvar su vida si quiere llegar a desvelar esa información. Para ello huye al campo y termina en una zona infestada de conejos alterados genéticamente para que sean carnívoros. Sin embargo, allí descubre algo más, algo que acabaría con la mafia para siempre, aunque antes tendrá que salir con vida. Escrita y dirigida por Verónica Chen (Agua), la película está protagonizada por Haien Qiu (Extraños en la noche), Gloria Carrá (Las viudas de los jueves) y Luciano Cáceres (Carne de neón).

Y para terminar, algo de música, concretamente rock y, más concreto aún, del grupo Metallica. Nimród Antal (Predators) es el encargado de dirigir Metallica: Through the never, cinta que mezcla realidad y ficción al narrar la historia de un joven que ha de cumplir un encargo mientras se desarrolla un concierto de la banda repleto de público. Dane DeHann (Chronicle) da vida a este personaje, que se cruzará con los verdaderos integrantes de la banda y el equipo que les acompaña.

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